Zapomnij o klasycznej talii. Ten trend z wybiegów Diora i Jacquemusa zmienia sylwetkę w sekundę
Jeszcze niedawno projektanci skupiali się na podkreślaniu naturalnej talii. Dziś jednak moda skręca w zupełnie inną stronę. Na wybiegach najważniejszych domów mody coraz częściej pojawia się baskinka. Ten detal, znany z historycznych krojów i gorsetów, wraca w nowoczesnej odsłonie i ma szansę stać się jednym z najmocniejszych trendów 2026 roku.
Projektanci pokazali go podczas ostatnich pokazów w Paryżu, a pierwsze stylizacje z tą formą zaczynają pojawiać się także poza wybiegami. Wszystko wskazuje na to, że baskinka przestaje być wyłącznie elementem eleganckich sukienek i wkracza do codziennej garderoby. ZOBACZ TAKŻE: Czekoladowy brąz odchodzi w cień. Ten kolor opanował wszystkie wiosenne kolekcje. Baskinka na wybiegach w Paryżu W swojej najbardziej klasycznej formie baskinka oznacza talię, która delikatnie opada poniżej naturalnej linii pasa, tworząc charakterystyczne wydłużenie na środku sylwetki. Taki krój optycznie wydłuża tułów i zmienia proporcje całej stylizacji. Podczas ostatnich pokazów Jacquemus, Saint Laurent czy Alaïa pokazywali ją w bardzo rzeźbiarskiej formie. Talia była mocno zaznaczona, a linia materiału układała się w wyraźny, niemal architektoniczny kształt. Efekt? Sylwetka wyglądała bardziej dynamicznie i zdecydowanie bardziej wyrazista niż w klasycznych krojach. Nie wszyscy projektanci poszli jednak w stronę dramatycznej konstrukcji. Dior zaproponował bardziej subtelną interpretację trendu – z miękkimi liniami i płynnymi formami, które wydłużają sylwetkę, ale nie sprawiają wrażenia przesadnie gorsetowych. Dlaczego projektanci znów zakochali się w tej linii? Powrót baskinki nie jest przypadkowy. W ostatnich sezonach moda coraz częściej eksperymentuje z linią talii i proporcjami ciała. Projektanci testują nowe sposoby modelowania sylwetki – od gorsetowych topów po rzeźbiarskie marynarki. CZYTAJ TEŻ: Tych jeansów miałyśmy już nie nosić. A jednak – tej wiosny będą hitem! Ogromną popularność zdobyły także ubrania z falbaną w talii. Jeansy z baskinką czy rozkloszowane żakiety pojawiały się na wybiegach w Nowym Jorku, Mediolanie i Londynie. Baskinka wpisuje się w ten nurt, ale robi to w bardziej subtelny sposób. Zamiast poszerzać biodra, jak robi to typowa falbanka, wydłuża linię torsu i prowadzi wzrok w dół, dzięki czemu sylwetka wydaje się smuklejsza i bardziej elegancka. Jak nosić baskinkę w 2026 roku? Największą zaletą tego trendu jest jego uniwersalność. Baskinka może pojawić się w wielu formach – od bardzo subtelnych po mocno zaznaczone konstrukcje. Najmodniejsze wersje to: dopasowane topy z wydłużoną linią talii, sukienki z gorsetową górą i obniżoną talią, płaszcze i żakiety z delikatnym rozszerzeniem poniżej pasa. Styliści radzą, aby łączyć je z prostym dołem – na przykład z dopasowanymi spodniami lub minimalistyczną spódnicą. Dzięki temu cała uwaga skupia się na linii talii. Trend, który może zaskoczyć Choć dziś najwięcej mówi się o falbanach, peplum czy oversize’owych marynarkach, baskinka powoli zdobywa coraz większą uwagę projektantów. Jej siła polega na tym, że subtelnie zmienia proporcje ciała, nie wymagając spektakularnych konstrukcji. Dlatego wielu stylistów uważa, że w nadchodzących miesiącach może pojawiać się coraz częściej – nie tylko na wybiegach, ale także w kolekcjach popularnych marek.
Czekoladowy brąz odchodzi w cień. Ten kolor opanował wszystkie wiosenne kolekcje.
Jeszcze niedawno królował głęboki brąz przypominający tabliczkę gorzkiej czekolady. Tej wiosny projektanci zmieniają jednak ton – stawiają na odcień lżejszy, rozświetlony i pełen subtelnego luksusu. Sezon wiosna 2026 należy do ciepłego brązu w wersji koniakowej i bursztynowej – koloru, który wygląda jak muśnięty słońcem!
Na wybiegach widać wyraźną zmianę nastroju. Zamiast ciężkich, nasyconych tonów pojawiły się odcienie karmelu i miodu. Ciepły brąz otula, jest elegancki, zmysłowy i nieoczywisty. I co najważniejsze – niesamowicie twarzowy. ZOBACZ TAKŻE: Tych jeansów miałyśmy już nie nosić. A jednak – tej wiosny będą hitem! Koniakowa elegancja z nutą retro W kolekcji Hermes wiosna/lato 2026 skórzany trencz w odcieniu koniaku zestawiono z krótkimi, dopasowanymi szortami w wyrazistej czerwieni, tworząc kontrast pełen energii. Projektanci postawili na miękką, lekko połyskującą skórę, która w świetle nabierała niemal biżuteryjnego charakteru. Ciepły brąz w tej odsłonie jest nowoczesny, ale z subtelnym ukłonem w stronę lat 70. Bursztynowe światło na wieczór Wieczorowa moda również uległa tej fascynacji. Na wybiegu Schiaparelli pojawiły się lekkie, półtransparentne tkaniny w kolorze miodowego brązu, które w ruchu przypominały płynne złoto. Warstwowe falbany, zwiewne rękawy i połyskujące aplikacje sprawiały, że całość wyglądała jak zanurzona w ciepłym świetle zachodzącego słońca. W kontrze do minimalistycznych form dnia, wieczór przynosił teatralność. Frędzle w odcieniu starego złota u Chanel, błyszczące nici i strukturalne żakiety z biżuteryjnymi zdobieniami pokazały, że ciepły brąz potrafi być spektakularny. To kolor, który nie potrzebuje konkurencji – sam buduje całą stylizację. Naturalność w wersji premium Wiosna 2026 to także triumf faktur. Ażurowe dzianiny w kolorze karmelu jak w kolekcji Balmain, skórzane torby w odcieniu koniaku i miękkie, skórzane kurtki zestawiane z lekkimi, piaskowymi spodniami tworzyły spójną, organiczną opowieść. Ciepły brąz idealnie podkreśla strukturę materiału – od gładkiej skóry po ręcznie wyglądające sploty. CZYTAJ TEŻ: Dzień Kobiet 2026 w estetyce quiet luxury. Te wybory mówią więcej niż słowa Duża torba w karmelowym kolorze noszona do prostych jeansów i białej koszuli w stylu Stelli McCartney to przepis na niewymuszoną casualową stylizację. Jak nosić ciepły brąz wiosną 2026? Najmodniejsze stylizacje podpowiadają kilka kluczowych zasad: Total look – odcień koniaku od stóp do głów, przełamany jedynie fakturą. Kontrast z czerwienią lub fuksją – ciepły brąz pięknie podbija intensywne kolory. Zestawienie z bielą i denimem – dla efektu świeżości i nowoczesności. Złota biżuteria – podkreśla bursztynowe tony i dodaje blasku. To kolor niezwykle uniwersalny. Na jasnej skórze wygląda jak delikatna opalenizna, na ciemniejszej – jak naturalne przedłużenie jej tonu. Sprawdza się zarówno w surowych, architektonicznych formach, jak i w romantycznych, miękkich sylwetkach. Ciepły brąz jest bardziej miękki niż klasyczna czerń, bardziej wyrafinowany niż beż. Nowa definicja brązu Czekoladowy brąz był symbolem jesiennej i zimowej elegancji. Wiosna 2026 redefiniuje tę paletę. Koniakowy i bursztynowy odcień wnosi lekkość, światło i świeżość. To brąz pełen słońca, naturalności i subtelnego luksusu. To klasyk, który z każdym sezonem nabiera jeszcze więcej charakteru.
Z dnia na dzień stracił przyjaciela i imperium. Marcell Pustul o najciemniejszym rozdziale swojego życia – tylko w VIVIE
Z dnia na dzień stracił nie tylko biznesowego partnera, ale też przyjaciela i świat, który budował przez lata. Po tragicznej katastrofie samolotu imperium Marcella Pustula rozpadło się, a on sam musiał zmierzyć się z pustką, stratą i finansowym upadkiem. W szczerej rozmowie z Katarzyną Piątkowską dla VIVY projektant, który ubierał Beyoncé, Madonnę i Lady Gagę, opowiada o najciemniejszym rozdziale swojego życia i o tym, jak nauczył się zaczynać od nowa.
Kiedy w październiku 2022 roku dowiedział się o katastrofie samolotu u wybrzeży Kostaryki, w jednej chwili stracił bliskiego człowieka i poczucie bezpieczeństwa. Chwilę później zaczął tracić także firmę, którą budował przez lata. W rozmowie z Katarzyną Piątkowską dla VIVY wraca do tamtych wydarzeń i po raz pierwszy tak otwarcie mówi o cenie sukcesu, samotności i konieczności zaczynania od zera. Zanim jednak powstało modowe imperium z butikami w Berlinie i Los Angeles oraz marka kochana przez światowe gwiazdy, był chłopakiem z Michałkowic niedaleko Siemianowic Śląskich. To właśnie tam, podpatrując babcię i mamę szykującą się w niedzielę do wyjścia, narodziło się marzenie, które zaprowadziło go najpierw do Nowego Jorku, a później na czerwone dywany. Dziś buduje wszystko od nowa — już pod własnym nazwiskiem. Od Michałkowic do Los Angeles – jak Marcell Pustul stracił wszystko i zaczyna od nowa. Wywiad VIVA! – Jak 18-latek ze śląskiego miasteczka poradził sobie w Nowym Jorku? Bardzo chciałem sam budować swoje życie, a tam miałem okazję. W końcu wyrwałem się spod opiekuńczych skrzydeł mojej rodziny, które tak naprawdę mnie zniewalały. Poczułem zew wolności i bardzo mi się to spodobało. Od razu zacząłem pracować. Rano, przed zajęciami w jednej z knajpek serwowałem śniadania, a wieczorami byłem kelnerem na eventach. Sprzątałem mieszkania bogaczy i odkładałem każdy grosz na opłacenie studiów i mieszkanie. Potem załapałem się jako visual merchandiser w Zarze i projektowałem wystawy, aż w końcu trafiłem do McQueena. Zaczynałem od najniższych stanowisk, ale mogłem podglądać, jak się robi wielką modę. Studiowałem modę, ale też PR i marketing. Uważam, że dobrze wykorzystałem swój moment. – Nie chciałeś tam zostać po studiach? Nie, bo te pięć lat w Stanach Zjednoczonych były dla mnie naprawdę ciężkie. Prowadziłem bardzo intensywne życie, wypełnione nauką i pracą. Wolałem wrócić do Europy, ale nie chciałem do Polski. Zawsze lubiłem Berlin i pomyślałem, że przeniosę się właśnie tam. Wtedy to było miasto, w którym życie nie było bardzo drogie, i czułem się tam dobrze. Ale zanim podjąłem ostateczną decyzję, zrobiłem rozeznanie, jak wygląda tam rynek modowy. Odkryłem, że nie ma zbyt wielu marek oferujących stroje na czerwone dywany, a ja umiałem je szyć. Najpierw pracowałem w mieszkaniu i szyłem na miarę. Pierwsze sukienki kupowały ode mnie moje koleżanki i koleżanki koleżanek. Później otworzyłem małą pracownię i butik. – Aż w końcu zorganizowałeś pokaz podczas Berlińskiego Tygodnia Mody? Wiadomo, że ciężko pracowałem, ale miałem szczęście do ludzi. Poznałem zwyciężczynię niemieckiego konkursu „Germany’s Next Topmodel” Stefanie Giesinger. Zaprzyjaźniliśmy się, ale co ważniejsze, spodobało jej się to, co robię. Zaczęła nosić moje projekty i pokazywać je na swoich profilach w social mediach. A miała wtedy ponad milion followersów. Wszystkie te dziewczyny, które ją obserwowały, zapragnęły nosić takie same ubrania jak ona, więc do mnie zaczęły ustawiać się kolejki. Wtedy też poznałem człowieka, któremu bardzo podobały się moje projekty. On sam miał sieć siłowni McFit, ale chciał zainwestować w modę. Wybrał mnie. – Byłeś zaskoczony? Gdy podszedł do mnie właśnie po pokazie na Fashion Weeku i powiedział, że chętnie zainwestuje w moją markę, pomyślałem: Koleś od siłowni mówi mi, że da mi pieniądze na rozwój marki. No jasne! Ale spotkaliśmy się, bo uznałem, że nie można tracić okazji. Zaproponował mi 20 milionów euro. Przeżyłem szok! To mi się nawet nie śniło. Byłbym niemądry, gdybym odrzucił taką ofertę. Ale wiesz, tak myślę, że ta sytuacja, ta nasza współpraca była dla mnie utratą wolności, z czego wtedy nie zdawałem sobie sprawy. Dzisiaj wiem, że nie mogę dać się osaczyć i pozwolić innym ludziom, by mną dyrygowali. Nie nadaję się do tego. Ale wtedy tego nie wiedziałem. Zgodziłem się na otwarcie wielkiego butiku w sercu Berlina. Pamiętam, że to on wybrał lokal i miejsce, a ja się tylko zdenerwowałem, że żeby wypełnić te kilkaset metrów, trzeba wyprodukować naprawdę dużo ubrań. On stwierdził, że on jest od inwestowania, a ja od projektowania. Sklep okazał się strzałem w dziesiątkę. Jakiś czas później otworzyliśmy kolejny butik na jednej z najbardziej prestiżowych ulic we Frankfurcie. Aż w końcu Niemcy okazały się dla nas za małe. Chcieliśmy więcej. Pomyślałem, że może pora wrócić do Stanów Zjednoczonych. Zobacz też: Chłopak ze śląskiego miasteczka ubierał Madonnę i Beyoncé, nagle stracił wszystko. Dziś zaczyna od nowa – tylko w VIVIE – Plan został zrealizowany. Byliśmy pod tym względem do siebie bardzo podobni. Gdy wymyślaliśmy jakiś plan, natychmiast przystępowaliśmy do jego realizacji. Butik w Los Angeles otworzyliśmy na Melrose Avenue. Wynajęliśmy cały budynek. – Czułeś, że los cały czas jest po Twojej stronie? Myślałem raczej, że dostaję od niego kredyt, który będę musiał spłacić. I tym razem za wszelką cenę chciałem udowodnić, że zasługuję na tę szansę i dobrze ją wykorzystam. Okazuje się, że ja całe życie robiłem różne rzeczy, żeby coś udowodnić innym ludziom. Chyba w tym wszystkim było za mało mnie. Nie zarabiałem dużych pieniędzy, a naprawdę ciężko pracowałem. Nie chodziłem na urlop, bo z jednej strony na samą myśl o wolnym dniu wpadałem w panikę, a z drugiej uważałem, że po co mam gdzieś wyjeżdżać, skoro mieszkam w Los Angeles, mam ocean, basen, siłownię i słońce przez cały rok. Nie pomyślałem, żeby odpoczywać. W 2021 roku w kultowej willi Sheats-Goldstein Residence odbył się wielki pokaz za pół miliona dolarów, na którym pojawiła się kalifornijska śmietanka towarzyska, a ja nie umiałem się tym cieszyć. – Dlaczego? Miałem tak, że jak tylko kończyłem projektować kolekcję, już nie mogłem na nią patrzeć. Od razu musiałem zaczynać pracę nad kolejną. Chyba byłem przepracowany. Dzisiaj stawiam na zupełnie coś innego. Cieszę się każdą zaprojektowaną rzeczą, często wracam do tego, co już wcześniej wymyśliłem, tylko w trochę innej odsłonie. Wolę stworzyć dużo mniej, ale za to ponadczasowych rzeczy, na przykład w kilku wariantach kolorystycznych. – Dochodzimy do momentu, który zmienił Twoje życie? To był 21 października 2022 roku. Wtedy umarł mój partner biznesowy, a mój świat runął. Jego samolot, którym leciał z synem, partnerką i jej córką, i ze swoim asystentem, zaginął u wybrzeży Kostaryki. Kilka dni później odnaleziono tylko dwa ciała – jego i jego pięcioletniego syna. Straciłem bliskiego człowieka, a wraz z nim poczucie bezpieczeństwa. Nie wiedziałem, co będzie dalej, ale ja mam taką cechę, że najpierw przez trzy dni panikuję, a potem zabieram się do pracy. Tylko w tym wypadku było gorzej, bo musiałem czekać, aż rozstrzygnie się, kto odziedziczy firmę. Okazało się, że wszystko przypadło jego bratu, który pozbył się wszystkiego oprócz sieci siłowni. Chciałem być tylko projektantem, a znalazłem się w centrum dramatu życiowego, który mnie w sumie nie dotyczył. – To wtedy okazało się, że musisz zacząć wszystko od nowa? Tak, firma przepadła. Ale to nie był koniec świata. Tylko że pojawiły się kłopoty finansowe. Musiałem zlikwidować oszczędności. Sprzedałem wszystko, co miałem w garderobie: kultowe torby Goyard, Louis Vuitton, luksusowe zegarki, buty. Najpierw było mi tego wszystkiego szkoda, ale w końcu zrozumiałem, że to tylko rzeczy. A na dokładkę okazało się, że to było niezwykle oczyszczające doświadczenie. Zrozumiałem, że te rzeczy mnie nie definiują, bo bez nich jestem takim samym człowiekiem, jak z nimi. [...] Cała rozmowa do przeczytania w nowej VIVIE!. Magazyn dostępny w punktach sprzedaży od czwartku, 26 lutego. ZOBACZ TAKŻE: „W trzy miesiące wygrałem pół miliona. Zostało 10 tysięcy”. Tylko w VIVIE Norbi o 17 latach życia w nałogu
Chłopak ze śląskiego miasteczka ubierał Madonnę i Beyoncé, nagle stracił wszystko. Dziś zaczyna od nowa – tylko w VIVIE
W wieku 30 lat dostał inwestycję, o której marzy większość projektantów – 20 milionów euro i wsparcie jednego z najbogatszych niemieckich biznesmenów. Kilka lat później stracił nie tylko firmę, ale i przyjaciela. Dziś Marcell Pustul wraca do punktu wyjścia – bogatszy o doświadczenie, bardziej świadomy i gotowy budować markę na własnych zasadach.
Miał butiki w Berlinie i Los Angeles. Ubierał Madonnę, Toni Braxton, Beyoncé. Pewnego dnia świat projektanta runął. Dzisiaj Marcell Pustul buduje wszystko od nowa. O drodze do sukcesu, bolesnej stracie i widokach na przyszłość opowiedział Katarzynie Piątkowskiej. Od Marcell von Berlin do nowego początku: jak Marcell Pustul odbudowuje markę – Przez lata pracowałeś za granicą. Miałeś butiki w Berlinie, Frankfurcie, Los Angeles. Stworzyłeś markę Marcell von Berlin, którą kochały gwiazdy. Twoje kreacje nosiły Beyoncé, Toni Braxton, Madonna, Lady Gaga. Teraz zaczynasz wszystko od nowa w Warszawie, z nową nazwą. W wyniku splotu różnych okoliczności straciłem wszystko, co budowałem przez lata, i musiałem zacząć od zera. Postanowiłem zrobić to w miejscu, z którym wcześniej nie miałem do czynienia. Od zawsze uważałem, że to moja marka powinna być bardziej znana ode mnie, i lepiej, żeby na czerwonym dywanie pojawiały się gwiazdy w moich sukniach, a nie ja. Ale ponieważ zaczynam z nową energią w nowym miejscu, postanowiłem dać temu, co robię, swoje nazwisko. – Wszyscy pytają, co tu robisz? Codziennie słyszę to pytanie. Ludzie chyba myślą, że zwariowałem (śmiech). – Łatwo jest uwierzyć, że skoro odniosłeś sukces w Los Angeles, to złapałeś Pana Boga za nogi. A wiesz, że ja tak nie uważałem? Ubierałem gwiazdy: Toni Braxton, Beyoncé, Lady Gagę i wiele innych. W Los Angeles wszystko kręci się wokół stylistów – to oni są bramą do gwiazd. Zaczęło się od wypożyczeń do sesji i mniejszych wydarzeń. Jedna suknia pojawiła się na czerwonym dywanie, potem kolejna. Nagle telefon zaczął dzwonić częściej. Pamiętam moment, kiedy zobaczyłem zdjęcie, na którym Madonna ma na sobie mój projekt. W pewnym momencie moje kreacje zaczęły być brane na gale, premiery, występy sceniczne. I wtedy zrozumiałem, że marka zaczęła żyć własnym życiem. Ale wciąż wydawało mi się, że jestem niewystarczający i że to wszystko, co dał mi los, będę musiał kiedyś zwrócić. Nie spodziewałem się, że to nastąpi tak szybko. – Jak w piosence Anny Jantar: „Nic nie może przecież wiecznie trwać. Co zesłał los, trzeba będzie stracić”. To o mnie! W wieku 30 lat los postawił na mojej drodze Rainera Schallera, jednego z najbogatszych niemieckich biznesmenów, który uwierzył we mnie za mnie i zainwestował w Marcell von Berlin 20 milionów euro. A pięć lat później odebrał mi przyjaciela, bo przez ten czas zdążyliśmy się zaprzyjaźnić, i wszystko, co zbudowałem. Okazało się, że zbudowałem nie na tych fundamentach, co trzeba. [...] Cała rozmowa do przeczytania w nowej VIVIE!. Magazyn dostępny w punktach sprzedaży od czwartku, 26 lutego. ZOBACZ TAKŻE: „W trzy miesiące wygrałem pół miliona. Zostało 10 tysięcy”. Tylko w VIVIE Norbi o 17 latach życia w nałogu
To naprawdę tylko 20 m². Ten mikroapartament w Gdańsku udowadnia, jak wiele można zmieścić na małym metrażu
Niewielki metraż często oznacza kompromisy — brak miejsca do przechowywania, wizualny chaos i poczucie ciasnoty. Mikroapartament w gdańskiej inwestycji Żurawie pokazuje jednak, że nawet 20 m² może stać się przestrzenią komfortową, elegancką i funkcjonalną, jeśli projekt zaczyna się od właściwego pytania: jak naprawdę chcemy tu żyć?
Małe mieszkania bywają wyzwaniem szczególnie wtedy, gdy próbujemy zmieścić w nich wszystko, co znamy z większych wnętrz. Efektem często jest przeładowanie przestrzeni i brak wygody. Projekt autorstwa Aleksandry Czajki-Witkowskiej udowadnia, że rozwiązaniem nie jest „więcej”, lecz przemyślana selekcja funkcji i konsekwencja projektowa. I tak w Gdańsku na zaledwie 20 m² powstało wnętrze o hotelowej logice użytkowania — intuicyjne, uporządkowane i zaskakująco przestronne. Idealne na weekendowy c Problem: mały metraż i codzienny chaos Największym wyzwaniem mikro apartamentów dostępnych przede wszystkim dużych miastach, jest brak miejsca do przechowywania oraz konieczność łączenia wielu funkcji w jednej przestrzeni. Zamiast klasycznego układu mieszkania projektantka zdecydowała się na rozwiązanie inspirowane wnętrzami hotelowymi — ograniczenie stref do tych naprawdę potrzebnych i ukrycie elementów technicznych w zabudowie. Kuchnia została sprytnie schowana w części wejściowej, dzięki czemu szeroki przedpokój zamienił się w pojemną, symetryczną zabudowę mieszczącą sprzęty kuchenne, pralkę i zmywarkę. Dzięki temu główna przestrzeń salonu pozostała spokojna wizualnie i przeznaczona wyłącznie do wypoczynku. Rozwiązanie: konsekwencja, kolor i precyzja W części dziennej dominują stonowane beże, które optycznie powiększają wnętrze i tworzą eleganckie tło dla pojedynczych, wyrazistych akcentów kolorystycznych. Najmocniejszym z nich jest bordowa rama sufitu, wprowadzająca do wnętrza architektoniczny rys bez efektu przytłoczenia. Lustrzane fronty wiszącej szafy dodatkowo potęgują wrażenie przestrzeni, a zaprojektowane na wymiar łóżko z przedścianką pełni jednocześnie funkcję półki i subtelnego oświetlenia. Z kolei łazienka zaprojektowana została jak osobna scenografia — kontrastowa część umywalkowa z bordowymi ścianami i wzorzystymi płytkami zestawiona została z jasną, wyciszoną strefą prysznicową. Dzięki temu nawet niewielkie pomieszczenie zyskuje rytm i głębię, a jednocześnie pozostaje funkcjonalne. Mała przestrzeń, duża wygoda Cały apartament zaprojektowano z myślą o trwałości i wygodzie użytkowania: odporne materiały, proste fronty, lekkie meble i starannie dobrane oświetlenie tworzą wnętrze, które dobrze znosi intensywne użytkowanie, a jednocześnie zachowuje elegancki charakter. Projekt pokazuje, że 20 m² nie musi oznaczać rezygnacji z estetyki ani komfortu — kluczem jest odwaga projektowa i konsekwentne podejmowanie decyzji. Ten gdański mikroapartament to przykład myślenia o przestrzeni w sposób dojrzały i praktyczny: zamiast próbować optycznie „powiększać” metraż na siłę, projekt wykorzystuje jego potencjał, tworząc wnętrze uporządkowane, spokojne i zaprojektowane dokładnie pod potrzeby użytkownika.
Po tym jednym szczególe projektanci od razu poznają, że mieszkanie urządzał amator.
To detal, który wielu osobom wydaje się nieistotny. A jednak projektanci wnętrz mówią wprost: wystarczy jedno spojrzenie na okno, by wiedzieć, czy mieszkanie urządzał amator. Zbyt krótkie i źle zawieszone zasłony potrafią zepsuć nawet najdroższą aranżację.
Można mieć designerską sofę, modne kolory ścian i starannie dobrane dodatki, a mimo to wnętrze będzie wyglądało nie najlepiej, a w gorszych wypadkach nawet tanio. Powód? Błąd, który w polskich mieszkaniach pojawia się wyjątkowo często. Chodzi o zasłony – a konkretnie o ich długość, szerokość oraz sposób montażu karnisza. Projektanci podkreślają bowiem, że to właśnie one budują proporcje pomieszczenia i wpływają na jego odbiór bardziej, niż nam się wydaje. Wystarczy kilka centymetrów różnicy, by efekt był spektakularny… albo rozczarowujący. Zbyt krótkie zasłony – najczęstszy błąd Najbardziej widoczny problem? Zasłony kończące się kilka centymetrów nad podłogą. Eksperci podkreślają, że zasłony powinny: delikatnie dotykać podłogi, kończyć się 1–2 cm nad nią (jeśli zależy nam na praktyczności), albo miękko układać się na podłodze (efekt eleganckiego „puddlingu”). Tymczasem wiele osób wybiera standardową długość 250 cm bez sprawdzenia wysokości pomieszczenia. Efekt? Tkanina „wisi w powietrzu”, skraca optycznie ścianę i sprawia wrażenie przypadkowości. Krótka zasłona wygląda tak, jakby została kupiona w pośpiechu – bez przemyślenia proporcji. Źle zamontowany karnisz – drugi sygnał alarmowy Drugim błędem jest montaż karnisza tuż nad ramą okna. To rozwiązanie: optycznie obniża sufit, zmniejsza przestrzeń, sprawia, że wnętrze wygląda taniej. Projektanci stosują prostą zasadę: karnisz powinien być zamontowany jak najwyżej, najlepiej kilka–kilkanaście centymetrów pod sufitem. Dzięki temu: pomieszczenie wydaje się wyższe, okno wygląda na większe, wnętrze nabiera elegancji. Różnica jest spektakularna. Oczywiście wyżej powieszony karnisz to dłuższe zasłony, które często trzeba szyć na zamówienie albo przerabiać, bo te dostępne w sklepach zazwyczaj są za krótkie. Ale ten wysiłek i wydatek naprawdę się opłaca! Za wąskie zasłony – detal, który psuje proporcje Kolejny często spotykany błąd to zbyt mała szerokość zasłon. Gdy są rozsunięte, ledwo zakrywają szybę. Gdy zasłonięte – materiał jest napięty i wygląda skromnie. Profesjonalna zasada mówi, że łączna szerokość zasłon powinna być co najmniej 2–2,5 razy większa niż szerokość okna. Tylko wtedy tkanina tworzy eleganckie fale i wygląda luksusowo. Zbyt skąpa ilość materiału zdradza oszczędność i brak wyczucia proporcji. Dlaczego zasłony tak bardzo wpływają na odbiór wnętrza? Bo pełnią kilka funkcji jednocześnie: regulują światło, ocieplają przestrzeń, poprawiają akustykę, budują styl pomieszczenia. Źle dobrane zasłony potrafią: „ściągnąć” całe wnętrze w dół, zaburzyć proporcje, sprawić, że nawet drogie meble wyglądają przeciętnie. Z kolei dobrze dobrane sprawiają, że pokój wygląda jak z katalogu – nawet bez kosztownego remontu. Jak powinny wyglądać idealne zasłony? Projektanci najczęściej polecają: ✔ Długość: do podłogi (z minimalnym zapasem) ✔ Karnisz: zamontowany wysoko i szerzej niż rama okna ✔ Szerokość: minimum podwójna względem szerokości okna ✔ Tkanina: dopasowana do stylu wnętrza (len i bawełna do stylu naturalnego, welur do eleganckiego) W nowoczesnych aranżacjach popularne są także szyny sufitowe ukryte w zabudowie – to rozwiązanie daje wyjątkowo estetyczny efekt i wygląda zjawiskowo. Dlaczego tak wiele osób popełnia ten błąd? Najczęściej z powodu: kupowania gotowych zasłon bez mierzenia, sugerowania się wyłącznie ceną, braku świadomości, jak bardzo wpływają na proporcje pomieszczenia. W sklepach dominują standardowe długości, które nie zawsze pasują do realnej wysokości mieszkań – zwłaszcza w starszym budownictwie lub nowych apartamentowcach z wyższymi sufitami. Mała zmiana, wielki efekt Dobra wiadomość? Ten błąd łatwo naprawić. Wystarczy: podnieść karnisz, wymienić zasłony na dłuższe, dobrać odpowiednią szerokość materiału. To jeden z najtańszych sposobów na szybkie „podniesienie” standardu wnętrza bez generalnego remontu. Bo w aranżacji liczą się detale. A zasłony to detal, który widać natychmiast. I właśnie po nim projektanci od razu wiedzą, czy mieszkanie urządzał profesjonalista – czy amator. Wiec zrób to tak, by twój salon czy sypialnia wyglądały spektakularnie.
Za to kochamy Valentino. Te kreacje zapisały się w historii mody i nadal zachwycają...
Valentino Garavani zbudował markę, która na przestrzeni dekad definiowała pojęcie elegancji w modzie. Na jego pokazach pojawiały się największe nazwiska światowego modelingu, takie jak Claudia Schiffer, Naomi Campbell czy Carla Bruni. Jego projekty nosiły pierwsze damy, laureatki Oscarów i gwiazdy światowego formatu. Przypominamy najważniejsze kreacje, które uczyniły Valentino jednym z najważniejszych domów mody na świecie.
Po śmierci Valentino Garavaniego świat mody wraca do jego najbardziej pamiętnych projektów. Od pierwszej czerwonej sukni na wybiegu po ikoniczne oscarowe kreacje – te dzieła zmieniły historię mody i wciąż inspirują projektantów. ZOBACZ TAKŻE: Urodą konkurowała z Marilyn Monroe, była prekursorką trendów. Nie bez powodu nazywano ją ikoną stylu Czerwień, która przeszła do historii: Valentino Red Są projekty, które nie tylko zachwycają, ale tworzą nowy język mody. Tak było z suknią „Fiesta” – czerwoną, tiulową kreacją z kolekcji na sezon wiosna/lato 1959. Ubrana w nią Jennifer Aniston na premierze filmu Nadchodzi Polly ponad 40 lat później pokazała, że klasyka się nie starzeje. Czerwień Valentino zyskała własny odcień Pantone i stała się znakiem rozpoznawczym – wyrazem pasji, siły i nieprzemijającego glamouru. Sam projektant przyznał, że zainspirowała go opera Carmen, kiedy jako nastolatek zobaczył czerwone kostiumy podczas spektaklu. Ten odcień stał się znakiem rozpoznawczym marki. Na jego ostatnim pokazie na sezon wiosna 2008 wszystkie modelki wystąpiły w czerwonych sukniach. Valentino Red pozostał nieodłącznym elementem DNA marki – także po odejściu Garavaniego z domu mody. Jackie Kennedy i „Valentino Boom” Jedną z największych muz Valentino była Jackie Kennedy. Po śmierci Johna F. Kennedy’ego w 1963 roku, była pierwsza dama przeniosła się do Nowego Jorku, gdzie w 1964 roku poznała projektanta. Valentino zaprezentował tam swoją nową kolekcję. Jego twórczość tak przypadła jej do gustu, że zamówiła zamówiła u niego aż sześć kreacji haute couture. To właśnie ona – jak przyznawał sam Valentino – przyczyniła się do światowego sukcesu jego marki. Projektant nazwał ten przełomowy moment „Valentino Boom”. W 1968 roku Jackie Kennedy wybrała również jego projekt na swój ślub z Aristotelesem Onassisem. Valentino na Oscarach: Julia Roberts, Scarlett Johansson i inne gwiazdy Valentino ubierał największe gwiazdy. Od Elizabeth Taylor, która już w latach 60. poprosiła o siedem kreacji po premierze filmu Spartakus, po Scarlett Johansson, która w 2006 roku zachwyciła w czerwonej, opinającej sylwetkę sukni. Kreacje Valentino to nieodłączny element oscarowych czerwonych dywanów. To on stworzył słynną czarno-białą suknię Julii Roberts, w której odebrała Oscara za Erin Brockovich w 2001 roku – kreację z archiwalnej kolekcji couture 1992. Wcześniej, w 1983 roku Jessica Lange odebrała statuetkę w miętowozielonej sukni z cekinami, a Sophia Loren w 1991 roku – w czarnej, błyszczącej sukni. Kreacja Valentino, w której Scarlett Johansson pojawiła się na Złotych Globach 2006 do dziś wspominana jest jako jedna z jego najlepszych nowoczesnych interpretacji kobiecego glamouru. W 2003 roku Jennifer Lopez olśniła na Oscarach w sukni inspirowanej latami 60. zaprojektowanej przez Valentino Garavaniego. Jego projekty stały się talizmanami szczęścia i klasy. Pokazywały, że moda może być hołdem dla kobiecej siły i elegancji – a nie tylko chwilowym trendem. Ikony ślubnej mody Valentino ubierał także najważniejsze kobiety świata na jeden z najważniejszych dni ich w życiu. Jennifer Lopez (2001), Gwyneth Paltrow (2018), Anne Hathaway, księżniczka Madeleine ze Szwecji, księżniczka Marie-Chantal z Grecji, Courteney Cox i Elizabeth Taylor – wszystkie wybrały suknie ślubne od Valentino. Każdy z projektów łączył klasyczną elegancję z nowoczesnym romantyzmem. Garavani rozumiał kobiety – ich marzenia i emocje – i potrafił zamienić je w tkaninę. Dziedzictwo, które trwa Valentino nie tylko ubierał gwiazdy – był jedną z nich. Sam wystąpił w Diabeł ubiera się u Prady, a jego projekty pojawiały się na ekranie, m.in. w Seksie w wielkim mieście, Emily w Paryżu czy And Just Like That. View oEmbed on the source website Jednym z najbardziej pamiętnych pokazów był ten z kolekcji Couture Jesień/Zima 2022, który był symbolicznym nawiązaniem do korzeni marki Valentino. Pokaz przygotowany przez Pierpaolo Picciolego – dyrektora kreatywnego Valentino w latach 2008–2024, odbył się na słynnych Schodach Hiszpańskich w Rzymie – miejscu, które znajduje się zaledwie kilka kroków od atelier marki. Otwarcie kolekcji stanowiła mini sukienka pokryta czerwonymi różami – nowoczesne nawiązanie do sukni "Fiesta" z 1959 roku. Valentino Garavani przez ponad 60 lat redefiniował kobiece piękno Dziś, po jego śmierci, moda oddaje hołd jego wizji, elegancji i bezbłędnemu wyczuciu stylu. – w pamięci, na zdjęciach, na wybiegach. I w naszych marzeniach.
Wnętrzarski przełom 2025 roku — ten styl wrócił, choć nikt nie dawał mu szans!
Choć był uważany za relikt PRL-u, wraca w wielkim stylu! Wnętrzarski hit końcówki 2025 roku zaskoczył wszystkich — projektanci na nowo pokochali lastryko. Jak je dziś wykorzystują?
Jeszcze kilka lat temu uważano go za symbol przeszłości. Kojarzył się z korytarzami szkół i klatek schodowych z czasów PRL-u. A jednak! Lastryko – dziś nazywane terrazzo – wraca do wnętrzarskich łask i nie jest to chwilowy trend. Projektanci wnętrz, zwłaszcza w drugiej połowie 2025 roku, coraz śmielej sięgają po ten zapomniany materiał, nadając mu nowoczesną formę. To prawdziwy wnętrzarski przełom — i to taki, którego nikt się nie spodziewał. ZOBACZ TAKŻE: Asymetria we wnętrzach, czyli zabawa formą! Wnętrzarski przełom 2025: terrazzo wraca na salony! Jeszcze do niedawna kojarzyło się z klatkami schodowymi i szkolnymi korytarzami z czasów PRL-u. Dziś terrazzo, czyli lastryko, zaskakuje nowoczesną formą i powraca jako najgorętszy trend wnętrzarski końcówki 2025 roku. Projektanci pokochali ten materiał za jego uniwersalność i możliwości kolorystyczne — od stonowanych szarości po odważne, artystyczne kompozycje. Coraz częściej lastryko zastępuje marmur czy beton, a jego wykończenie pojawia się na podłogach, blatach, a nawet w dodatkach i dekoracjach. Ten styl wrócił i zdominował projekty wnętrz na nowo. Atelier Room on Fire Trendy wnętrzarskie 2025: uspokajające kolory ziemi Moda na stonowane barwy ziemi, zapoczątkowana w czasie pandemii, nadal króluje we wnętrzach i przeżywa drugą młodość. W 2025 roku beże, piaskowe szarości, zielenie i brązy nabrały nowej głębi – dominują naturalne odcienie jak rdza, karmel, mauve, koral, brzoskwinia i ciepła biel. To kolory, które tworzą spokojne, ponadczasowe przestrzenie i pomagają odpocząć od nadmiaru bodźców. Designerskie wnętrza w tych tonacjach stają się synonimem elegancji i równowagi. Wnętrza 2025: srebrzyste detale Złoto i mosiądz przez lata królowały w modnych wnętrzach, ale końcówka 2025 roku należy do srebra. Polerowane aluminium, chrom, stal szczotkowana – to właśnie te metale wprowadzają chłodną elegancję do nowoczesnych aranżacji. Projektanci chętnie łączą je z ciepłymi kolorami, drewnem i naturalnym kamieniem, tworząc zbalansowane i nowoczesne kompozycje. Kelly Behun Studio Kamień i marmur jako architektoniczny statement Marmur i naturalny kamień w 2025 roku nie są już tylko materiałem na blaty czy parapety. Projektanci wnętrz wprowadzają je jako pełnoprawne elementy architektury — pojawiają się na ścianach, podłogach, w formie listew przypodłogowych, obudów drzwi, a nawet w zabudowach mebli. To surowce, które łączą luksus z trwałością i pasują zarówno do minimalistycznych, jak i klasycznych aranżacji. Brutalizm 2.0 – reinterpretacja surowego stylu Betonowe ściany, odkryte sufity, industrialne rozwiązania – tak w skrócie można opisać brutalizm, który w 2025 roku zyskuje nową, bardziej przyjazną twarz. Projektanci ocieplają go zielenią roślin doniczkowych, miękkimi tkaninami i detalami z naturalnego drewna. Efekt? Wnętrza, które są surowe w formie, ale jednocześnie pełne harmonii i ciepła. Esoteriko Interior Architecture
Giorgio Armani – ostatni z wielkich. Oto nieznane sekrety jego życia i jego imperium
W świecie mody był rewolucjonistą. Odrzucił klasyczne krawiectwo na rzecz luźniejszych, miękkich krojów. W ciągu 50 lat zbudował modowe imperium. 4 września 2025 odszedł ostatni z wielkich. Giorgio Armani
Budynek Armani/Teatro przy via Bergognone 59 w Mediolanie kilka razy w roku przeżywał oblężenie. Jego wielkie szklane drzwi otwierały się zawsze przed pracownikami firmy, przed modelkami i modelami zaproszonymi na castingi i dla gości odbywających się tam pokazów mody. Po śmierci Giorgia Armaniego otwarto je także dla zwykłych ludzi, pragnących pożegnać wielkiego projektanta, „Re Giorgia”, Króla Jerzego, jak czule, ale z szacunkiem go nazywano. W ciągu dwóch wrześniowych dni hołd oddało mu ponad 16 tysięcy osób. Późniejszy pogrzeb Armaniego w rodzinnej Piacenzie zgodnie z jego wolą miał charakter prywatny i uczestniczyło w nim około 20 osób. Ostatnie zdanie Armaniego Armaniemu nikt się nie sprzeciwiał. Ani rodzina, ani współpracownicy. Nikt. Mówiono, że zawsze musiał mieć ostatnie słowo. Na początku lat 2000. uruchomił sieć hoteli, a potem przejął kontrolę nad zakładami produkcyjnymi. Jeśli nie mógł czegoś samodzielnie wytworzyć, udzielał licencji. Warunkiem było właśnie to, że to on miał ostatnie słowo, nawet jeśli z tego powodu kończyła się współpraca, jak w przypadku partnerstwa z Luxottica, firmą produkującą okulary. Nic nie działo się bez jego ostatniej poprawki, ostatniego spojrzenia, ostatecznej akceptacji. Piotr Czaykowski, który pracował jako model Armaniego przez kilka lat, wspomina: „Mówi się, że »Re Giorgio« do ostatnich dni życia pilnował każdego szczegółu. I to nie tylko dlatego, że pracował nad pokazem z okazji 50-lecia marki. On taki po prostu był. Perfekcyjny. Osobiście doglądał wszystkiego i wiem to na pewno, bo taki był zawsze. Był na każdej próbie, na każdej przymiarce przed pokazem. Stawał na podium i przyglądał się każdemu modelowi, czy nie idzie za wolno, czy nie idzie za szybko, czy ma uśmiech na twarzy, czy nie. On oceniał, czy ubranie dobrze leży, czy jest dobrze wystylizowane, czasem kazał wyjąć ręce z kieszeni, a czasem je do nich schować. Jeśli nie było idealnie, potrafił zrezygnować z danego looku. Gdy wypuszczał na wybieg, jego dotknięcie – poprawienie guzika, szalika, okularów – było jak dotknięcie Bożego palca”. W pracy surowy, profesjonalny i bezkompromisowy, miękł przy ludziach, których dobrze znał. Jeden gest świadczył o tym, że ktoś jest dla niego bliski. „Tych, z którymi był blisko, łapał za przedramię. W ten sposób ich wyróżniał. Oni mogli do niego mówić »Giorgio«”, opowiada Piotr Czaykowski. I dodaje, że gdy już raz się weszło do świata Armaniego, można się było w nim rozgościć na zawsze. „Señor Armani” czy „Mr Armani”, jak mówili do niego ci, którzy nie znali języka włoskiego, przywiązywał się do ludzi i jeśli ktoś widział dla siebie przyszłość w jego imperium, zawsze znalazł tam miejsce. Może dlatego, że czerpał od każdej osoby, z którą miał styczność. W nakręconym w 1990 roku przez Martina Scorsese dokumencie „Made in Milan” mówił: „Społeczeństwo się zmienia, a ja zmieniam się wraz z nim. Staram się filtrować swoje pomysły przez codzienną rzeczywistość”. „Świat Armaniego był trudno dostępny, ale jeśli już się udało do niego wedrzeć, można było dodać do niego swoją cegiełkę. Oczywiście na warunkach »Señor Armaniego«”, wspomina Czaykowski. Zamknięty świat, jaki sobie zbudował projektant, odpowiadał jego charakterowi. Tę pozorną surowość i powściągliwość tłumaczył nieśmiałością. I faktycznie, podobno już jako dziecko był cichy, powściągliwy i właśnie nieśmiały. Może dlatego, że wczesne lata jego życia przypadły na czas drugiej wojny światowej? W 2020 roku mówił w wywiadzie dla magazynu „Numéro”: „Dorastałem w powojennych Włoszech, które były dużo biedniejsze niż obecnie. Wiedliśmy proste życie, ale matka wpoiła nam poczucie obowiązku i godności, wartości, które bez wątpienia wpłynęły później na moje życie i pracę”. Z Piacenzy do Mediolanu Wierzył, że tylko zostanie lekarzem da jemu i jego rodzinie lepszą przyszłość i pieniądze. Jednak szybko okazało się, że jest zbyt wrażliwy na to, by móc dokończyć studia medyczne. „Decyzja o medycynie była bardzo romantyczna – myślałem, że zostanę jednym z tych lekarzy z prowincji opisanych przez Archibalda Josepha Cronina w powieści „Twierdza” i jak oni będę przeżywał mnóstwo przygód. Ta książka naprawdę zrobiła na mnie ogromne wrażenie, ale szybko zrozumiałem, że to nie moja droga”, opowiadał w „Numéro”. Ponieważ zawsze interesował się sztuką, architekturą, designem, wyjechał do oddalonego o niecałe sto kilometrów Mediolanu, który wtedy był miastem w rozkwicie, innowacyjnym, w którym ludzie nieustannie szukali czegoś nowego. „To miasto, które wybrałem do życia, przyjęło mnie, zrozumiało i od tamtej pory zawsze było dla mnie źródłem inspiracji”, mówił podczas wywiadu. Początki nie były łatwe, choć pracę na stanowisku dekoratora wystaw i sprzedawcy w domu handlowym La Rinascente wspomina bardzo dobrze. Szczególnie cieszył go fakt, że mógł obserwować ludzi, co było bezcenną lekcją. Dzięki tej pracy nie tylko zakochał się w tkaninach i kształtach, ale też został dostrzeżony przez Nina Cerrutiego. To u jego boku, jak podkreślał, rozpoczęła się jego kariera. W „Numéro” opowiadał: „To właśnie Cerruti, któremu zawdzięczam wiele, poprosił mnie o nowe rozwiązania. Chciał, by garnitury były mniej sztywne, wygodniejsze, bardziej dopasowane. Zdekonstruowałem marynarkę, używając nietradycyjnych tkanin, i sprawiłem, że ożyła na ciele”. Armani rewolucjonista „Gdy nasz wiek (XX wiek – przypis autorki) wchodził w siódme dziesięciolecie, nic nie pozwalało przypuszczać, że będzie to okres totalnych przemian, jakich historia ubioru nigdy nie zaznała”, pisał Bruno du Roselle. Urodzony w 1934 roku Giorgio Armani właśnie w tym czasie zaczynał swoją modową karierę. W rezultacie stał się dla mody męskiej tym, kim Coco Chanel dla mody damskiej. Ona wyswobodziła kobiety z gorsetów, on mężczyzn z niewygodnych garniturów. Zrewolucjonizował modę, na nowo definiując pojęcie elegancji i odrzucając w latach 70. XX wieku klasyczne krawiectwo na rzecz luźniejszych, miękkich krojów, pozwalających na swobodę ruchu. Jego marynarki bez podszewki stały się symbolem stylu – były eleganckie i jednocześnie bardzo wygodne. Armani mówił, że gdy zaczął projektować własne kolekcje, był już po czterdziestce i zarówno on, jak i jego rówieśnicy nie chciał ubierać się tak jak ojciec (jego ojciec był księgowym). Bez skromności przyznał, że nie był zaskoczony sukcesem, bo przecież ubierał swoje pokolenie w coś odpowiedniego i aktualnego. Sukces jako projektanta mody męskiej przeniósł też na modę damską. Poszedł dalej niż inni projektanci w zacieraniu granic między modą damską a męską. Opowiadał, że do tego kroku sprowokowała go siostra Rosanna, jego przyjaciółka, muza i modelka. Ona i jej koleżanki nosiły męskie marynarki projektowane przez Giorgia, ale marzyły o bardziej dopasowanych do kobiecej figury. „Tak powstały marynarki dla kobiet o prostej, miękkiej formie, które pozwalały na swobodę ruchu i naturalność – miękkie jak kardigany, a jednocześnie potężne i kobiece. To był czas, gdy kobiety robiły kariery, a ja dawałem im nowy sposób wyglądu, nowy sposób bycia. To była mieszanka komfortu, siły, kobiecości i lekkości”, wspominał na łamach „Numéro”. Mówił też: „Widok mojej matki Marii noszącej marynarki z pewnością rozbudził moje zainteresowanie ubiorem. Potrafiła robić więcej za pomocą mniejszej ilości rzeczy i na pewno nie ubierała się jak lalka. Z elegancją nosiła marynarki i wpłynęła na moje pojmowanie piękna jako harmonii ciała i umysłu, ekspresji, i pewnej formy gracji. Moja matka miała wszystkie te cechy”. Jego zasługi w emancypacji kobiet są niezaprzeczalne. Trzeba przyznać, że równie ważne było uwolnienie mężczyzn od niewygodnych strojów i związanie na stałe dwóch światów – mody i kina. W latach 80. XX wieku słynny power suit stał się hitem za oceanem. W Stanach Zjednoczonych był znany już w 1978 roku. Diane Keaton odebrała bowiem Oscara ubrana w skórzaną kurtkę o sportowym kroju jego projektu. Jednak przełomem okazał się film „Amerykański żigolak” z 1980 roku. Wystąpił w nim Richard Gere. A może trzeba podkreślić, że Richard Gere wystąpił w nim w strojach włoskiego projektanta i stał się archetypem mężczyzny Armaniego – eleganckim, zmysłowym i szarmanckim. „To była sensacja. Wszyscy chcieli wiedzieć, w czym Gere wygląda tak świetnie. To dzięki niemu stałem się sławny”, wspominał Giorgio Armani na łamach „The Economist 1843”. Projektant, autor kostiumów do ponad dwustu filmów, sprawiał, że filmowi bohaterowie żyli w pamięci widzów nie tylko dzięki kreacji aktorów: „Kiedy reżyser do mnie dzwoni, zawsze starannie analizuję projekt. Kino pozwala mi pracować z ubiorem w taki sposób, że staje się on częścią opowieści o bohaterze. Jeśli to zadziała, nagrodą jest wieczna pamięć widzów. Postać żyje nie tylko dzięki aktorstwu, ale też dzięki temu, jak jest ubrana”. Imperium za garbusa Gdy wyruszył na podbój Stanów Zjednoczonych, już od trzech lat miał swoją firmę we Włoszech. W wieku 40 lat porzucił pracę dla innych i za namową swojego życiowego partnera Sergia Galeottiego założył własną markę. W 2015 roku w magazynie „GQ” mówił: „To Sergio sprawił, że uwierzyłem w siebie. Pokazał mi, że można mieć szersze perspektywy”. W „Numéro” wspominał: „Wszystko zaczęło się od zachęty, jaką otrzymałem od mojego partnera Sergia Galeottiego, który wierzył we mnie i pchał do przodu. Mówił mi, żebym wierzył w swoją wizję i nie przejmował się krytyką. To coś, do czego zawsze dążyłem, a rezultaty okazały się zaskakujące. Dziś chciałbym pokazać mu, co ostatecznie osiągnęliśmy, bo przecież zaczynaliśmy od niewielkich rzeczy”. Tą niewielką rzeczą był volkswagen garbus, którego Armani sprzedał, by mieć pieniądze na założenie firmy. Wielkie za to były jego pomysły i wiara Sergia, że na pewno im się uda. Nie pomylili się. Galeottiemu nie dane było zobaczyć, jak rozwija się firma, której był współzałożycielem i prezesem. Zmarł w 1985 roku na AIDS. Dla Giorgia odejście najbliższej osoby było wielkim dramatem. Jedenaście lat po śmierci ukochanego wspominał na łamach „New York Magazine”: „Żyliśmy, nie rozmawiając o jego chorobie. Nie chcieliśmy, by miała na nas wpływ. Sergio nigdy nie widział mnie płaczącego, a sam przez cały rok tylko raz powiedział: »Giorgio, spójrz, jak bardzo schudłem«. Nic więcej”. Projektant oficjalnie nigdy nie związał się już z nikim, choć w jego otoczeniu był ktoś, o kim mówiono „Drugi”. „Zawsze pojawiali się razem, jeździli razem i pracowali. Był dyrektorem w firmie i mówiło się, że to on po śmierci Giorgia przejmie stery”, mówi Piotr Czaykowski. Na stronie TVN24 czytam: „Najbliższym powiernikiem Armaniego był Dell’Orco, który niemal zawsze stał u jego boku. Kieruje działem mody męskiej i odgrywa coraz ważniejszą rolę w firmie, w której pracuje od około 45 lat. Panowie poznali się w parku w Mediolanie. Choć Armani nigdy nie ujawnił szczegółów tej relacji, nosił pierścień od Dell’Orca, uratowany z pożaru w domu projektanta na wyspie Pantelleria”. Król imperium Dzisiaj imperium Armaniego warte jest ponad 11 miliardów euro, a w 2019 roku przychód wyniósł ponad dwa miliardy euro. Siedem lat. Tyle zajęło mu, by z nieznanego nikomu włoskiego projektanta trafić na okładkę magazynu „Time”. W 1982 roku był to największy zaszczyt, tym bardziej że magazyn umieścił go na okładce jako drugiego w historii projektanta, po Christianie Diorze. Jak udało mu się zbudować firmę, w której do końca życia pozostał jedynym udziałowcem? Armani stawiał na doskonałe tkaniny, nienaganne kroje. Wiedział, że idą za tym wielkie pieniądze. Piotr Czaykowski wspomina: „Większość ludzi teoretycznie wie, że luksusowa moda jest droga. Ja też miałem tego świadomość, ale nie wiedziałem dlaczego. Zrozumiałem, gdy zacząłem z tym obcować. W świecie mody 90 procent czasu spędza się na czekaniu. Pamiętam, że czekając na przymiarki, chodziłem po niesamowicie pięknych wnętrzach firmy Giorgia Armaniego. Widziałem każdy detal, dotykałem doskonałych tkanin. Niby wiedziałem, że kaszmir to kaszmir, ale tam zorientowałem się, że kaszmir Armaniego to jest coś więcej. Czułem się, jakbym chodził po muzeum i obcował z największymi dziełami sztuki. A potem, gdy zakładałem te ubrania, czułem, jakby one podnosiły mój potencjał. Upgrade’owały mnie. Zrozumiałem, dlaczego to wszystko tyle kosztuje”. Armani za to rozumiał doskonale, że nie każdego stać na to, co proponuje. Cena sławy Kiedyś powiedział, że w pewnym momencie nie mógł już ryzykować, bo nie mógł sobie pozwolić na brak sprzedaży. Jego projektowanie stało się odpowiedzialnością komercyjną. Przecież w 2019 roku zatrudniał osiem tysięcy osób! Wzrost utrzymywał, wprowadzając coraz to nowe, tańsze linie Emporio Armani, Armani Jeans, bieliznę nocną, kosmetyki, meble. O wyposażeniu wnętrz mówił: „Decyzja założenia marki była podyktowana tym, że nie mogłem znaleźć mebli i akcesoriów, które spełniałyby moje oczekiwania”. Od początku miał pomysł na stworzenie sposobu na życie, w którym wiele elementów połączy się z jego wizją i estetyką, odzwierciedlając jego styl także poza modą. To potwierdza słowa nie tylko ludzi, którzy dobrze go znali, ale również tych, którzy mieli możliwość choć przez chwilę widzieć go przy pracy. O sobie mówił: „Perfekcjonizm i potrzeba ciągłego wyznaczania sobie nowych celów i ich realizacja to stan umysłu, który nadaje życiu sens”. Jego kolekcje coraz bardziej były wierne jemu samemu, a nie czasom, w których powstawały. Czaykowski wspomina: „Jego kolekcje są niemal identyczne. Żadnych wariactw, niepotrzebnych ozdób. Przez lata niewiele w nich zmieniał. Można się zastanawiać, dlaczego tak się działo i po co?”. Odpowiedź znalazła nieżyjąca już naczelna włoskiego „Vogue’a” Franca Sozzani: „Wielcy projektanci znajdują swój styl i pozostają mu wierni. Skupiają się na nim, a nie na modzie”. Armani pozostał wierny swojemu stylowi przez 50 lat. Pozostał też wierny sobie. Nigdy nawet nie pomyślał o sprzedaży firmy, choć miał wiele propozycji. Wspominał kiedyś: „Jeden z najpotężniejszych bankierów, który pracował dla mnie, spotkał się z trzema inwestorami, którzy chcieli kupić moją firmę. W milczeniu wysłuchał każdego z nich, a na koniec powiedział: »Drodzy panowie, pan Armani nie potrzebuje żadnego z nas«”. Nic dziwnego. Przecież był królem. Był „Re Giorgio”. Więcej o wielkie modzie przeczytasz w najnowszym wydaniu magazynu VIVA! Moda
Legendarny projektant ubierał największe gwiazdy, artystów, celebrytów i koronowane głowy. Te kreacje przeszły do historii mody.
Świat mody pogrążony jest w żałobie – w wieku 91 lat zmarł Giorgio Armani, jeden z największych projektantów wszech czasów. Ubierał hollywoodzkie gwiazdy, członków rodzin królewskich i artystów, a jego kreacje przeszły do historii. Niewielu wie, że tuż przed swoją tragiczną śmiercią księżna Diana zamówiła u niego suknię, której nigdy nie zdążyła założyć.
Świat mody pogrążony jest w żałobie. 4 września w wieku 91 lat zmarł Giorgio Armani – ikona świata mody, twórca nowoczesnej elegancji i jeden z najbardziej wpływowych projektantów XX i XXI wieku. Jego projekty nosiły największe gwiazdy Hollywood, członkowie rodzin królewskich i artyści, których stylizacje na czerwonym dywanie przeszły do historii. ZOBACZ TAKŻE: Giorgio Armani nie żyje. Legendarny projektant odszedł w wieku 91 lat Tajemnicza suknia dla księżnej Diany Armani był ulubieńcem księżnej Diany, która w latach 90. wielokrotnie wybierała jego projekty. W dniu swojej tragicznej śmierci w 1997 roku miała na sobie żakiet Armaniego. Jak ujawniono, projektant pracował w tym czasie nad specjalną suknią dla Lady Di, którą miała założyć na jedno z jesiennych wydarzeń – niestety nigdy jej nie zobaczyła. „Chciałem podkreślić jej nową siłę i kobiecość” – wspominał Armani, dodając, że Diana sama wybrała najprostszą z przesłanych jej propozycji. Królewskie wybory Styl Armaniego pokochały także kolejne pokolenia Windsorów. Księżna Kate w 2017 roku pojawiła się w czerwonym kostiumie Armani Collezioni podczas oficjalnego wyjścia z księciem Williamem i księciem Harrym. Meghan Markle natomiast w 2021 roku wybrała czarną suknię włoskiego mistrza na słynny wywiad z Oprah Winfrey – stylizację, która obiegła światowe media. Nie zabrakło także niezwykłych kreacji ślubnych. Na dworze Księstwa Monako księżna Charlene olśniła w sukni Armani Privé. Jej kreacja w kolorze kości słoniowej ozdobiona była 40 tysiącami kryształków Swarovskiego tworzących kwiatowe wzory. Księżna Catherine, 2017 Hollywood w Armanim Lista gwiazd, które nosiły kreacje od Armaniego, jest imponująca. Julia Roberts zapisała się w historii mody, kiedy w 1990 roku na rozdaniu Złotych Globów pojawiła się w oversize’owym męskim garniturze zamiast klasycznej sukni. Jodie Foster odebrała Oscara za rolę w „Milczeniu owiec” w 1992 roku w garniturze Armaniego. Do jego stałych klientek należały także: Zendaya, Selena Gomez, Cate Blanchett czy Anne Hathaway. <img src="https://images.immediate.co.uk/production/volatile/sites/48/2025/09/GettyImages-2169399302-a7e8f08.jpg" width="3280" height="4928" alt="Australian actress and film producer Cate Blanchett at the 81 Venice International Film Festival 2024. Opening Ceremony and Beetlejuice Beetlejuice Red Carpet. Venice (Italy), August 28th, 2024 (Photo by Rocco Spaziani/Archivio Spaziani/Mondadori Portfolio via Getty Images)" title="81 Venice International Film Festival 2024" /> SPRAWDŹ TEŻ: Niedrogie perfumy na randkę, które pachną jak Armani? AI wybrała TOP zapachy, które zachwycą i nie zrujnują portfela Na czerwonym dywanie nie brakowało też spektakularnych kreacji – Lady Gaga w 2010 roku na gali Grammy zachwyciła w kosmicznej sukni z kolekcji Armani Privé, a Demi Moore na tegorocznych Złotych Globach odebrała statuetkę w rzeźbiarskiej złotej kreacji jego autorstwa. Ikoniczne momenty popkultury Armani ubierał nie tylko aktorów i wokalistów, ale także sportowe ikony. W 2008 roku David i Victoria Beckham pojawili się w jego kreacjach na Met Gali w Nowym Jorku, której projektant był współgospodarzem. Tematem przewodnim byli superbohaterowie, a stylizacje Beckhamów do dziś uchodzą za jedne z najbardziej pamiętnych. Charyzmatyczna była także czarna, dramatyczna suknia Adele, w której pojawiła się podczas BRIT Awards w 2022 roku. Dziedzictwo, które pozostanie Przez ponad pięć dekad Giorgio Armani zmienił sposób, w jaki rozumiemy elegancję – od minimalizmu lat 80., przez redefinicję garnituru, aż po spektakularne haute couture. Był mistrzem równowagi między prostotą a luksusem. Jego ubrania podkreślały osobowość tych, którzy je nosili, a nie przytłaczały formą. Choć go zabrakło, jego wizja mody i ikoniczne kreacje na zawsze pozostaną symbolem klasy i ponadczasowego stylu.
Luksus za ułamek ceny? Te męskie perfumy z Rossmanna i Hebe robią wrażenie i nie rujnują portfela
Lubisz pachnieć drogo, ale nie chcesz wydawać fortuny? Świetnie się składa – w drogeriach takich jak Rossmann czy Hebe znajdziesz prawdziwe perełki. Eleganckie, trwałe i stylowe zapachy, które bez problemu dorównują perfumom z najwyższej półki. Ich ceny? Zaskakująco przystępne – wszystkie kosztują mniej niż 200 zł. Nie wierzysz? Sprawdź sam!
Nie jest tajemnicą, że zapach ma ogromne znaczenie – często większe, niż nam się wydaje. To niewidoczny, ale wyjątkowo wyrazisty element wizerunku. Dobre perfumy potrafią działać jak najlepsze ubranie: dodają pewności siebie, przyciągają uwagę i zostawiają po sobie niezatarte wrażenie. To właśnie one sprawiają, że ktoś nas zapamiętuje. Czasem wystarczy jedno spotkanie, jedno powitanie, by zapach zrobił za nas połowę roboty. Potrafi powiedzieć: „jestem pewny siebie”, „dbam o szczegóły”, „mam styl”. Dobrze dobrany zapach to coś więcej niż tylko ładny aromat – to osobista sygnatura, którą zostawiasz po sobie wszędzie tam, gdzie się pojawiasz. To Twoja zapachowa wizytówka, która działa nawet wtedy, gdy już znikniesz z pola widzenia. Problem w tym, że zapachy, które naprawdę robią wrażenie, zwykle do tanich nie należą. Perfumy od znanych marek potrafią kosztować kilkaset złotych – a te z topowych domów mody nawet ponad tysiąc. I choć flakon na półce wygląda luksusowo, cena potrafi skutecznie ostudzić zapał. Luksusowe zapachy w promocji Na szczęście mamy dobrą wiadomość: nie musisz wydawać fortuny, żeby pachnieć jak milion dolarów. Wystarczy wiedzieć, gdzie szukać. W drogeriach takich jak Rossmann czy Hebe znajdziesz zapachy od renomowanych marek – często starsze kompozycje, które wciąż mają świetną jakość, ale ich ceny są już znacznie łagodniejsze dla portfela. Niektóre z nich to prawdziwe klasyki, które kiedyś były bestsellerami, a dziś – mimo braku reklam i influencerów – nadal bronią się kompozycją, trwałością i stylem. Warto zwrócić uwagę właśnie na takie perełki. Bo często to, co niepozorne i niekrzykliwe, okazuje się najlepszym wyborem. Nie daj się zwieść tylko nowościom na wystawie – czasem największe okazje kryją się na niższych półkach, tam gdzie leżą mniej promowane linie zapachowe. A jeśli dodasz do tego dobrą promocję, możesz mieć luksusowy zapach od projektanta za mniej niż 200 zł. Brzmi dobrze? Bo tak właśnie pachnie sprytne kupowanie. Top 9 męskich perfum premium do 200 zł (które kupisz w drogerii): 1. Cacharel – Pour Homme Ciepły, aromatyczny klasyk z nutami lawendy, gałki muszkatołowej i drzewa sandałowego. Stonowany, elegancki i bardzo męski. Idealny do biura, na wieczór i na jesień. 2. Diesel – Only The Brave Wyrazisty, nowoczesny zapach dla pewnych siebie facetów. Skórzane akcenty mieszają się z cytryną i bursztynem – daje to kompozycję energetyczną, miejską i niezapomnianą. 3. Burberry – Brit for Him Stylowy i bardzo brytyjski. Nuty imbiru, kardamonu i drzewa cedrowego tworzą zapach elegancki, ale z charakterem. Doskonały na randkę i chłodniejsze dni. 4. Ralph Lauren – Polo Red Energetyczna mieszanka żurawiny, czerwonego grejpfruta i kawy. Dynamiczny, zmysłowy, nieco drapieżny. Jeśli lubisz zapachy z pazurem – to jest to. 5. Versace – Blue Jeans Kultowy klasyk z lat 90., który do dziś ma swoich wiernych fanów. Cytrusy, lawenda, wanilia i tonka – to zapach młodzieńczy, świeży i retro w najlepszym wydaniu. 6. Hugo Boss – The Scent Zmysłowy, orientalno-drzewny zapach z imbirem, maninką i skórą. Luksusowy, ciepły, bardzo elegancki – i zdecydowanie wart swojej ceny. 7. Iceberg – Twice Gold Świeży, aromatyczny i nowoczesny zapach dla aktywnych mężczyzn. Cytrusy, białe kwiaty i nuty drzewne tworzą bardzo udaną, uniwersalną kompozycję. 8. Cerruti – Silver Night Zmysłowy zapach wieczorowy – łączy bergamotkę z ciepłym drzewem sandałowym i piżmem. Dyskretny, ale bardzo stylowy. Idealny na randkę. Promocje to Twój najlepszy sprzymierzeniec Chociaż niektóre zapachy w regularnej cenie mogą kosztować nawet blisko 500 zł, nie oznacza to, że tyle trzeba za nie zapłacić. Warto uzbroić się w cierpliwość i… czujność zakupową. W aplikacjach Rossmanna i Hebe często pojawiają się świetne oferty – sezonowe promocje, wyprzedaże, zniżki dla klubowiczów czy rabaty online. Niektóre perfumy z naszej listy bywają przecenione nawet o 30, 40, a czasem nawet 50%! To oznacza, że możesz zgarnąć luksusowy zapach znanego domu mody za jedyne 120 zł lub mniej – i to bez czekania na Black Friday. Wystarczy śledzić oferty na bieżąco i korzystać z kuponów w aplikacjach mobilnych. Dodatkowy pro tip? Sprawdzaj ceny także w mniejszych flakonach – często można kupić 30 lub 50 ml za wyjątkowo atrakcyjną cenę, idealną na przetestowanie zapachu bez dużego wydatku. Podsumowując: promocje to nie tylko oszczędność, ale też szansa na odkrycie swojego nowego zapachowego ulubieńca. I to bez bólu portfela.
Polak projektuje dla Chanel! Krzysztof Łukasik został nowym dyrektorem designu
Projektant objął jedno z najbardziej prestiżowych stanowisk w świecie mody. Do tej pory pracował dla takich marek, jak Hermès, Bottega Veneta i Loewe...
Chanel ma nowego dyrektora designu – został nim urodzony w Warszawie Krzysztof Łukasik. To kolejny dowód na to, że Polacy podbijają świat mody! Informację ogłosił za pośrednictwem mediów społecznościowych - branża zareagowała natychmiast. ZOBACZ TAKŻE: Kultowe buty z "Seksu w wielkim mieście" powracają! Jimmy Choo wskrzesza modele z lat 90. i 00. Kim jest Krzysztof Łukasik? Zanim trafił do Chanel, przez niemal pięć lat pełnił analogiczne stanowisko w Bottega Veneta. Tam współpracował z Matthieu Blazy’m, z którym dziś ponownie łączy siły w Chanel. Wcześniej doświadczenie zdobywał w największych domach mody, m.in. Maison Martin Margiela, Hermès, Loewe, Victoria Beckham, Lanvin czy Diesel. Ponadto spełnia się jako wykładowca akademicki, a także zasiada w jury prestiżowych konkursów designu. O nowej roli w Chanel Krzysztof Łukasik poinformował za pośrednictwem mediów społecznościowych. CZYTAJ TEŻ: Cannes 2025: Najpiękniejsze kreacje gwiazd z ceremonii zamknięcia 78. Festiwalu Filmowego Co oznacza ten ruch dla Chanel? Zatrudnienie Krzysztofa Łukasika może zwiastować odświeżenie estetyki Chanel. Jego doświadczenie, świeże podejście i wyczucie trendów to atuty, które mogą wpłynąć na kierunek rozwoju jednej z najbardziej ikonicznych marek na świecie. Czy nowy dyrektor designu wniesie powiew nowoczesności do klasycznej elegancji Chanel? Branża mody już niecierpliwie czeka na pierwsze efekty jego pracy!
Magda Butrym podbija Met Galę 2025: polski akcent zachwyca świat mody
Magda Butrym, polska projektantka mody, zadebiutowała na prestiżowej Met Gali 2025 w Nowym Jorku. Jej biały kombinezon, w którym wystąpiła modelka Imaan Hammam, został okrzyknięty jedną z najpiękniejszych stylizacji wieczoru, podkreślając rosnącą pozycję Polki w świecie mody.
Met Gala 2025, która odbyła się tradycyjnie w nowojorskim Metropolitan Museum of Art, była przełomowym momentem w karierze Magdy Butrym. Projektantka po raz pierwszy zaprezentowała swój projekt podczas tego prestiżowego wydarzenia. Debiut ten zwrócił uwagę międzynarodowych mediów oraz branży modowej. Imaan Hammam olśniewa w projekcie polskiej projektantki Modelka Imaan Hammam pojawiła się na czerwonym dywanie w białym kombinezonie, inspirowanym klasycznym męskim smokingiem. Projekt autorstwa Magdy Butrym wyróżniał się elegancją, świeżością oraz precyzyjnym krojem, stanowiąc nowoczesną interpretację wieczorowej mody. Stylizacja Hammam została bardzo dobrze przyjęta, a media branżowe okrzyknęły ją jedną z najbardziej udanych kreacji tegorocznej gali. Obecność projektu polskiej projektantki na Met Gali to ważny moment dla całego polskiego świata mody. Udział Magdy Butrym w jednym z najważniejszych modowych wydarzeń roku świadczy o coraz silniejszej pozycji projektantki na arenie międzynarodowej. Zresztą rok 2025 jest dla Butrym przełomowy - projektantka stworzyła kolekcję dla H&M, a także otworzyła butik pop-up w Nowym Jorku. To również potwierdzenie, że polska moda jest gotowa na globalną scenę, oferując świeże spojrzenie i unikalną estetykę. Magda Butrym i globalna ekspansja: współpraca z H&M oraz butik w Nowym Jorku Równolegle z sukcesem na Met Gali 2025, Magda Butrym kontynuuje ekspansję na rynku międzynarodowym. Projektantka nawiązała współpracę z H&M, tworząc wyjątkową kolekcję łączącą jej charakterystyczny romantyzm z dostępnością dla szerszej publiczności. Kolekcja spotkała się z ogromnym zainteresowaniem, a wiele modeli wyprzedało się w zaledwie kilka godzin po premierze. Dodatkowo, Butrym otworzyła swój pierwszy butik pop-up w Nowym Jorku, umożliwiając klientom bezpośredni kontakt z jej projektami w samym sercu światowej stolicy mody. Te działania potwierdzają, że polska projektantka coraz śmielej zaznacza swoją obecność na modowej mapie świata.
Max Alexander: 8-letni geniusz mody podbija świat mody i ubiera gwiazdy Hollywood
Max Alexander, mając zaledwie 8 lat, zdobył świat mody swoją kolekcją haute couture zaprezentowaną na New York Fashion Week. Jego talent i pasja do projektowania ubrań przyniosły mu miejsce w Księdze Rekordów Guinnessa jako najmłodszemu projektantowi mody na wybiegu.
To nie była zwykła dziecięca fascynacja kolorami ani chwilowy kaprys czterolatka. Gdy Max Alexander po raz pierwszy chwycił za nożyczki i kawałek materiału, stało się jasne, że rodzi się nowy głos w świecie mody – mały, ale donośny. Mając zaledwie cztery lata, Max nie tylko rysował szkice sukien, lecz także własnoręcznie zszywał pierwsze projekty. Zasłony, fragmenty nieużywanych tkanin, a nawet stary obrus – wszystko, co znalazło się pod ręką, stawało się bazą do stworzenia czegoś spektakularnego. Z biegiem czasu jego kreatywność przybrała formę imponującej dyscypliny. W przeciągu kilku lat Max stworzył ponad 100 ręcznie szytych sukni haute couture – każda z nich emanuje dziecięcą świeżością, ale i techniczną dojrzałością, której pozazdrościć mogliby uznani kreatorzy. Szycie stało się nie tylko pasją, ale codziennym rytuałem – jakby igła była przedłużeniem jego dłoni, a nici – środkiem wyrazu artystycznej duszy. Jego kreacje nosiła m.in. Sharon Stone i Debra Messing. „Urodziłem się, by być projektantem” – powiedział z powagą, która w ustach ośmiolatka brzmi jednocześnie rozbrajająco i niezwykle dojrzale. Rodzina chłopca szybko zrozumiała, że nie mają do czynienia ze zwykłą zabawą, lecz z prawdziwym talentem, który wymaga przestrzeni. Udostępnili mu domowe studio, gdzie wśród rolek materiałów, manekinów i maszyn do szycia Max może bez przeszkód rozwijać swoje wizje. Gwiazdy w kreacjach Maxa Alexandra – gdy Hollywood spotyka dziecięcy geniusz Trudno dziś wyobrazić sobie, że projektant mający zaledwie osiem lat ubiera ikony światowego kina. A jednak Max Alexander przełamuje wszelkie schematy. Jego nazwisko pojawia się wśród tych, które wzbudzają szmery zachwytu w kuluarach czerwonych dywanów. Sharon Stone – symbol elegancji i filmowej niezależności – z dumą pozowała w jednym z jego wyjątkowych projektów - białym płaszczu. Z kolei Debra Messing, gwiazda „Will & Grace”, zachwycała się jego wyczuciem proporcji i detalu. I ostatecznie także zamówiła u Maxa płaszcz, ale w efektownym odcieniu szmaragdów. Te znane na całym świecie kobiety zdecydowały się zaufać intuicji i wizji chłopca, który widzi modę nie przez pryzmat wieku, lecz przez pryzmat bezgranicznej pasji. Dla Maxa to nie była ekstrawagancja, lecz naturalny krok na jego drodze. Gwiazdy – podobnie jak on – pragną mody, która wywołuje emocje, która opowiada historię i zostaje w pamięci. Projekty Maxa idealnie wpisują się w to oczekiwanie. Są klasyczne, ale odważne. Pełne wyrafinowanych cięć, ale też figlarnych detali – niczym przypomnienie, że moda to także radość. Każda jego kreacja to zderzenie wyrafinowanego kunsztu haute couture z nieskrępowaną dziecięcą wyobraźnią. To właśnie ten styl – nieprzewidywalny, a jednocześnie harmonijny – sprawia, że jego projekty stają się obiektem pożądania. W świecie, w którym tak łatwo wpaść w schemat, Max Alexander oferuje coś znacznie więcej niż tylko piękne ubrania. Oferuje świeżość, której tak bardzo dziś potrzeba. Sukces na New York Fashion Week – moment, w którym świat wstrzymał oddech To był moment, który na zawsze zapisze się w historii mody – nie tylko jako triumf młodego talentu, lecz jako dowód na to, że pasja nie zna wieku. Gdy Max Alexander, zaledwie ośmioletni wizjoner, wszedł za kulisy New York Fashion Week, atmosfera zgęstniała od emocji. Chwilę później, jego kolekcja haute couture przemówiła z wybiegu z siłą, której nie sposób było zignorować. Wśród światła reflektorów i kamer największych modowych redakcji świata, Max pokazał to, co najlepiej definiuje jego twórczość: odważną estetykę, świadome podejście do tkanin i głęboko emocjonalne projektowanie. Każda z prezentowanych sukni była opowieścią – o dziecięcej fantazji, o zamiłowaniu do klasyki, o odpowiedzialności za planetę. Nie bez powodu do stworzenia kolekcji wykorzystał materiały z recyklingu – tkaniny z odzysku i fragmenty starych kreacji zyskały nowe życie w jego dłoniach. Jego debiut podczas NYFW nie był tylko sukcesem artystycznym – był symbolicznym przełamaniem granic. Max Alexander został oficjalnie wpisany do Księgi Rekordów Guinnessa jako najmłodszy projektant, którego kolekcja została zaprezentowana na profesjonalnym wybiegu. Ale nawet ten tytuł nie oddaje w pełni skali jego osiągnięcia. Bo to nie liczby poruszyły publiczność – to emocje. To suknie, które z gracją spływały po modelkach, zaskakując detalem i dojrzałością konstrukcji, przyjmowane były owacjami na stojąco. Max nie tylko zachwycił, ale i zainspirował. Pokazał, że moda może być nie tylko piękna, ale i pełna znaczenia – bez względu na to, czy tworzy ją ktoś z wieloletnim doświadczeniem, czy… ośmioletni chłopiec z igłą w ręku i sercem pełnym marzeń. Zrównoważona moda według Maxa Alexandra – piękno, które nie szkodzi planecie W świecie, gdzie szybką modę można kupić taniej niż lunch na mieście, a kolejne kolekcje zalewają półki co kilka tygodni, głos Maxa Alexandra brzmi jak cicha, ale potężna rewolucja. Nie chodzi tylko o to, co tworzy, ale o to, jak i dlaczego to robi. Już jako dziecko Max rozumie coś, z czym wiele marek wciąż ma problem – że prawdziwa moda nie musi oznaczać marnotrawstwa, a piękno nie powinno powstawać kosztem planety. Filozofia twórcza Maxa opiera się na głębokim szacunku do materiałów. W jego rękach skrawki zapomnianych tkanin, fragmenty starych sukien z poprzednich epok, nienoszone krawaty, a nawet domowe tekstylia stają się bazą do tworzenia kreacji, które mogłyby trafić na czerwony dywan. Każdy projekt to świadome wyzwanie dla siebie i dla świata: jak nadać nowe życie czemuś, co zostało odrzucone? Zamiast sięgać po nowe, Max wybiera stare – ale robi to z taką finezją, że jego suknie wyglądają jak wyjęte z marzeń. Uczy, że moda zrównoważona nie oznacza kompromisu. Wręcz przeciwnie – może być luksusowa, dopracowana, ekstrawagancka. To styl, który nie rezygnuje z jakości, a jednocześnie zmienia sposób myślenia. W epoce, w której przemysł odzieżowy generuje miliony ton odpadów rocznie, Max Alexander jest jak świeży oddech – i zarazem poważny głos w debacie o przyszłości mody. Jego kreacje niosą nie tylko estetyczne doznania, ale także przesłanie: moda przyszłości musi być odpowiedzialna. I jeśli potrafi to zrozumieć ośmiolatek, może najwyższy czas, byśmy wszyscy zaczęli słuchać? Co dalej, Max? Przyszłość pisana nicią haute couture Nie ma w tym nic zwyczajnego, że ośmiolatek planuje założenie własnego domu mody – ale Max Alexander nie jest zwyczajnym ośmiolatkiem. Z tą samą pewnością, z jaką dobiera tkaniny i kreśli linie na szkicowniku, snuje marzenia o przyszłości, która z każdym dniem staje się coraz bardziej realna. To nie są dziecięce fantazje – to plan działania. Konkretna wizja kariery, w której nie ma miejsca na kompromisy. Max nie tylko chce projektować – on pragnie tworzyć własne imperium stylu, miejsce, w którym moda spotyka się ze sztuką, zrównoważonym rozwojem i nieograniczoną wyobraźnią. Jego marzeniem jest atelier – przestrzeń pełna światła, kolorów i dźwięku maszyny do szycia, gdzie mógłby tworzyć dla najbardziej wymagających klientek świata. Gwiazdy czerwonych dywanów, pierwsze damy, ikony popkultury – Max już dziś wie, że jego moda ma przemawiać do kobiet z charakterem, odwagą i sercem. Rodzina młodego projektanta nie tylko kibicuje jego planom, ale aktywnie wspiera ich realizację. Organizują dla niego warsztaty, spotkania z doświadczonymi projektantami i edukację, która wykracza daleko poza szkolny program. Wszystko po to, by nie zagubić tej rzadkiej iskry talentu, która rozpala wyobraźnię nie tylko samego Maxa, ale i całej branży. Jego obecność na New York Fashion Week nie była chwilowym zjawiskiem – to był początek. Media, świat mody, fani – wszyscy obserwują jego drogę z rosnącym zainteresowaniem. Max Alexander jest nie tylko cudownym dzieckiem haute couture. Jest przyszłością, która właśnie się dzieje. A jeśli dziś tworzy cuda z fragmentów zasłon, to co zaprojektuje jutro, gdy dostanie do rąk świat? Koniecznie śledźcie jego karierę, bo będzie o nim głośno!
Boho chic, pastele i denim: Kolekcja Jemiol na wiosnę i lato 2025 to hołd dla stylu lat 70.
Łukasz Jemioł prezentuje lata 70. w nowoczesnym wydaniu
Sezon wiosna-lato 2025 to czas, w którym marka JemiolL zanurza się w klimacie lat 70. Najnowsza kolekcja autorstwa Łukasza Jemioła to hołd dla nonszalanckiego, romantycznego stylu boho-chic, który od lat cieszy się ogromną popularnością w modzie. Jemioł postawił na połączenie klasyki z nowoczesnymi akcentami, tworząc stylizacje, które zachwycają swoją ponadczasową elegancją. Kolekcja łączy w sobie zarówno klasyczne, oversize’owe marynarki, jak i delikatne sukienki oraz romantyczne koszule. Nowa Kolekcja Jemiol na wiosnę i lato 2025 – inspiracje latami 70. W tym sezonie nie mogło zabraknąć również ulubionych elementów, które od lat są wizytówką marki – klasycznego denimu i zamszowych shopperów. Do kolekcji dołączono także zdobione frędzlami woreczki, które idealnie wpisują się w ducha lat 70. Paleta barw to mieszanka subtelnych pasteli, chłodnych beżów oraz głębokich odcieni indygo i czekoladowego brązu. Całość została ożywiona przez szafranowe tonacje żółtego, które nadają energii całej kolekcji. „To kolekcja dla kobiet ceniących zarówno jakość, jak i wygodę, które pragną pozostać na czasie”, mówi Łukasz Jemioł o swojej najnowszej propozycji. Gdzie powstała sesja zdjęciowa Jemiol? Madera jako tło dla stylizacji Zdjęcia do kampanii kolekcji Jemiol na sezon wiosna-lato 2025 powstały na portugalskiej wyspie Madera. Ta malownicza lokalizacja z wulkanicznymi krajobrazami stanowiła doskonałe tło dla boho stylizacji marki. W roli gwiazdy sesji wystąpiła modelka Michelle Gutknecht, a nad całokształtem zdjęć czuwał Mateusz Stankiewicz, który uchwycił klimat lat 70., tworząc fotoreportaże pełne mody i emocji. Zobacz zdjęcia kampanii w galerii!
Jonathan Saunders nowym dyrektorem kreatywnym &Other Stories!
Jak słynny projektant zmieni popularny brand?
Jonathan Saunders został mianowany nowym dyrektorem kreatywnym &Other Stories, gdzie będzie odpowiedzialny za nadzorowanie twórczości marki. Jego zadaniem jest rozwój projektów, które będą wyznaczać nowy kierunek dla tej popularnej marki odzieżowej. Kim jest Jonathan Saunders – Nowy Dyrektor Kreatywny &Other Stories? Co oznacza zatrudnienie Jonathan Saundersa dla &Other Stories? Wpływ nowego dyrektora kreatywnego na przyszłość marki &Other Stories Jonathan Saunders i jego doświadczenie w przemyśle modowym Innowacje, które Jonathan Saunders wniesie do &Other Stories Kim jest Jonathan Saunders – Nowy Dyrektor Kreatywny &Other Stories? Jonathan Saunders to szkocki projektant, który został właśnie ogłoszony nowym dyrektorem kreatywnym marki &Other Stories. Jego zadaniem będzie kierowanie zespołem projektowym i kreowanie estetyki przyszłych kolekcji. Zatrudnienie Saundersa zostało oficjalnie ogłoszone przez grupę H&M, do której należy marka &Other Stories. Saunders zyskał uznanie w branży modowej dzięki swojej wcześniejszej pracy dla prestiżowych marek (m.in. projektował printy dla Alexandra McQueena, współpracował z Chloé i Pucci) oraz dzięki własnym kolekcjom, które zyskały dużą popularność. Jego estetyka, oparta na nowoczesnych formach i odważnym podejściu do koloru ma wpisywać się w wizję rozwoju marki &Other Stories. Co oznacza zatrudnienie Jonathan Saundersa dla &Other Stories? Zatrudnienie Jonathan Saundersa jako dyrektora kreatywnego to znaczący krok w rozwoju marki. Jego rola będzie polegać na kształtowaniu spójnej wizji kreatywnej i pracy nad kolekcjami, które będą odpowiadać na potrzeby nowoczesnych konsumentek. Grupa H&M zaznaczyła, że Saunders obejmuje funkcję Chief Creative Officer, co świadczy o dużym zaufaniu i oczekiwaniach wobec jego osoby. Zmiana ta może również oznaczać nowe kierunki stylistyczne w ofercie marki, ponieważ Saunders znany jest z unikalnego podejścia do projektowania i odwagi w łączeniu wzorów oraz kolorów. Jego doświadczenie ma przyczynić się do wzmacniania pozycji marki na rynku. Wpływ nowego dyrektora kreatywnego na przyszłość marki &Other Stories Przyjęcie Saundersa do zespołu projektowego ma być impulsem do dalszego rozwoju marki. Jego świeże spojrzenie ma inspirować zespół i prowadzić do powstania innowacyjnych kolekcji. Marka &Other Stories stawia na różnorodność i ekspresję indywidualnego stylu, a Saunders, ze swoim doświadczeniem i rozpoznawalnym stylem, może znacząco wzmocnić tę filozofię. Dla marki, która w ostatnich latach zdobywała popularność wśród świadomych mody kobiet, decyzja o powołaniu dyrektora kreatywnego o międzynarodowej renomie to strategiczny ruch. Jonathan Saunders i jego doświadczenie w przemyśle modowym Jonathan Saunders ma bogate portfolio w branży modowej. W przeszłości projektował zarówno pod własnym nazwiskiem, jak i współpracował z dużymi domami mody. Jego projekty były prezentowane na światowych tygodniach mody, a jego nazwisko cieszy się uznaniem wśród ekspertów i redaktorów branżowych. Jako dyrektor kreatywny, Saunders wnosi do marki nie tylko swoją estetykę, ale również rozległe doświadczenie w budowaniu tożsamości marki i prowadzeniu zespołów kreatywnych. Jego podejście oparte jest na poszukiwaniu nowości i autentyczności – wartości, które &Other Stories chce jeszcze mocniej wyeksponować w swojej ofercie. Innowacje, które Jonathan Saunders wniesie do &Other Stories Choć konkretne plany projektowe Saundersa nie zostały jeszcze ujawnione, jego obecność w zespole &Other Stories sugeruje zmiany, które będą widoczne w nadchodzących kolekcjach. Można spodziewać się odważniejszych form, eksperymentalnych połączeń kolorystycznych i większej różnorodności w stylach. Saunders będzie również odpowiedzialny za wzmacnianie spójności wizualnej i kreatywnego kierunku marki, który będzie realizowany przez wszystkie jej oddziały.
Sensacyjna zmiana w Loewe! Duet z Proenza Schouler przejmuje stery
To oni zastąpią Jonathana Andersona, który przez 11 lat transformował markę
Jack McCollough i Lazaro Hernandez - założyciele marki Proenza Schouler, zostali nowymi dyrektorami kreatywnymi Loewe. Zastępują Jonathana Andersona, który sprawował tę funkcję przez ostatnie 11 lat. Jaką mają wizję dalszego rozwoju hiszpańskiego domu mody? ZOBACZ TAKŻE: Zapachowa forma sztuki. Poznaj najpiękniejsze flakony i artystów, którzy je stworzyli. Może stworzysz własną kolekcję? Zmiana na czele Loewe Od 7 kwietnia nowymi dyrektorami kreatywnymi Loewe będą Jack McCollough i Lazaro Hernandez – amerykański duet projektantów znany jako Proenza Schouler. Projektanci będą odpowiedzialni za wszystkie kolekcje marki – damskie, męskie, wyroby skórzane oraz akcesoria. Skąd ten wybór? Pascale Lepoivre, dyrektor generalna Loewe, wskazała na wyjątkową kreatywność i przedsiębiorcze podejście duetu. Podkreśliła, że ich wizja wykracza poza modę, obejmując różne dziedziny kultury i zróżnicowane rynki. Dodała, że McCollough i Hernandez są „serdeczni, otwarci i pełni życia” oraz idealnie wpisują się w intensywną i pełną pasji kulturę firmy. CZYTAJ TEŻ: Moncler Grenoble jesień/zima 2025: spektakularny pokaz mody w Courchevel. Wyjątkowe wydarzenie przyciągnęło znane gwiazdy! Projektanci przeprowadzą się z Nowego Jorku do Paryża, gdzie znajdują się biura kreatywne Loewe, a także planują spędzić czas w Madrycie – miejscu narodzin marki w 1846 roku. Co dalej z marką Proenza Schouler? Choć McCollough i Hernandez przejmują kreatywną władzę w Loewe, nie rozstają się całkowicie ze swoją macierzystą marką. Pozostają udziałowcami Proenza Schouler i zasiadają w jej zarządzie. Obecnie współpracują z dyrektor generalną Shirą Suveyke Snyder, by znaleźć nowego lidera kreatywnego dla brandu. Przypomnijmy, że duet założył markę w 2002 roku, zdobywając uznanie m.in. dzięki pięciu nagrodom CFDA oraz torbie PS1, która zdobyła status „It bag”. Dziedzictwo Jonathana Andersona w Loewe Ich poprzednik w Loewe, Jonathan Anderson objął stanowisko dyrektora kreatywnego w 2013 roku. Dzięki jego wizji marka przeszła spektakularną transformację: z domu znanego głównie z wyrobów skórzanych, prezentów i perfum stała się globalnym graczem mody, znanym z odważnych projektów, artystycznych kampanii i współprac. Przychody Loewe wzrosły ponad siedmiokrotnie, zbliżając się do 2 miliardów euro. CZYTAJ TAKŻE: Szaleństwo (nie)kontrolowane - zaglądamy do szafy Agnieszki Colombié! Dyskretny luksus i ekstrawagancja. Szafa Agnieszki Colombié robi wrażenie. Z wielu powodów. Plany Loewe na 2025 rok – wystawy i ekspansja Marka kontynuuje dynamiczny rozwój. Wśród najważniejszych wydarzeń w 2025 roku zaplanowane są: wystawa „Crafted World” w Tokio, dziewiąta edycja Loewe Foundation Craft Prize w Madrycie czy rozbudowa butiku przy Avenue Montaigne w Paryżu. Otwarty zostanie także nowy budynek Loewe Casa w dzielnicy Ginza w Tokio. Dyrektor generalna Pascale Lepoivre nie kryje entuzjazmu: „Zbudowaliśmy solidne fundamenty we wszystkich kategoriach produktów i na kluczowych rynkach, co naszym zdaniem zapewni doskonałą platformę do budowania dla Jacka i Lazaro”.
Jonathan Anderson odchodzi z Loewe. Koniec ery wybitnego projektanta w hiszpańskim domu mody
To koniec pewnej epoki! Po 11 latach Jonathan Anderson żegna się z Loewe. Pod jego kierownictwem hiszpański dom mody stał się jedną z najgorętszych marek luksusowych. Informacja o odejściu projektanta ze stanowiska dyrektora kreatywnego obiegła świat mody i wywołała falę spekulacji na temat jego przyszłości. ZOBACZ TAKŻE: Wielkie zmiany w świecie mody! Kto przejmie stery w legendarnych domach mody? Czy Gucci i Versace czeka rewolucja? Jonathan Anderson i Loewe: 11 lat spektakularnych zmian Jonathan Anderson objął stery Loewe w 2013 roku i całkowicie odmienił wizerunek marki. Dzięki niemu dom mody, znany dotąd głównie z luksusowych wyrobów skórzanych, stał się jedną z najbardziej innowacyjnych i pożądanych marek na świecie. Jego eksperymentalne podejście do projektowania, łączenie nowoczesnych form z tradycyjnym rzemiosłem oraz niezwykła dbałość o detale sprawiły, że Loewe osiągnęło ogromny sukces. Jednym z jego największych osiągnięć było stworzenie torebki Puzzle, która zadebiutowała w 2015 roku i szybko stała się kultowym modelem. Anderson z powodzeniem łączył komercyjny sukces z artystycznym podejściem, czego dowodem są współprace z legendarnym studiem animacji Studio Ghibli czy innowacyjne kolekcje obuwia we współpracy ze szwajcarską marką On. CZYTAJ TEŻ: Magda Butrym x H&M: pierwsza w historii marki kolaboracja z polską projektantką! Polska moda na światowym poziomie Podziękowania i emocjonalne pożegnanie W oficjalnym oświadczeniu Jonathan Anderson podkreślił, jak ważny był dla niego czas spędzony w Loewe. „Miałem szczęście być otoczonym przez ludzi z wyobraźnią, umiejętnościami, wytrwałością i pomysłowością, którzy potrafili powiedzieć „tak” wszystkim moim szalenie ambitnym pomysłom” – powiedział projektant. Dyrektor generalna Loewe Pascale Lepoivre podkreśliła, że pod rządami Andersona marka doświadczyła „znaczącego wzrostu” i zyskała międzynarodowe uznanie. Sidney Toledano, doradca prezesa i dyrektora generalnego LVMH Bernarda Arnaulta, nazwał Andersona „jednym z najlepszych” zaznaczając, że jego wkład w Loewe wykracza daleko poza kreatywność. Co dalej? Przyszłość Loewe i Jonathana Andersona Odejście Jonathana Andersona wywołało falę spekulacji na temat tego, kto przejmie stery w Loewe. Marka, która pod jego kierownictwem osiągnęła miliardowe przychody, musi teraz znaleźć następcę zdolnego utrzymać jej nowoczesny charakter. Pojawiają się również pytania o przyszłość samego Andersona. Czy obejmie stery w innym luksusowym domu mody? A może skupi się na swojej autorskiej marce JW Anderson? Jedno jest pewne – świat mody jeszcze nie raz usłyszy jego nazwisko.
Wielkie zmiany w świecie mody! Kto przejmie stery w legendarnych domach mody?
Świat mody nie zwalnia tempa! Dwa kultowe domy mody ogłosiły rewolucyjne zmiany na stanowiskach dyrektorów kreatywnych, które z pewnością odmienią ich przyszłość. Przed nami nowa era – kto stanie na czele tych luksusowych gigantów? ZOBACZ TAKŻE: 27. Gala Polskich Nagród Filmowych ORŁY: Najlepsze stylizacje z czerwonego dywanu Demna nowym dyrektorem kreatywnym Gucci! To oficjalne! Nowym dyrektorem kreatywnym Gucci zostanie Demna Gwasalia – jeden z najbardziej wpływowych projektantów ostatnich lat. Dotychczasowy szef Balenciagi obejmie stery włoskiego domu mody już w lipcu 2025 roku, zastępując Sabato De Sarno, który pożegnał się z marką zaledwie kilka tygodni temu. Decyzja ta nie jest przypadkowa. Demna znany jest ze swojego nieszablonowego podejścia do projektowania i umiejętności redefiniowania współczesnej mody. Przez blisko dekadę zmieniał oblicze Balenciagi, wprowadzając odważne sylwetki, grunge'owy minimalizm i dekonstrukcję luksusu. Jego ekscentryczne, a jednocześnie komercyjnie skuteczne kolekcje sprawiły, że marka stała się jedną z najbardziej pożądanych na świecie. Teraz ma powtórzyć ten sukces w Gucci. „Zawsze podziwiałem kreatywne podejście Demny – jest wyjątkowe, autentyczne i potężne” – mówi dyrektor generalny Gucci, podkreślając, że marka wkracza w nowy etap. Sam projektant nie ukrywa ekscytacji: „To zaszczyt móc przyczynić się do historii domu mody, który od zawsze podziwiałem. Gucci ma niesamowite dziedzictwo, ale i potencjał do tworzenia nowej definicji luksusu. Nie mogę się doczekać, by wspólnie otworzyć kolejny rozdział”. CZYTAJ TEŻ: Magda Butrym x H&M: pierwsza w historii marki kolaboracja z polską projektantką! Polska moda na światowym poziomie Koniec ery Donatelli Versace. Kto ją zastąpi? To kolejna decyzja, której nikt się nie spodziewał! Po niemal 30 latach rządów Donatella Versace ogłosiła, że ustępuje ze stanowiska dyrektorki kreatywnej marki, którą przejęła po tragicznej śmierci swojego brata Gianniego w 1997 roku. To ogromna zmiana dla domu mody Versace, który pod jej wodzą stał się symbolem włoskiego luksusu i glamour. Nowym dyrektorem kreatywnym został Dario Vitale – dotychczasowy projektant Miu Miu. To pierwszy raz w historii, gdy na czele Versace stanie ktoś spoza rodziny. Projektant ma objąć nowe stanowisko już w kwietniu, a jego pierwsza kolekcja zostanie zaprezentowana we wrześniu na Milan Fashion Week. „To był największy zaszczyt w moim życiu, że mogłam kontynuować dziedzictwo mojego brata Gianniego” – podkreśliła Donatella w oficjalnym oświadczeniu. Dodała też, że jest „podekscytowana, że zobaczy Versace oczami nowego pokolenia”. Decyzja o zmianie na tak kluczowym stanowisku rodzi wiele pytań. Czy Versace pod wodzą Vitale’a zachowa swój drapieżny charakter? Czy zobaczymy nową odsłonę luksusu, bardziej subtelną i delikatną, jak sugerowały ostatnie kolekcje Miu Miu? Jedno jest pewne – przed marką zupełnie nowy etap. Te dwa przełomowe ogłoszenia pokazują, jak dynamicznie zmienia się świat mody. Przed nami era nowych twarzy, nowej wizji i – być może – nowej definicji luksusu.
Tom Ford w nowej odsłonie! Haider Ackermann zachwyca debiutancką kolekcją na jesień/zimę 2025
Projektant otwiera dla marki nowy rozdział
Choć Tom Ford sam nie stoi już na czele swojej marki, może być dumny. Jego nazwisko wciąż niezmiennie rozbrzmiewa w świecie mody luksusowej, a debiutancka kolekcja Haidera Ackermanna na jesień/zimę 2025, zaprezentowana na Paryskim Tygodniu Mody, tylko to potwierdza. Zobacz, jak zaprezentowały się najnowsze sylwetki marki! ZOBACZ TAKŻE: Modowe perełki na Dzień Kobiet 2025: wiosenne dodatki idealne na prezent! Odkryj nowości w sam raz na tę okazję! Nowa era Toma Forda pod rządami Haidera Ackermanna Haider Ackermann, który we wrześniu zeszłego roku przejął stery kreatywne marki szybko udowodnił, że był właściwym wyborem. Po zwolnieniu Petera Hawkinga, który przez rok pełnił funkcję dyrektora kreatywnego, marka potrzebowała świeżego powiewu. Jak się okazuje, Haider Ackermann, ceniony przez branżę za współpracę z Jeanem Paulem Gaultierem, idealnie wpasował się w DNA Toma Forda. Moda wieczorowa na najwyższym poziomie Pokaz na wybiegu był jak filmowy spektakl. Modelki zmysłowo kroczyły powolnym krokiem, celowo łamiąc utarte schematy. W kolekcji dominowała klasyka wieczorowa, ale w nowoczesnym wydaniu: sukienki na jedno ramię z odważnymi rozcięciami, garnitury o nieszablonowych połączeniach kolorów. Odcienie zachwycały świeżością: kobalt łączył się z srebrem, neonowa zieleń ożywiała pudrowy róż, a fiolet stapiał się z czekoladowym brązem. W kolekcji silny akcent położono na skóry: białe topy we wzór skóry krokodyla, kurtki motocyklowe czy jednoręczne rękawice. Nie zabrakło też bardziej przytulnych akcentów, takich jak moherowy sweter i liliowa suknia z frędzlami. CZYTAJ TEŻ: Najpiękniejsze kreacje z imprezy Vanity Fair po gali oscarowej 2025. Było znacznie ciekawiej niż na oscarowym czerwonym dywanie! Haider Ackermann stanie się nowym Tomem Fordem? Debiutancka kolekcja Ackermanna dla Toma Forda nie tylko przywróciła marce pozycję lidera w świecie wieczorowych stylizacji, ale również otworzyła nowy rozdział w historii domu mody. Czy Haider Ackermann stanie się nowym Tomem Fordem? Czas pokaże, ale jedno jest pewne – jego debiut jest zwiastunem kolejnych udanych projektów. W naszej galerii zobaczysz stylizacje z ostatniego pokazu Tom Ford na jesień/zimę 2025!
Elle Fanning inspiruje do życia "we własnym tempie" w najnowszej kampanii Coach
Afirmacja wolności i naturalnej ekspresji...
Marka Coach wprowadza kampanię "On Your Own Time", zachęcającą do życia zgodnie z własnym rytmem. Jej gwiazdą jest aktorka Elle Fanning, która wystąpiła wraz z innymi ambasadorkami marki, takimi jak Nazha, Kōki i Youngji Lee. Co czeka nas w nowej kolekcji? ZOBACZ TAKŻE: Tęsknisz za latem? Zobacz najnowszą kampanię Chloé Summer 2025! Obłędne, słoneczne kadry i słodkie lenistwo... Nowa kampania Coach 2025 – zwolnij i żyj po swojemu! Kampania "On Your Own Time" to część większej inicjatywy Coach pod nazwą "The Courage to Be Real". Jej celem jest inspirowanie młodego pokolenia do przejęcia kontroli nad własnym życiem wbrew społecznym oczekiwaniom. W serii filmów i zdjęć Elle Fanning oraz pozostałe ambasadorki ukazują momenty, w których decydują się zwolnić, odkładając na bok przytłaczające powiadomienia i bodźce zewnętrzne. W filmie wyreżyserowanym przez Henry'ego Scholfielda, Elle Fanning odkłada telefon do kultowej torby Tabby, symbolicznie zamykając go na zatrzask. Ten gest ma na celu podkreślenie potrzeby odłączenia się od cyfrowego szumu i skupienia na własnych potrzebach oraz priorytetach. CZYTAJ TEŻ: Broszki powracają na wybiegi: elegancja w nowoczesnym wydaniu! Pamiątka ze szkatułki babci jest teraz hitem! Zdjęcia do kampanii wykonała Elaine Constantine, skupiając się na autentyczności i spontaniczności chwil w miejskim otoczeniu. Kolekcja na wiosnę 2025 – elegancja i nowoczesność Nowa kolekcja na wiosnę 2025 obejmuje m.in. trencze, skórzane marynarki oraz patchworkowe elementy, a także klasyczne produkty, takie jak torby Chain Tabby, Brooklyn, Empire i Teri. Dodatkowo, w ofercie znajdują się buty sportowe Soho, inspirowane latami 90., z mapą Nowego Jorku na podeszwie. Elle Fanning jako ambasadorka autentyczności Dzięki zaangażowaniu takich gwiazd jak Elle Fanning, Coach przekazuje komunikat o znaczeniu autentyczności i życia w zgodzie ze sobą, niezależnie od zewnętrznych nacisków i oczekiwań. To także symbol zwrócenia się marki ku młodej generacji, która jest nośnikiem transformacji społecznych. Jak podoba Wam się najnowsza kampania Coach?
Tęsknisz za latem? Zobacz najnowszą kampanię Chloé Summer 2025!
Obłędne, słoneczne kadry i słodkie lenistwo...
Brakuje Ci ciepłych, letnich dni? Chloé już teraz przenosi nas do śródziemnomorskiej riwiery, pełnej słońca, lekkości i zmysłowości... Dom mody właśnie zaprezentował swoją najnowszą kampanię na lato 2025. Zobacz te niesamowite kadry! ZOBACZ TAKŻE: Broszki powracają na wybiegi: elegancja w nowoczesnym wydaniu! Pamiątka ze szkatułki babci jest teraz hitem! Letnia kolekcja Chloé: śródziemnomorska sceneria i magia światła Sesja zdjęciowa, za którą odpowiada David Sims, odbyła się w architektonicznym arcydziele - śródziemnomorskiej willi Savina Couëlle. To właśnie tam uchwycono esencję lata – momenty, które sprawiają, że czujemy się wolni i pełni optymizmu. Dyrektor kreatywna Chloé, Chemena Kamali opisuje bohaterkę kampanii jako kobietę, która "uosabia ten wyimaginowany moment letnich miesięcy, kiedy na nowo łączymy się sami ze sobą". Lekkie tkaniny i wyraziste dodatki – lato 2025 według Chloé Kolekcja na lato 2025 to połączenie zwiewnych tkanin, stylowych strojów kąpielowych oraz charakterystycznych dodatków. Intymne, przesiąknięte słońcem obrazy podkreślają charakterystyczne dla marki lejące tkaniny, które idealnie oddają leniwy, letni nastrój. "Według mnie kobieta Chloé zawsze kieruje się instynktem i optymizmem" - dodaje dyrektor kreatywna. CZYTAJ TEŻ: Torebki cargo – hit z New York Fashion Week! Nowy must-have sezonu. Wiemy gdzie znaleźć najmodniejszy model! Nowa kolekcja będzie dostępna w butikach Chloé oraz na oficjalnej stronie Chloe.com od 28 lutego. Przygotuj się na lato w stylu Chloé!
Broszki powracają na wybiegi: elegancja w nowoczesnym wydaniu!
Pamiątka ze szkatułki babci jest teraz hitem!
Broszki, niegdyś kojarzone głównie z biżuterią naszych babć, triumfalnie wracają na światowe wybiegi mody. Projektanci tacy jak Tory Burch i Carolina Herrera udowadniają, że ten klasyczny dodatek może być stylowy i ponadczasowy, stanowiąc doskonałe uzupełnienie nowoczesnych stylizacji. ZOBACZ TAKŻE: Torebki cargo – hit z New York Fashion Week! Nowy must-have sezonu. Wiemy gdzie znaleźć najmodniejszy model! Nowoczesne interpretacje broszek na wybiegach W najnowszej kolekcji Tory Burch broszki pełnią funkcję nie tylko ozdobną, ale i praktyczną. Projektantka wykorzystała je do spięcia rękawów swetrów i kardiganów, tworząc asymetryczne drapowania. To podejście pokazuje, jak za pomocą broszki można dodać świeżości klasycznym elementom garderoby. Z kolei Carolina Herrera postawiła na wyraziste broszki z motywami kwiatowymi, które zdobiły suknie, prążkowane płaszcze oraz garnitury. Dodatki wprowadziły element luksusu i elegancji, podkreślając kobiecość i szyk stylizacji. Jak wprowadzić broszki do swojej garderoby? Jeśli dotychczas unikałaś broszek, teraz nadszedł doskonały moment, aby to zmienić! Dzięki różnorodności dostępnych wzorów i stylów, każda z nas może znaleźć coś dla siebie. Minimalistyczne podejście: Wybierz broszkę o abstrakcyjnym kształcie i przypnij ją do klapy marynarki lub płaszcza. Taki subtelny akcent doda charakteru nawet najprostszej stylizacji. Maksymalistyczny styl: Jeśli preferujesz bardziej wyraziste dodatki, postaw na broszkę z kryształami lub w intensywnych kolorach. Możesz nosić ją na sukience, swetrze czy nawet torebce, dodając sobie blasku i wyrazistości. Vintage inspiracje: Nie zapominaj o skarbach ukrytych w szkatułkach z biżuterią twojej babci. Klasyczne broszki vintage mogą stać się unikalnym elementem współczesnych stylizacji, łącząc tradycję z nowoczesnością! CZYTAJ TEŻ: Inteligentne pierścionki – nowy trend w świecie technologii i mody. Jak działają smart rings? Ponadczasowy dodatek w nowej odsłonie Powrót broszek na wybiegi mody to dowód na to, że klasyczne dodatki potrafią zyskać drugie życie w nowoczesnych interpretacjach. Niezależnie od tego, czy wybierzesz minimalistyczną formę, czy bogato zdobioną ozdobę, z pewnością doda ona elegancji i wyjątkowości każdej stylizacji!
Torebki cargo – hit z New York Fashion Week! Nowy must-have sezonu
Wiemy gdzie znaleźć najmodniejszy model!
Moda nie zwalnia tempa. Tegoroczny New York Fashion Week udowodnił, że najgorętsze trendy na nadchodzące sezony będą połączeniem stylu i funkcjonalności. Torebki cargo, ozdobione kieszeniami, przegródkami i suwakami, wyrastają na nowy obiekt pożądania. Projektanci znanych domów mody zgodnie uznali, że minimalistyczne akcesoria mogą na chwilę ustąpić miejsca torbom, które nie tylko przyciągają wzrok, ale także ułatwiają życie. ZOBACZ TAKŻE: Inteligentne pierścionki – nowy trend w świecie technologii i mody. Jak działają smart rings? Po latach dominacji mikro torebek i kompaktowych fasonów przyszła pora na model, który pomieści wszystko, co niezbędne – i to w doskonale zorganizowany sposób. Duże klapki, widoczne przegródki i dodatkowe schowki to elementy, które pojawiły się w najnowszych kolekcjach Coach czy Tory Burch. Modowa rewolucja – kieszenie na widoku Na pokazie Coach zaprezentowano model Twin Pocket Bag, inspirowany archiwalnym projektem z 1968 roku. Wykonany z przetartej skóry, ozdobiony mosiężnymi klamrami, przypomina klasyczne torebki vintage, ale w nowoczesnym wydaniu. Tory Burch poszedł jeszcze dalej – jego torby nawiązują do eleganckich teczek, a dzięki licznym przegródkom na karty i klucze sprawiają, że portfel staje się zbędny! Również domy mody, takie jak Miu Miu i Chanel nie pozostają w tyle. W swoich kolekcjach na sezon wiosna-lato 2025 dodały kieszenie i organizery do klasycznych modeli. Chanel wzbogaciło pikowane torby o przegródki wielkości smartfona, a Miu Miu stworzyło plecaki inspirowane szkolnymi tornistrami. CZYTAJ TEŻ: 5 modeli torebek, które będziemy nosić na okrągło tej wiosny. Już teraz znajdziesz je w znanych sieciówkach! To must-have w szafie każdej miłośniczki mody! Gdzie kupić modne torby cargo? Oryginalne modele od Chanel, Coach czy Miu Miu mogą kosztować majątek, ale na szczęście trend błyskawicznie pojawił się w popularnych sieciówkach. Zara, Mango i Massimo Dutti oferują eleganckie modele z kieszeniami, które świetnie sprawdzą się w stylizacjach na co dzień. W Reserved i Bershka znajdziesz casualowe torby w stylu utility, inspirowane wybiegowymi trendami. Torebka cargo to więcej niż modny dodatek – to praktyczny wybór, który ułatwia życie i dodaje stylizacjom charakteru. Jeśli cenisz porządek i funkcjonalność, ten model jest dla Ciebie!
Najgorętsze momenty podczas New York Fashion Week AW25. Najlepsze kolekcje i najlepiej ubrane gwiazdy
Nowojorski Tydzień Mody ponownie zachwycił, serwując spektakularne pokazy i niezapomniane stylizacje. W sezonie jesień/zima 2025 klasyka będzie przeplatać się z awangardą, a wielkie domy mody zredefiniują swoje DNA. Oto najważniejsze kolekcje, które przyciągnęły uwagę świata mody oraz gwiazdy, które błyszczały w pierwszych rzędach. ZOBACZ TAKŻE: 5 modeli torebek, które będziemy nosić na okrągło tej wiosny. Już teraz znajdziesz je w znanych sieciówkach! To must-have w szafie każdej miłośniczki mody! Najlepsze kolekcje NYFW A/W 2025 Tory Burch: Nowoczesna klasyka z twistem Tory Burch od lat udowadnia, że amerykańska odzież sportowa może być elegancka i pełna świeżości. W tym sezonie projektantka postawiła na nietypowe detale: klasyczne kardigany zyskały rozcięcia w rękawach, dresy uszyto z luksusowego dżerseju, a swetry haftowane były w taki sposób, by przypominały tweed. Kolekcja emanuje subtelnym, ale wyrafinowanym stylem – to ubrania, które można nosić latami, a każdy element wydaje się kluczowym elementem garderoby. Coach: Młodzieńczy bunt i nowoczesny luz Stuart Vevers kontynuuje swoją misję przyciągania młodszych klientów i robi to w wielkim stylu. Kolekcja Coach na jesień/zimę 2025 to kwintesencja nonszalancji: nisko osadzone, workowate dżinsy, zwierzęce nadruki i przerysowane okulary. Hitem internetu stały się urocze kapcie w kształcie króliczków, które błyskawicznie zawładnęły mediami społecznościowymi. Kolekcja odważnie balansuje na granicy luksusu i ulicznej mody, redefiniując współczesną estetykę Coach. Khaite: Zmysłowość i tajemnica w hołdzie Davidowi Lynchowi Cate Holstein ponownie zachwyciła swoją wizją mody – tym razem inspirowaną kinem Davida Lyncha. Kolekcja Khaite A/W 2025 to synteza tajemnicy i zmysłowości. Majestatyczne skórzane kurtki, zdekonstruowane suknie z gorsetowym wykończeniem oraz operowe rękawiczki przywołują klimat filmów „Dzikie serce” czy „Blue Velvet”. Projekty Holstein wyróżniała nie tylko perfekcyjna konstrukcja, ale też niezwykle sugestywna narracja – to moda, która opowiada historie. CZYTAJ TEŻ: Te spodnie będą hitem wiosny 2025! Meghan Markle już je nosi! Krój dżinsów bootcut wraca w wielkim stylu! Calvin Klein: Powrót do minimalizmu lat 90. To był jeden z najbardziej wyczekiwanych momentów tygodnia mody. Po latach nieobecności Calvin Klein powrócił na wybieg pod kierownictwem Veroniki Leoni, która doskonale uchwyciła esencję marki: prostotę, sensualność i amerykański minimalizm. Kolekcja łączyła precyzyjne krawiectwo z nonszalanckim luzem – obszernymi płaszczami, luźnymi dżinsami i dopasowanymi swetrami. W kolekcji nie zabrakło też odniesień do kultowych lat 90., a sam Calvin Klein, obecny na pokazie, nie krył zachwytu. Najpiękniej ubrane gwiazdy NYFW A/W 2025. Emily Ratajkowski, Kate Moss, Sofia Coppola W pierwszych rzędach nie zabrakło znanych celebrytek, gwiazd i supermodelek. Na pokazie Coach pojawiła się Emily Ratajkowski, która zachwyciła iście nowojorską stylizacją - zamszowym trenczem, do którego dobrała dopasowane kozaki oraz najmodniejszą torebkę sezonu "east-west". Na pokazie Anny Sui zjawiła się Sofia Coppola. Aktorka postawiła na swobodną klasykę - jeansy z prostą nogawką, czarny kardigan i biały t-shirt. Na wyczekiwanym pokazie Calvina Kleina nie zabrakło znanych supermodelek. Kate Mosse sięgnęła po klasyczną stylizację w neutralnych kolorach - satynową beżową sukienkę w bieliźnianym stylu oraz czarny oversizowy płaszcz. Christy Turlington zaprezentowała się natomiast na czarno. Jej stylizację przełamały jedynie białe, skórzane czółenka. SPRAWDŹ TEŻ: Ten rewelacyjny model spodni optycznie wyszczupli nogi. Będziesz wyglądała smukło jak nigdy. Klasa i szyk. Wydłuża sylwetkę i wygląda ultraelegancko! Nowy Jork ponownie pokazał, że jest stolicą mody, która nie boi się eksperymentować, ale potrafi także pielęgnować swoje ikoniczne kody. Kolekcje na sezon jesień/zima 2025 udowodniły, że moda to coś więcej niż ubrania – to sztuka, emocje i opowieść o współczesnym stylu życia.