Ikona polskiej estrady znowu to zrobiła. I to z kim!. Ten hit z końcówki lat 70. otrzymał drugie życie. Fani oniemieli z zachwytu
Maryla Rodowicz wraca do kultowego „Remedium”, ale tym razem nie jest sama. U boku Krzysztofa Zalewskiego utwór zyskał nową, pełną emocji i nostalgii formę. Co sprawiło, że ten duet poruszył serca fanów aż do łez?
Maryla Rodowicz znów zaskakuje. Ikona polskiej sceny muzycznej wraca z wyjątkową, emocjonalną wersją swojego legendarnego hitu „Remedium (Wsiąść do pociągu)”. Tym razem do współpracy zaprosiła Krzysztofa Zalewskiego, a ich duet to prawdziwa podróż w czasie – pełna wspomnień, emocji i ponadczasowej energii. Dlaczego właśnie „Remedium”? Osobiste wspomnienia Zalewskiego Krzysztof Zalewski nie kryje wzruszenia. Jak sam przyznaje, udział w tym projekcie był dla niego czymś więcej niż tylko artystycznym wyzwaniem: "Praca z królową? Piękne doświadczenie. Nieco surrealistyczne, bo miałem wrażenie, jakbym wszedł do mitycznego świata polskich legend i baśni, ale niewątpliwie satysfakcjonujące. Maryla nadal znakomicie śpiewa i nadal emanuje młodzieńczą, czystą energią. Jej miłość do muzyki i zaangażowanie są zaraźliwe. Jestem bardzo wdzięczny za tę przygodę", wspomina z uśmiechem. CZYTAJ TEŻ: Jedna z najpiękniejszych piosenek o przemijaniu. Ten hit lat 90. napisał w hołdzie dla Osieckiej. Do dziś myślą, że to jej słowa Klasyk w nowej odsłonie – emocje, nostalgia i świeżość „Remedium” to nie tylko utwór z repertuaru Maryli Rodowicz, ale także piosenka ważna dla Zalewskiego. Szczególnie że była ulubioną kompozycją jego mamy. Artysta podkreśla, że energia Maryli i jej miłość do muzyki są wciąż zaraźliwe i inspirujące. "Współpraca z Krzyśkiem była samą przyjemnością, po pierwsze Krzysiek jest świetnym muzykiem oraz jest bardzo męski, ma super wokal — jestem fanką jego muzykalności. W studiu w Łodzi, gdzie nagrywaliśmy utwór, był bardzo skoncentrowany i współpraca była zawodowa!", ujawniła wokalistka. Efekt ich wspólnej pracy? Wzruszająca wersja „Remedium”, która łączy pokolenia, style i emocje. To spotkanie artystycznych światów, które mimo różnic brzmią razem zaskakująco spójnie. W nowej aranżacji klasyk zyskał świeżość, nie tracąc przy tym swojego nostalgicznego uroku. To nie tylko muzyczny powrót do przeszłości, ale przede wszystkim dowód na to, że dobre piosenki nigdy się nie starzeją. CZYTAJ RÓWNIEŻ: Taneczny hit lat 90. nie miał sobie równych. Prawda o nim wyszła na jaw dopiero po latach View oEmbed on the source website
Hit lat 80. skrywa niezwykłą tajemnicę! Nikt nie miał pojęcia, że o tym śpiewa wokalistka
Gloria Estefan, jedna z najbardziej wpływowych piosenkarek lat 80. i 90., obchodzi dziś 68. urodziny. Z tej okazji warto przypomnieć jej niezapomniany hit, który na zawsze zapisał się w historii muzyki. Piosenka, która nie tylko podbiła serca słuchaczy, ale również stała się inspiracją dla milionów kobiet na całym świecie.
Gloria Estefan to ikona muzyki lat 80. i 90., której utwory od zawsze łączyły latynoskie rytmy z popowymi melodiami. Z okazji jej 68. urodzin, przypominamy jeden z jej najważniejszych hitów – „Don’t Wanna Lose You”, który zyskał status kultowego utworu, inspirując miliony kobiet na całym świecie. Historia utworu "Don't Wanna Lose You" Piosenka „Don’t Wanna Lose You” ukazała się 21 czerwca 1989 roku jako główny singiel z debiutanckiego albumu solowego Glorii Estefan, Cuts Both Ways. Już wkrótce po wydaniu, utwór zdobył ogromną popularność, osiągając szczyty amerykańskich list przebojów, w tym Billboard Hot 100 i Cash Box Top 100. Piosenka stała się jednym z największych hitów w jej karierze i jednym z najważniejszych utworów końca lat 80. To właśnie „Don’t Wanna Lose You” po raz pierwszy w pełni ukazało solo talent Estefan, która nie tylko była wykonawczynią, ale także autorką zarówno muzyki, jak i tekstu. Gloria Estefan, łącząc swoje kubańskie korzenie z amerykańską popową tradycją, stworzyła piosenkę pełną emocji, która poruszała serca słuchaczy na całym świecie. Przesłanie piosenki – inspiracja dla kobiet Jednak to nie tylko muzyka sprawiła, że „Don’t Wanna Lose You” stała się wyjątkowym utworem. To przede wszystkim przesłanie, które niesie ze sobą ta piosenka, uczyniło ją ponadczasową. „Don’t Wanna Lose You” opowiada o miłości, która wymaga poświęcenia, odwagi i gotowości do walki o to, co najważniejsze. Gloria Estefan w swojej piosence apeluje do słuchaczek, by nie bały się walczyć o swoje uczucia, marzenia i relacje. To utwór, który zachęca kobiety do stawania twardo przy swoich przekonaniach i niepoddawania się w obliczu trudności. Wielu krytyków muzycznych zauważyło, że piosenka stała się hymnem dla kobiet na całym świecie. W 2014 roku Maryann Scheufele z AXS napisała, że utwór „Don’t Wanna Lose You” był ogromną inspiracją dla milionów kobiet, które dzięki niemu odważyły się walczyć o miłość. Gloria Estefan w swojej muzyce przekazywała kobiece siły, które miały dawać motywację do działania i pokazania światu, że miłość, mimo trudności, jest warta walki. <img src="https://images.immediate.co.uk/production/volatile/sites/48/2025/09/forum-0455324250-3aaddd0.jpg" width="2048" height="1605" alt="Cuban born singer Gloria Estefan waves during a press conference in Santiago, July 27. Estefan is in Chile to promote her latest album "Gloria".CD/CM/ME,Image: 455324250, License: Rights-managed, Restrictions: , Model Release: no, Credit line: Martin Thomas / Reuters / Forum" title="Gloria Estefan" /> Znaczenie piosenki w dzisiejszych czasach Choć od premiery „Don’t Wanna Lose You” minęły dziesięciolecia, piosenka wciąż ma ogromne znaczenie. Jej przesłanie o walce o miłość i niepoddawaniu się w obliczu trudności wciąż znajduje oddźwięk w sercach współczesnych słuchaczek. Utwór przypomina, że każda kobieta ma w sobie siłę, by stawić czoła wyzwaniom, niezależnie od tego, co jej życie przynosi. Gloria Estefan, dzięki takim hitom jak „Don’t Wanna Lose You”, na zawsze zapisała się w historii muzyki lat 80. i 90. Dziś, z okazji jej 68. urodzin, warto ponownie docenić nie tylko jej niezrównany talent wokalny, ale także jej wkład w tworzenie muzyki, która nie tylko bawi, ale także motywuje i inspiruje. Źródło: Złote Przeboje
Ten hit legendy lat 60. na nowo podbił świat. Nim odeszła, cieszyła się ponownie wielką sławą
Po 63 latach od premiery „Pretty Little Baby” autorstwa Connie Francis przeżywa sensacyjny renesans! Dzięki viralowi na TikToku utwór pojawia się w 600 000 filmikach dziennie, zdobywając 10 mld odsłuchań w streamingu i trafiając na listy Viral 50. Teraz piosenka doczekała się międzynarodowych wersji.
Czasami wystarczy jedna nuta, by wzruszyć miliony. „Pretty Little Baby” – klasyczny utwór Connie Francis z 1962 roku – nieoczekiwanie wrócił na szczyt popularności. Dzięki TikTokowi pokochało go nowe pokolenie. Dziś piosenka zdobywa miliardy odsłuchań i przeżywa swoją drugą młodość, a świat znów zachwyca się jej ponadczasową melodią. A jego wykonawczyni, zanim odeszła, cieszyła się ponownie wielką sławą. Historia utworu, który wzrusza pokolenia Był rok 1962, gdy Connie Francis – ikona amerykańskiej muzyki – nagrała balladę „Pretty Little Baby”. Delikatny głos, subtelna melodia i klasyczne brzmienie popu tamtej dekady sprawiły, że piosenka stała się muzyczną pocztówką z przeszłości. Choć przez lata była znana głównie fanom piosenkarki, teraz wraca z niespodziewaną siłą. W 2025 roku „Pretty Little Baby” eksplodowała w sieci. Wszystko zaczęło się od TikToka – jednej z najpopularniejszych aplikacji społecznościowych świata. Użytkownicy zaczęli masowo wykorzystywać utwór w swoich nagraniach, nadając mu nowe życie i emocjonalny kontekst. Piosenka pojawia się dziś w około 600 000 filmików dziennie. Od początku roku powstało już aż 15 milionów materiałów z jej udziałem. "Jestem zachwycona i wzruszona sukcesem „Pretty Little Baby”. Nagrałam ten utwór 63 lata temu, a świadomość, że nowe pokolenie zna mnie i moją muzykę, jest dla mnie ogromnym przeżyciem. Dziękuję wszystkim, dziękuję TikTokowi"– mówi Connie Francis. Popularność w sieci natychmiast przełożyła się na wyniki streamingowe. „Pretty Little Baby” ma obecnie ponad 10 miliardów odtworzeń globalnie! Na samym Spotify w ostatnim tygodniu liczba odsłuchań sięgnęła 14 milionów. Utwór trafił na prestiżową listę Viral 50, a jego melodia ponownie rozbrzmiewa w domach, kawiarniach i słuchawkach słuchaczy na całym świecie. CZYTAJ TEŻ: Jeden z najbardziej poruszających hitów lat 80. powstał po rozwodzie. Do dziś łamie serca Piosenka w wielu językach – powrót w wersji międzynarodowej Taki sukces nie mógł przejść bez echa. W odpowiedzi na rosnące zainteresowanie, wydano wyjątkową kompilację „Pretty Little Baby – International Versions”. To niezwykłe wydawnictwo zawiera wersje piosenki w językach: francuskim, niemieckim, włoskim, japońskim, hiszpańskim i szwedzkim. Dzięki temu każdy może usłyszeć tę samą historię – opowiedzianą w różnych kulturach i językach. CZYTAJ TEŻ: To najsmutniejsza piosenka w historii. Hit lat 90. do dziś wzrusza do łez Legenda powraca: Connie Francis znów na ustach świata „Pretty Little Baby” to jeden z największych powrotów ostatnich lat. Nagrana 63 lata temu ballada znów porusza serca i przypomina, że prawdziwa muzyka nie zna granic czasu ani wieku. Niestety, wiadomość o śmierci Connie Francis obiegła media. Artystka odeszła w nocy z 16 na 17 lipca. Miała 87 lat. W ostatnich tygodniach miała problemy zdrowotne, z tego powodu była poddana hospitalizacji. Wśród swoich największych hitów miała również takie utwory, jak "Stupid Cupid", "Lipstick on Your Collar" czy "Where the Boys Are". W latach swojej świetności była prawdziwą ikoną, której utwory wchodziły również na listy Billboardu. Śpiewała nie tylko po angielsku. Źródło: Muzyka Interia
Jeden z najbardziej poruszających hitów lat 80. powstał po rozwodzie. Do dziś łamie serca
Dokładnie 40 lat temu Phil Collins, były perkusista Genesis, dokonał przełomu: jego ballada „Against All Odds (Take a Look at Me Now)” zajęła 1. miejsce listy Billboard Hot 100, stając się pierwszym solowym numerem jeden artysty.
W Wielkiej Brytanii utwór dotarł do 2. pozycji, wyprzedzony jedynie przez „The Reflex” Duran Duran. Ścieżka stała się również gwiazdą ścieżki dźwiękowej do filmu Przeciw Wszystkim, zdobywając Grammy i nominację do Oscara. Przeżyjmy to raz jeszcze, od liczb po emocje, które poruszyły świat muzyki w 1984 roku. Globalny przebój: od listy Billboard do UK Singles Chart W 1984 roku Phil Collins zaskoczył świat emocjonalną balladą „Against All Odds (Take a Look at Me Now)”. Dokładnie 40 lat temu utwór zdobył szczyt listy Billboard Hot 100, stając się pierwszym solowym numerem jeden Collinsa w USA. To nie był jednak jedyny sukces – w Wielkiej Brytanii piosenka uplasowała się na 2. miejscu UK Singles Chart, ustępując jedynie „The Reflex” zespołu Duran Duran. To osiągnięcie rozpoczęło pasmo sukcesów artysty – później jeszcze sześć innych jego singli dotarło na szczyt listy Billboard. „Against All Odds” stał się początkiem nowej ery w karierze Collinsa. ZOBACZ TEŻ: To najsmutniejsza piosenka w historii. Hit lat 90. do dziś wzrusza do łez Film „Przeciw Wszystkim”: piosenka jako głos emocji Utwór został stworzony jako część ścieżki dźwiękowej do filmu Przeciw Wszystkim (Against All Odds) z 1984 roku. Film opowiadał o trudnych emocjach, rozstaniach i nadziei – a ballada Collinsa idealnie oddawała te nastroje. Melancholijny ton piosenki, fortepianowe wprowadzenie i dramatyczne crescendo doskonale oddawały klimat filmu. W efekcie „Against All Odds” zyskało życie nie tylko jako przebój radiowy, ale również jako emocjonalny komentarz do losów bohaterów filmowych. Nagrody i kontrowersje: Grammy i nominacja Oscarowa Sukces komercyjny nie przeszedł bez echa wśród krytyków. Piosenka zdobyła nagrodę Grammy za najlepsze popowe nagranie. Dodatkowo została nominowana do Oscara w kategorii najlepsza piosenka filmowa. Choć ostatecznie przegrała z „I Just Call To Say I Love You” Steviego Wondera, samo znalezienie się w tym gronie świadczyło o wyjątkowej sile utworu. To była kolejna pieczęć potwierdzająca artystyczny kaliber Phila Collinsa. Emocjonalny przekaz: tekst o rozstaniu i nadziei Tekst ballady opowiada o samotności, rozstaniu i nadziei na powrót ukochanej. Collins śpiewa z wyraźnym żalem i tęsknotą, dając głos milionom ludzi, którzy przeżyli zawód miłosny. Słowa „Take a look at me now” stały się manifestem tych, którzy zostali porzuceni, ale nie stracili wiary. Piosenka zyskała popularność dzięki swojej autentyczności – nie było tu miejsca na banał, lecz surowe emocje, które trudno było zignorować. CZYTAJ TEŻ: W trakcie tej piosenki wszyscy płaczą. Hit z lat 60. rozdziera serca od pokoleń. Ta piosenka to modlitwa, której nie umiemy wypowiedzieć na głos Dziedzictwo Collinsa: pierwszy z siedmiu numerów jeden „Against All Odds” zapoczątkowało pasmo sukcesów solowej kariery Phila Collinsa. To pierwszy z siedmiu utworów, które zdobyły 1. miejsce listy Billboard Hot 100. Piosenka nie tylko umocniła jego pozycję na rynku muzycznym, ale też pokazała, że potrafi samodzielnie stworzyć coś wielkiego – bez wsparcia zespołu Genesis. Dziedzictwo tej ballady wciąż trwa. Czterdzieści lat później nadal wzrusza, inspiruje i przypomina, że emocje są najpotężniejszym nośnikiem muzyki. Źródło: Onet
To najsmutniejsza piosenka w historii. Hit lat 90. do dziś wzrusza do łez
Melancholijna ballada z lat 90., której refren znają miliony, została uznana za najsmutniejszą piosenkę wszech czasów. Ten utwór to coś więcej niż muzyka. To wsparcie, które dociera tam, gdzie często milkną słowa.
Ta piosenka to prawdziwy klasyk lat 90., który poruszył miliony serc na całym świecie. Została właśnie uznana za najsmutniejszy utwór w historii – i trudno się dziwić. Melancholijna melodia, przytłaczający tekst i ładunek emocjonalny sprawiają, że trudno przejść obok niej obojętnie. Wiecie już, o jakim hicie mowa? To najsmutniejsza piosenka w historii. Doskonale znasz ten utwór Ranking najsmutniejszych piosenek wszech czasów powstał w 2022 roku na zlecenie marki Earex i bazuje na ankiecie wypełnionej przez 2000 osób. Nad przebiegiem badania czuwał profesor muzyki Rupert Till z University of Huddersfield – ekspert, który doskonale wie, jak dźwięki wpływają na emocje. Kiedy dopada nas melancholia, każdy radzi sobie z nią na swój sposób. Dla jednych lekarstwem jest energetyczna playlista, która ma przegonić smutek jak ręką odjął. Dla innych – najlepszym towarzyszem staje się muzyka równie ponura jak nastrój, która pozwala zanurzyć się w emocjach i... trochę się w nich pogubić. Piosenka, która zajęła pierwsze miejsce w rankingu pochodzi z albumu „Automatic for the People” z 1992 roku i od momentu premiery porusza miliony słuchaczy na całym świecie. Mowa o „Everybody Hurts”. Uczestnicy badania wskazali, że emocjonalna głębia, prosta linia melodyczna i szczery przekaz sprawiają, że utwór pozostaje w pamięci na długo i porusza najczulsze struny. Czytaj też: Sinner u boku Bocellego. Ten nietypowy duet zaskoczył cały świat. Ależ klasa! Ranking najsmutniejszych piosenek w historii – kto poza R.E.M.? W zestawieniu przygotowanym na podstawie ankiety, obok R.E.M., znalazły się inne emocjonalne hity. Na drugim miejscu uplasował się utwór „Nothing Compares 2 U” wykonywany przez Sinead O’Connor. Trzecie miejsce zajęło „Tears in Heaven” autorstwa Erica Claptona – piosenka napisana po tragicznej śmierci jego syna. W rankingu pojawiły się również: • Whitney Houston – "I Will Always Love You" • The Beatles – "Yesterday" • Adele – "Someone Like You" • Celine Dion – "My Heart Will Go On" • Roy Orbison – "Crying" • Eric Carmen – "All by Myself" • Robbie Williams – "Angels" • Bill Withers – "Ain’t No Sunshine" • James Blunt – "Goodbye My Lover" • Toni Braxton – "Unbreak My Heart" • Eva Cassidy – "Songbird" • Coldplay – "Fix You" • U2 – "With or Without You" • The Beatles – "The Long and Winding Road" • Al Green – "How Can You Mend a Broken Heart?" • Sam Smith – "Stay with Me" • Amy Winehouse – "Back to Black" Każdy z tych utworów łączy jedno – szczerość przekazu i intensywność emocji, które trwale zapadają w pamięć słuchaczy. Sprawdź też: Warszawa była świadkiem muzycznego cudu! Wystąpili z tym numerem drugi raz od 32 lat "Everybody Hurts”. Utwór w służbie wsparcia – Bill Berry i tekst piosenki "Everybody Hurts” to nie tylko muzyka – to list do tych, którzy znaleźli się na krawędzi. Bill Berry, perkusista zespołu R.E.M., odegrał kluczową rolę w powstaniu utworu. Jest autorem części tekstu piosenki. W balladzie lat 90. kryje się cicha nadzieja dla zagubionych i złamanych. Utwór grupy to apel do tych, którzy czują, że nie mają już siły walczyć, znajdują się w kryzysie emocjonalnym i mają myśli o odebraniu sobie życia. Prostota przekazu, nieoceniająca narracja i zapewnienie, że „wszyscy cierpią” miały działać terapeutycznie. Dopełnieniem przekazu stał się ikoniczny teledysk wyreżyserowany przez Jake’a Scotta – syna legendarnego Ridleya Scotta – który z chirurgiczną precyzją uchwycił emocje, o jakich trudno mówić, ale które trzeba usłyszeć. Wideo ukazuje ludzi stojących w korku, których myśli są przedstawione w formie napisów. Obraz ten wzmaga poczucie izolacji i wewnętrznego cierpienia bohaterów. Teledysk, sprzedaż i pomoc dla Haiti W 2010 roku, po tragicznym trzęsieniu ziemi na Haiti, utwór „Everybody Hurts” został ponownie wydany jako singiel charytatywny. Całkowity dochód ze sprzedaży przeznaczono na pomoc ofiarom kataklizmu. Inicjatorem akcji był ówczesny premier Wielkiej Brytanii Gordon Brown. Singiel sprzedał się w liczbie ok. 205 000 egzemplarzy w ciągu pierwszych dwóch dni oraz osiągnął 453 000 sprzedanych kopii w ciągu tygodnia w Wielkiej Brytanii. Źródło: Radio ZET, Wikipedia, chillizet.pl View oEmbed on the source website
W trakcie tej piosenki wszyscy płaczą. Hit z lat 60. rozdziera serca od pokoleń. Ta piosenka to modlitwa, której nie umiemy wypowiedzieć na głos
Są piosenki, które nie przemijają nigdy. Jedna z nich od lat porusza serca słuchaczy, wzrusza do łez i staje się głosem naszych najgłębszych uczuć. Poznaj utwór, który stał się emocjonalnym symbolem relacji matki z dzieckiem.
„List do matki” Violetty Villas – absolutnie wyjątkowa kompozycja, która od dziesięcioleci towarzyszy Polakom w najbardziej wzruszających momentach. To nie tylko piosenka. To wyznanie. List. Modlitwa. „List do matki” Violetty Villas. Podczas tej piosenki wszyscy płaczą. Utwór z lat 60. w wykonaniu polskiej divy wyraża więcej niż tysiąc słów Utwór znany również jako „Do Ciebie, Mamo” to najpiękniejszy muzyczny hołd, jaki można złożyć matce. Powstał w latach 60. XX wieku specjalnie dla Violetty Villas – wybitnej artystki o niezwykłej wrażliwości. Muzykę skomponował Adam Skorupka, a słowa – pełne tęsknoty i dziecięcej miłości – napisali Stanisław Werner i Mirosław Łebkowski. Nie sposób powstrzymać łez, gdy słyszy się te słowa: Mamo, smutno tu i obco drzewa inne rosną i ciszy nikt nie zna tu… CZYTAJ TEŻ: Ten wielki włoski hit lat 80. zna każdy Polak. Mało brakowało, a śpiewałby go ktoś zupełnie inny Gdy Villas śpiewała, ludzie płakali – magia scenicznych emocji Ta melodia porusza do głębi. W 1966 roku trafiła na drugą płytę Villas zatytułowaną po prostu „Violetta Villas”. Potem pojawiła się także na albumie „Na pocieszenie serca i uniesienie ducha” z 2008 roku oraz na składance „Do Ciebie Mamo” z 2003 roku. Podczas koncertów artystka wykonywała „List do matki” z tak ogromnym zaangażowaniem emocjonalnym, że publiczność zalewała się łzami – razem z nią. Sama Villas mówiła o tym otwarcie: „Kiedy śpiewam, zapominam o całym świecie, jestem tylko z moimi uczuciami”. Wzruszający fragment do dziś wybrzmiewa z równą siłą, zmuszając do zatrzymania się i refleksji: „Widzę znów nasz dom ciebie mamo w nim wspominam stary klon ciemny i wysoki jak dym Mamo wołam twoje imię znowu jesteś przy mnie jak za dawnych lat [...]”. CZYTAJ RÓWNIEŻ: Ten hit PRLu powstał przez zakład dwóch wielkich twórców. Mało kto wie, że był owocem silnego uporu Prawdziwa historia powstania piosenki „List do matki” Kompozytor Adam Skorupka tak wspomina powstanie utworu: „To była moja pierwsza i jedyna piosenka skomponowana dla Violetty Villas. […] Violettcie piosenka od razu się spodobała i poprosiła, tylko abym dopisał wokalizę. Naturalnie zrobiłem to chętnie, bo pasowała ona i do piosenki, i do Violetty. Całość zaaranżował Leszek Bogdanowicz, podkład nagrała Radiowa Orkiestra pod dyrekcją Stefana Rachonia", mówił kompozytor. Całość została zaaranżowana przez Leszka Bogdanowicza, a podkład nagrała Radiowa Orkiestra pod dyrekcją Stefana Rachonia. Choć wersje tego utworu się różnią, emocje – niezmiennie – pozostają te same. Warto dodać, że to właśnie ten utwór znalazł się w prestiżowym zestawieniu „66 niezapomnianych piosenek”. Bo tego utworu nie da się zapomnieć. CZYTAJ TEŻ: Zagrał ostatni koncert na siedząco, tak pożegnał się z fanami. Córka nie kryje łez. Złożyła mu wyjątkowy hołd View oEmbed on the source website
Kultowy przebój Bajmu z lat 80. ma drugie dno. Nikt nie wiedział, o czym jest naprawdę
Piosenka "Nie ma wody na pustyni" zespołu Bajm to nie tylko hit lat 80., ale także utwór z głębokim, ukrytym przekazem. Beata Kozidrak zdradza, że tekst piosenki symbolizował brak wolności w czasach PRL-u. Poznaj historię powstania tego kultowego utworu i dowiedz się, jak powstawał teledysk w mroźnych warunkach.
"Nie ma wody na pustyni" to nie tylko muzyczny hit lat 80., ale także wyraz buntu wobec rzeczywistości PRL-u. Beata Kozidrak ujawnia, że pod pozornie prostym tekstem kryje się głęboka metafora braku wolności. Zobacz, jak powstał utwór, który do dziś budzi emocje i skrywa zaskakujące kulisy. Bajm – początki zespołu i debiutancki album Zespół Bajm powstał w 1978 roku w Lublinie. Jego wokalistką została Beata Kozidrak, która od samego początku przyciągała uwagę swoim charakterystycznym głosem i sceniczną charyzmą. W 1983 roku grupa wydała swój debiutancki album zatytułowany po prostu "Bajm". Jednym z najbardziej rozpoznawalnych utworów z tej płyty okazała się piosenka "Nie ma wody na pustyni". ZOBACZ TEŻ: Fani czekali miesiącami, legenda wraca na całego! Kozidrak znów na scenie. Znamy datę "Nie ma wody na pustyni" – analiza tekstu i ukryty przekaz Utwór "Nie ma wody na pustyni" błyskawicznie zyskał popularność i dotarł do drugiego miejsca Listy Przebojów Trójki. Jednak jak się później okazało, piosenka kryła w sobie znacznie więcej niż tylko wpadający w ucho refren. Beata Kozidrak przyznała, że tekst tej piosenki zawierał metaforyczny przekaz dotyczący braku wolności i represyjnej rzeczywistości PRL-u. W czasach, gdy otwarta krytyka władzy mogła mieć poważne konsekwencje, artyści często uciekali się do symboliki i alegorii – i dokładnie tak było w przypadku tego utworu. Kulisy powstania teledysku – zdjęcia na Pustyni Błędowskiej Teledysk do piosenki "Nie ma wody na pustyni" powstawał w dwóch lokalizacjach. Początkowo zdjęcia kręcono na nadwiślańskich wydmach w Warszawie. Później, na zlecenie Ministerstwa Spraw Zagranicznych, które zamierzało promować Polskę za granicą, realizowano nową wersję teledysku na Pustyni Błędowskiej. Co ciekawe, zdjęcia odbywały się zimą – członkowie zespołu musieli więc udawać, że cierpią z powodu gorąca, mimo że w rzeczywistości panował siarczysty mróz. To jeszcze jeden przykład na to, jak artyści musieli radzić sobie z trudnościami tamtej epoki. CZYTAJ TEŻ: Stworzyli hymn lat 90. Bez tego kultowego hitu żaden koncert się nie odbędzie Symbolika i metafory w twórczości Bajmu "Nie ma wody na pustyni" to jeden z wielu przykładów, w których Bajm wykorzystywał symbolikę i metafory, by przemycić ważne treści społeczne. W czasach PRL-u, kiedy swoboda wypowiedzi była ograniczona, muzyka stawała się formą oporu i ucieczki. Teksty piosenek często zawierały ukryte znaczenia, zrozumiałe dla słuchaczy, którzy żyli w tej samej rzeczywistości. Dzięki temu Bajm nie tylko zdobywał popularność, ale też zyskiwał uznanie jako zespół zaangażowany społecznie. Źródło: Złote Przeboje
Została sama z dziećmi, rozstanie wiele ją kosztowało. To do niego śpiewała z utęsknieniem w hicie z lat 80.
„Rozmowa przez ocean” to poruszający utwór Maryli Rodowicz, napisany przez Andrzeja Sikorowskiego w latach 80. Piosenka opowiada o tęsknocie i relacjach na odległość, ukazując emocje związane z emigracją i rozłąką.
To nie tylko piosenka. To muzyczny list pełen emocji, który porusza do głębi. „Rozmowa przez ocean” w wykonaniu Maryli Rodowicz to historia o uczuciach silniejszych niż odległość. Zobacz, jak jedno z najbardziej przejmujących dzieł lat 80. wciąż rezonuje z doświadczeniami tysięcy Polaków. Jak powstała „Rozmowa przez ocean”? Lata 80. były dla Polski czasem niepokoju, niepewności i wyjazdów. W tym właśnie okresie powstał jeden z najbardziej symbolicznych utworów o rozłące i tęsknocie – „Rozmowa przez ocean”. Tekst piosenki napisał Andrzej Sikorowski, znany z zespołu Pod Budą, który w mistrzowski sposób uchwycił emocje ludzi pozostawionych po dwóch stronach świata. Utwór trafił do repertuaru Maryli Rodowicz i szybko stał się jedną z najbardziej przejmujących kompozycji w jej karierze. ZOBACZ TEŻ: Feministyczny hit PRL-u? W latach 80. Rodowicz i Osiecka stworzyły hymn dla kobiet Tekst pełen niedopowiedzeń i wzruszeń Już od pierwszych wersów piosenka wprowadza słuchacza w intymny, niemal filmowy klimat: „Jest sobota, za oknem świt i Warszawa kaszle miarowo”. To nie tylko obraz miasta budzącego się do życia – to symbol emocjonalnego stanu bohaterki piosenki. Gdzieś daleko, po drugiej stronie oceanu, znajduje się adresat listu. Czy to ukochany? Przyjaciel? A może ktoś, kto na zawsze został za granicą? Choć wiele osób słucha tej piosenki jako wzruszającej historii dwojga kochanków, sam autor, Andrzej Sikorowski, podkreślał, że inspirowała go sytuacja Polaków zmuszonych do emigracji. Listy, rozmowy przez telefon, niewysłane wiadomości – to wszystko składa się na przejmujący obraz relacji, które muszą przetrwać próbę czasu i dystansu. CZYTAJ TEŻ: Polacy kochają ten hit, ale mógł nigdy nie wybrzmieć. Nie uwierzysz, co naprawdę kryło się za ryzykownym utworem lat 80. Maryla Rodowicz w lirycznym wydaniu Dla Maryli Rodowicz „Rozmowa przez ocean” była czymś więcej niż kolejną piosenką. To utwór, który idealnie oddaje jej zdolność do wyrażania emocji – nie tylko poprzez mocny głos, ale także subtelne, pełne melancholii frazy. Na płycie „Polska Madonna”, z której pochodzi utwór, artystka ukazała się z bardziej refleksyjnej strony – jako obserwatorka ludzkich losów, narratorka codziennych dramatów i nadziei. Choć minęło już kilka dekad od premiery, „Rozmowa przez ocean” nie traci na aktualności. W czasach, gdy migracje, rozłąki i rozmowy przez różne „oceany” wciąż są częścią życia wielu Polaków, tekst piosenki nadal porusza. Jej siła tkwi w prostocie słów i autentyczności emocji – nie ma tu patosu, są za to obrazy, które każdy może odnieść do własnych doświadczeń. Źródło: MarylaPress
To był wielki hit lat 90. Mało kto wie, że kryje się za nim mroczna historia. Tak powstał
W 1998 roku Kasia Kowalska wydała singiel "Co może przynieść nowy dzień", który stał się jednym z jej najbardziej rozpoznawalnych utworów. Piosenka promowała album "Pełna obaw" i została skomponowana wspólnie z Jarosławem Chilkiewiczem. Poznaj szczegóły powstania tej poruszającej kompozycji.
W 1998 roku Kasia Kowalska wydała piosenkę "Co może przynieść nowy dzień", która powstała jako hołd dla zamordowanego w 1997 roku maturzysty Tomka Jaworskiego. Utwór ten, pełen emocji i refleksji nad ludzkim okrucieństwem, stał się jednym z najbardziej poruszających w dorobku artystki. Geneza utworu "Co może przynieść nowy dzień" Piosenka "Co może przynieść nowy dzień" została wydana w 1998 roku jako pierwszy singiel promujący album "Pełna obaw" Kasi Kowalskiej. Utwór powstał jako hołd dla zamordowanego w 1997 roku maturzysty Tomka Jaworskiego. "Gdy dowiedziałam się, że na warszawskich Bielanach jakiś gang bez żadnego powodu złapał maturzystę, torturował go, a następnie zamordował, nie mogłam dojść do siebie. To było bestialstwo, którego nie byłam w stanie zrozumieć. Bardzo mną to wstrząsnęło. (...) Wiedziałam bowiem, co mogą czuć rodzice dziecka, któremu ktoś wyrządził tak wielką krzywdę. Dopóki nie zostałam mamą, nie byłam w stanie sobie tego wyobrazić. Macierzyństwo mnie uwrażliwiło" - zdradziła Kasia Kowalska, cytowana przez Złote Przeboje. ZOBACZ TEŻ: Skończył 17 lat, jest wierną kopią sławnej mamy. Tak dziś wygląda syn ikony lat 90. Już ją przerósł W 1997 roku doszło do tragicznego wydarzenia – maturzysta Tomek Jaworski został brutalnie zamordowany. Jego śmierć wstrząsnęła opinią publiczną i stała się symbolem bezsensownej przemocy. Kasia Kowalska, poruszona tą tragedią, postanowiła upamiętnić Tomka poprzez muzykę. View oEmbed on the source website Emocjonalny przekaz piosenki Tekst piosenki, napisany przez Kasię Kowalską, pełen jest refleksji nad ludzkim okrucieństwem i brakiem współczucia. W utworze artystka zadaje pytania o sens życia i śmierci, wyrażając ból i niezrozumienie wobec przemocy. Muzyka, skomponowana wspólnie z Jarosławem Chilkiewiczem, podkreśla melancholijny nastrój piosenki. CZYTAJ TEŻ: Ten hit lat 90. rzucił Sopot na kolana. Mało kto wie, że poruszająca ballada powstała we śnie "Co może przynieść nowy dzień" szybko zdobyło uznanie zarówno wśród fanów, jak i krytyków. Piosenka ukazuje artystkę jako wrażliwą obserwatorkę rzeczywistości, zdolną do wyrażania głębokich emocji poprzez muzykę. Źródło Złote Przeboje, Wikipedia, Stohitow
Śpiewał przebój, którego bały się rozgłośnie. Ten hit lat 90. to prawdziwy klasyk!
Choć początkowo ignorowany przez stacje radiowe singiel „Ona jest ze snu” z 1998 roku z czasem zdobył ogromną popularność. Artur Gadowski, wokalista IRA, pokazał, że determinacja i mocne, rockowe brzmienie mogą przełamać każdą barierę. Poznaj historię jednej z najważniejszych piosenek jego kariery.
Singiel „Ona jest ze snu” z 1998 roku miał trudny start. Początkowo utwór był ignorowany przez rozgłośnie. Mimo to, dzięki autentycznym emocjom i charakterystycznemu brzmieniu, stał się jednym z największych przebojów Artura Gadowskiego i nieodłącznym elementem koncertów IRA. Poznaj jego historię. Geneza utworu „Ona jest ze snu” Artur Gadowski rozpoczął swoją muzyczną karierę jako wokalista zespołu IRA, z którym odnosił pierwsze sukcesy sceniczne i z którym współpracuje do dziś. W latach 90. grupa przechodziła jednak trudniejszy okres – spadek popularności i brak oczekiwanych osiągnięć doprowadziły do zawieszenia działalności w 1995 roku. To właśnie wtedy Gadowski postanowił skupić się na solowej twórczości. „Przez dziewięć miesięcy nie udało nam się zagrać ani jednego koncertu. Poczuliśmy się niechciani i nikomu niepotrzebni. Zaczęły się między nami niesnaski, czego konsekwencją było zawieszenie działalności”, opowiadał w Przekroju. Był to drugi singiel promujący solowy album Artura Gadowskiego, wokalisty zespołu IRA. Premiera singla miała miejsce w maju 1998 roku, a wydawcą płyty była wytwórnia Zic Zac. Autorem tekstu i muzyki do utworu jest Marek Kościkiewicz. Dzięki jego wsparciu kompozycja zyskała swój ostateczny kształt. To także on odpowiada za dwa kolejne single Gadowskiego: „Naucz się rozmawiać” i „Szczęśliwego Nowego Jorku”. Czytaj też: Weszła cała na złoto i zrobiła show! Eurowizyjny hit Steczkowskiej w nowej odsłonie. To prawdziwe arcydzieło "Ona jest ze snu": Problemy z akceptacją rozgłośnie Tekst piosenki przedstawia historię szczęśliwej pary – opowieść snuta z perspektywy mężczyzny, który z nostalgią wraca myślami do chwili ich pierwszego spotkania. Wspomnienie to pełne jest emocji i ciepła, podkreślając siłę uczucia łączącego zakochanych. Poza tym, „Ona jest ze snu” stylistycznie nawiązuje do charakterystycznego brzmienia zespołu IRA – dominuje w nim wyrazista, rockowa energia. To właśnie ten mocny styl sprawił, że wiele stacji radiowych początkowo odmówiło jego emisji. Powszechnym uzasadnieniem był argument, że utwór jest „zbyt rockowy” jak na standardy obowiązujące w tamtym czasie. Z tego powodu wiele stacji nie zdecydowało się na jego nadawanie, co mogło przekreślić szansę na sukces. Mimo to, podobnie jak „Szczęśliwego Nowego Jorku”, piosenka stała się jednym z największych przebojów Artura Gadowskiego, zdobywając uznanie słuchaczy i wysokie miejsca na krajowych listach przebojów. W maju 1998 roku wytwórnia oficjalnie wypuściła singiel z utworem „Ona jest ze snu”, ku radości fanów czekających na solowe brzmienie Gadowskiego. Na krążku znalazły się dwie wersje piosenki – pełna, studyjna oraz specjalna, skrócona edycja, w której pominięto charakterystyczne gitarowe intro, nadające oryginałowi mocniejszy ton. Sprawdź też: Ten hit lat 90. napisano na kolanie. Teraz zna go cała Polska Nagranie i teledysk w Chicago Mimo trudności produkcyjnych, Artur Gadowski zdecydował się kontynuować pracę nad utworem. W maju 1998 roku, przy okazji koncertu zespołu IRA w Chicago, został zrealizowany teledysk do „Ona jest ze snu”. Nagrania klipu w Stanach Zjednoczonych nadały całości dodatkowego prestiżu. Całość powstała z inicjatywy Jerzego Grabowskiego – menedżera Artura Gadowskiego, który pełnił rolę scenarzysty, reżysera i producenta klipu. Od chwili ponownego powrotu zespołu na scenę, utwór „Ona jest ze snu” na stałe zagościł w koncertowym repertuarze IRA, stając się jednym z nieodłącznych punktów ich występów. Przemiana w przebój i obecność na koncertach IRA Z biegiem czasu sytuacja zmieniła się diametralnie. Choć „Ona jest ze snu” początkowo nie miała łatwej drogi, utwór stopniowo zdobywał popularność. Przebój zaczął być regularnie emitowany przez stacje radiowe, a jego obecność na koncertach zespołu IRA tylko wzmacniała jego pozycję. Singiel stał się jednym z największych hitów w karierze solowej Artura Gadowskiego. Pomimo trudnego startu, piosenka zyskała trwałe miejsce w repertuarze artysty i w świadomości słuchaczy Czytaj też: Największy wakacyjny hit PRL-u. Nie uwierzysz, kto miał go śpiewać. To prawdziwa dama polskiej sceny View oEmbed on the source website
Największy wakacyjny hit PRL-u. Nie uwierzysz, kto miał go śpiewać. To prawdziwa dama polskiej sceny
Wakacje, muzyka i PRL. I hit, który nucą kolejne pokolenia. „Chałupy welcome to” to piosenka ponadczasowa, zachwycająca swoją finezją i polotem. Zabawny tekst, odwołujący się polskich realiów, uwiódł słuchaczy. I trudno się temu dziwić. Poznaj zaskakującą historię piosenki Zbigniewa Wodeckiego.
„Jak co roku w Chałupach, gdy zaczyna się upał, słychać wielki szum….” Kto z nas nie zna tego przeboju, potrafimy go zaśpiewać obudzeni o północy. To jedna z najbardziej udanych polskich piosenek. W pruderyjnym PRL-u piosenka o nagości i plaży golasów była czymś nowym, niemal kontrowersyjnym. Nagość była tematem tabu. Jej historia jest zaskakująca i wcale nie miał jej śpiewać Zbigniew Wodecki. A kto? Poznaj tę niezwykłą historię. Chałupy Welcome to - to miał być żart na smutne czasy Piosenka powstała w 1985 roku na zamówienie Polskiego Radia jako przebój na wakacje. Została napisana jako muzyczny żart, żeby trochę rozbawić ludzi w smutnych i szarych latach 80. Muzykę skomponował Ryszard Poznakowski, który miała niesamowitą rękę do przebojów. Napisał takie piosenki, jak „Mały książę”, „Znamy się tylko z widzenia”, „Trzynastego”. Tak opowiadał o powstaniu Chałup: „Ponieważ czasy były <przaśne>, wpadłem na pomysł, żeby napisać utwór, który będzie w kontrze do otaczającej nas, niewesołej rzeczywistości. Zespoły rockowe kontestowały, Olewicz pisał ponure teksty, Mogielnicki wieścił „Mniej niż zero”, a ja pomyślałem sobie, że przydałby się „Bahama Mama luz i jesteśmy w Acapulco”. Czytaj także: Mógł być to hit Wodeckiego. Gąssowski przejął go przypadkiem i zrobił z niego legendę PRL-u View oEmbed on the source website Autorka tekstu spojrzała, jakby to jej kazał się rozbierać Słowa napisała mniej znana poetka i autorka tekstów Grażyna Orlińska. Jak wspominał Poznakowski, dopiero się wtedy poznali. Pokazała mu swoje wiersze, ale on nie był zachwycony. Zauważył jednak, że ma ważne wyczucie. W piosence, jak opowiadał, „każdy wers musi być zamkniętą całością, musi zawierać zamknięty ładunek emocjonalny. A ona umiała tak pisać. „Powiedziałem jej wprost: <Napisze pani utwór o plaży nudystów w Chałupach, proszę pani>”. Ona spojrzała na niego, jakby to jej kazał się rozebrać, ale na drugi dzień zadzwoniła, że wymyśliła tytuł: „Chałupy, Welcome to”. – „Ale to jest niegramatyczne” - zaprotestował Poznakowski. „Nie szkodzi”, odparła już pewniejsza siebie Orlińska. Melodia, jak wiele innych, ułożyła się Poznakowskiemu podczas brydża. A zapisał ją o czwartej nad ranem. Czytaj także: Ten przebój to legenda PRL-u. Hit lat 70. narodził się przez przypadek. Rosiewicz nie mógł uwierzyć Przebój miała śpiewać wielka dama polskiej piosenki. Spłoniła się, gdy go posłuchała Ryszard Poznakowski zaniósł swój utwór Irenie Santor. To o niej myślał, kiedy pisał tę piosenkę. Ale pani Irena stwierdziła, że choć piosenka jest dobra, to jednak nie w jej stylu. I jak wspominał Ryszard Poznakowski, lekko się spłoniła. Wtedy Zbigniew Wodecki zaproponował: „ja to chętnie zaśpiewam”. Obaj panowie byli na tournée w Stanach Zjednoczonych, kiedy dowiedzieli się, że w Polsce ich piosenka stała się totalnym przebojem. Ludzie prosili Zbigniewa Wodeckiego, żeby ją śpiewał, nawet jeśli nie miał tego w planach. Chałupy były kiedyś wioską, w której „nikogo nie ma”. W latach 60 „runęła” tam warszawska śmietanka towarzyska, bywali Andrzej Łapicki, Tadeusz Konwicki, Gustaw Holoubek. Plażowali Kurylewiczowie, Trzaskowscy, Dejmek, Dygat i Kalina Jędrusik. Plaża nudystów powstała w latach 70. i zawsze była sensacją. Dla Chałup zaczęła się wtedy nowa epoka. W 1977 roku w miejscowości tej miał miejsce pierwszy zlot naturystów, podczas którego zorganizowano wybory Miss Natura. Do czego zresztą nawiązuje piosenka. „Znów się będą rozbierać/ Miss Natura wybierać / Przez wieś przebiegł dreszcz / W krzakach siedzą tekstylni / Gryzą palce bezsilni / Zaklinają deszcz”. I chociaż dzisiaj wioska na Półwyspie Helskim kojarzy się głównie ze sportami wodnymi, to przebój upamiętnił ją na zawsze jako nieformalną stolicę naturystów. Piosenka „Chałupy welcome to” stała się nie tylko symbolem lata, ale również kulturowym fenomenem. Miejscowość Chałupy zyskała na znaczeniu dzięki tej piosence, a jej plaże stały się popularnym miejscem wypoczynku. Po śmierci Wodeckiego w 2017 roku, w Chałupach powstały różne formy upamiętnienia artysty, takie jak mural oraz multimedialna ławka. Dzisiaj ta piosenka to klasyka i wspomnień czar. A jednocześnie cały czas można się przy niej świetnie bawić, szczególnie w wakacje. Czytaj także: „Tata zamierzał wyjść ze szpitala tydzień po operacji [...] Byłam z nim do końca”. Córka Wodeckiego o ostatnich chwilach ojca
Weszła cała na złoto i zrobiła show! Eurowizyjny hit Steczkowskiej w nowej odsłonie. To prawdziwe arcydzieło
Justyna Steczkowska zachwyciła publiczność zupełnie nową, orkiestrową wersją utworu „Gaja” podczas transmitowanego przez Polsat koncertu „Wrocław Przyszłości”. Monumentalne brzmienie, złota kreacja i głos artystki stworzyły niezapomniane widowisko. Sami zobaczcie!
25 czerwca 2025 roku we Wrocławiu odbył się koncert „Wrocław Przyszłości”, podczas którego Justyna Steczkowska zaprezentowała utwór „Gaja” w nowej aranżacji! Eurowizyjny hit zachwycił publiczność. Niezwykły koncert we Wrocławiu. Tutaj muzyka operowa spotkała się z popem 25 czerwca Wrocław zamienił się w muzyczną stolicę Polski! Telewizja Polsat transmitowała na żywo wyjątkowy koncert „Wrocław Przyszłości”, podczas którego na jednej scenie spotkały się największe gwiazdy polskiej muzyki popularnej i operowej. Publiczność mogła podziwiać występy Justyny Steczkowskiej, Kayah, Natalii Szroeder oraz Oskara Cymsa. Potężne, operowe brzmienia zapewnili Małgorzata Walewska i Rafał Bartmiński. Przez ten wieczór pełen emocji i wzruszeń prowadzili widzów Agnieszka Hyży i Tomasz Wolny. Koncert był częścią obchodów 80-lecia powrotu Wrocławia do Polski – wydarzenia o ogromnym znaczeniu historycznym i kulturalnym. „Koncert w sercu miasta upamiętni wyjątkowe chwile. Bo Wrocław, nazywany „miastem spotkań” – staje się przestrzenią refleksji nad naszą historią i przyszłością. Rok 2025 obfituje w ważne rocznice: 80-lecie zakończenia II wojny światowej, 60-lecie Listu Biskupów Polskich do Biskupów Niemieckich, 45-lecie powstania Solidarności oraz 35-lecie odtworzenia samorządu. Te wydarzenia przypominają nam, że pojednanie, odwaga i solidarność są fundamentami naszej wspólnoty. Wrocław, zbudowany na gruzach wojny przez ludzi różnych kultur i doświadczeń, jest dziś symbolem otwartości, dialogu i rozwoju. Patrząc w przyszłość – i o tym również jest ta muzyczna opowieść – chcemy budować miasto, które czerpie siłę z pamięci, ale nie zatrzymuje się na przeszłości. Osadzony na tym fundamencie Wrocław inwestuje dziś w edukację, kulturę i innowacje, tworząc przestrzeń dla wszystkich – bez względu na pochodzenie, przekonania czy tożsamość”, komentował Radosław Michalski, Dyrektor Departamentu Marki Miasta Wrocławia. Sprawdź też: Polsat zagrał va banque, ten występ to czyste złoto! Steczkowska w duecie, który zwalił wszystkich z nóg „Gaja” w nowej odsłonie – orkiestrowa aranżacja zachwyciła publiczność W środę wieczorem, Justyna Steczkowska pojawiła się na wrocławskiej scenie trzykrotnie. Zachwycała w duetach z Rafałem Bartmińskim i Małgorzatą Walewską. W końcu pojawiła się solo, by wykonać jeden ze swoich hitów. Utwór „Gaja”, z którym reprezentowała Polskę na Eurowizji 2025, zyskał zupełnie nowe brzmienie. Podczas koncertu „Wrocław Przyszłości” artystka zaprezentowała jego wyjątkową wersję w towarzystwie orkiestry - Tarkowski Orchestra oraz Akademickiego Chóru Politechniki Wrocławskiej. Publiczność była zachwycona monumentalnym wykonaniem, które podkreśliło zarówno wokalny kunszt Steczkowskiej, jak i emocjonalny przekaz utworu. Artystka zrezygnowała z efektownej oprawy znanej z występu na Eurowizji. Nie było powietrznych akrobacji ani tanecznego show, które wcześniej budowały atmosferę wokół utworu. „No i jest zloty kostium jak z okładki singla. Świetna aranżacja z chórem na żywo! A Justyna jak zwykle bezbłędna, wow”, „Wow, występ i aranżacja zaje*****. Justyna jest totalną artystką”, „Jeszcze tak przypilnowanego wykonania w każdym dźwięku nie słyszałem tej piosenki. Perfekcja, a aranżacja nieziemska”, „Moim zdaniem świetna aranżacja. No królowa”, „Kocham tę wersję!”, „Złoto!”, czytamy. Czytaj też: Po wyznaniu Dody głos zabrała Steczkowska. Jej słowa to nie przypadek – zna ten ból z domu View oEmbed on the source website Justyna Steczkowska na scenie Wrocławia – styl, głos i energia Justyna Steczkowska przyciągnęła uwagę nie tylko swoim występem, ale również stylizacją. W złotej sukni przypominającej kreacje światowych gwiazd, jak Beyoncé, prezentowała się zjawiskowo. Jej sceniczną obecność podkreślała pewność siebie, charyzma i niezmienna forma wokalna. Czytaj też: Fani czekali miesiącami, legenda wraca na całego! Kozidrak znów na scenie. Znamy datę
Ten przebój to legenda PRL-u. Hit lat 70. narodził się przez przypadek. Rosiewicz nie mógł uwierzyć
Letni przebój, który rozgrzewał parkiety i bawił pokolenia, powstał... w zaskakującej scenerii. „Czy czuje pani cha-chę” to efekt niezwykłej współpracy. Jak dokładnie narodził się ten hit lat 70.?
To brzmi jak żart losu: przebój, który kojarzy się z rozgrzanym parkietem i wakacyjną beztroską, narodził się w samym sercu zimy – dokładnie w 1977 roku. Co więcej, jego taneczna, latynoska melodia nie wyszła spod pióra południowego artysty. Utwór szybko stał się estradowym przebojem, łączącym południowoamerykańskie rytmy z polskim humorem. Co zdradzał sam Andrzej Rosiewicz? Andrzej Rosiewicz – artysta kompletny, prawdziwy showman. Na swoim koncie ma szereg hitów. Polacy do dziś nucą przeboje – Chłopcy radarowcy, Czterdzieści lat minęło czy Najwięcej witaminy. Nie można zapomnieć o jeszcze jednym legendarnym utworze. Mowa o piosence „Czy czuje pani cha-chę”. Jak powstała? To jedna z tych historii, które trudno wymyślić – przebój, pachnący latem i wakacyjną swobodą, powstał w najmniej oczywistym momencie. Ale zanim odkryjemy tę tajemnicę, należy wspomnieć o współpracy Andrzeja Rosiewicza z grupą Hagaw, która rozpoczęła się w 1970 roku. W przeciwieństwie do purystów jazzu, publiność była oczarowana świeżym stylem zespołu, w którym Andrzej Rosiewicz błyskawicznie wyrósł na centralną postać. Z czasem coraz śmielej zaznaczał swoją obecność – nie ograniczał się już do klasycznych standardów, lecz wnosił własne kompozycje. Na debiutanckim wspólnym albumie jego wpływ nie był jeszcze dominujący, a nad spójnością brzmienia czuwał czujny Grzegorz Brudko. „W cenie były oryginalne pomysły i dlatego tak się cieszyłem, że kiedy zaczynałem z nim współpracę i przyniosłem, stremowany, piosenkę „Samba wanna blues” to, pamiętam, poruszył tymi swoimi wąsiskami i zadowolony powiedział „tak, to jest piosenka”, relacjonował wokalista [cytat za bibliotekapiosenki.pl]. Czytaj też: Serial dzieciństwa wraca na ekrany! Całe pokolenie czekało na tę emisję W 1972 roku Rosiewicz zdobył nagrodę Komitetu ds. Radia i Telewizji na 10. Krajowym Festiwalu Piosenki Polskiej w Opolu za wykonanie „Samba wanna blues” – pierwszego owocu jego współpracy z Asocjacją Hagaw. Cztery lata później, podczas 14. edycji festiwalu, ponownie pojawił się na opolskiej scenie, tym razem uhonorowany jako estradowa osobowość roku. Popularność Rosiewicza rosła z każdym występem, a wraz z nią – jego rola w zespole Hagaw. Coraz wyraźniej zaznaczał swoją muzyczną wizję na scenie. Zafascynowany rytmami latino, zaczął tworzyć utwory właśnie w tym stylu, nadając występom zespołu zupełnie nowy, taneczny charakter. A taniec kochał od zawsze i posiadał umiejętność stepowania. Miał talent, energię i głowę pełną pomysłów – od charlestona po nowe, egzotyczne rytmy. Ale jak powstała piosenka „Czy czuje pani cza-czę”? „Czy czuje pani cza-czę” – tak powstał hit lat 70. Był rok 1977, zima, a Andrzeja Rosiewicza olśniło nie na plaży, a w Zakopanem. W niewielkim pokoju nad legendarnym Cocktail Barem na Krupówkach, gdzie śnieg zasypywał okna, artysta doznał nagłego przypływu weny. Jak sam później wspominał – to tam „dopadł go pomysł” Czytaj też: Skradła jego serce, nie widzi poza nią świata! Żona Andrzeja Rosiewicza to prawdziwa piękność Zakopiańska sceneria nie nasuwała skojarzeń z tropikami, ale to właśnie tam zrodziła się wizja piosenki osadzonej w południowoamerykańskich rytmach. Humorystyczny tekst, dynamiczny rytm cha-chy i niepowtarzalna atmosfera utworu powstały w miejscu otoczonym śniegiem i górami. Melodię do piosenki skomponował Staszek Gąsiennica-Brzega – najprawdziwszy Góral z Podhala. To on, choć na co dzień związany z muzyką góralską, stworzył taneczną, chwytliwą kompozycję osadzoną w klimacie latino. Przez tę nieoczekiwaną fuzję – góralskiego rodowodu i południowoamerykańskiego rytmu – utwór stał się nie tylko zabawnym żartem scenicznym, ale również hitem estrady. „Zimę 1977 r. spędzaliśmy w Zakopanem. Doszedł do zespołu Staszek Gąsiennica-Brzega i to on, chyba, zorganizował nam wyjazd. Pamiętam ten pokoik na Krupówkach, nad słynnym Cocktail Barem. Tam „dopadł” mnie pomysł na cza-czę. Zaniosłem tekst do chłopaków, a Staszek, nasz skrzypek, szybko dopisał muzykę i jeszcze tego samego dnia graliśmy to, chyba nawet na dansingu. Spodobało się od razu. I tak to podhalański góral skomponował południowoamerykańską melodię”, opowiadał na łamach Angory. Andrzej Rosiewicz stworzył do tej melodii lekki, dowcipny tekst, który szybko przypadł do gustu publiczności. Jej wykonanie nie tylko bawiło, ale także zaskakiwało muzyczną jakością. Tekst piosenki był nie tylko zabawny, ale i inteligentnie skonstruowany – zawierał elementy językowej gry i satyry. Dzięki tej piosence Andrzej Rosiewicz nie tylko utrwalił swoją pozycję na scenie muzycznej lat 70., ale także stworzył przebój, który mimo upływu lat, nadal potrafi wywołać uśmiech i poruszyć do tańca. Źródło:radiopik, bibliotekapiosenki, zloteprzeboje Sprawdź też: Stworzyli hymn lat 90. Bez tego kultowego hitu żaden koncert się nie odbędzie View oEmbed on the source website
Ten hit lat 90. napisano na kolanie. Teraz zna go cała Polska
Piosenka „Szczęśliwego Nowego Jorku” stała się jednym z największych hitów lat 90. Niewielu jednak wie, że utwór powstał w błyskawicznym tempie, a finalną wersję Artur Gadowski usłyszał dopiero w radiu. Poznaj fascynującą historię powstania tego przeboju.
Artur Gadowski, lider zespołu Ira, nigdy nie przypuszczał, że jedna niespodziewana propozycja odmieni jego muzyczne życie. Piosenka, którą usłyszał po raz pierwszy... w radiu, stała się jednym z największych hitów lat 90. Poznaj historię powstania „Szczęśliwego Nowego Jorku” – utworu, który narodził się w szalonym tempie i zyskał status kultowego. Jeden telefon, który zmienił wszystko Był rok 1997. Artur Gadowski odebrał telefon od Marka Kościkiewicza – legendarnego muzyka i współzałożyciela zespołu De Mono. Padła propozycja: „Potrzebujemy utworu do filmu Janusza Zaorskiego. Śpiewasz?”. Gadowski nie wahał się ani chwili. Tak rozpoczęła się przygoda z piosenką, która miała na zawsze zapisać się w historii polskiej muzyki. Nagranie odbyło się w CSS Studio na warszawskim Bemowie. Artur pojawił się tam z przygotowanym tylko fragmentem tekstu – zwrotką i refrenem. Gdy zaczął śpiewać, Marek Kościkiewicz dopisywał kolejne wersy... na miejscu, w czasie rzeczywistym. Atmosfera była napięta, ale twórcza. Gadowski musiał zaśpiewać bez gotowej aranżacji gitarowej – wszystko wyobrażał sobie w głowie. Wokal był surowy, czysty, szczery. ZOBACZ TEŻ: Nie zgadniesz, dla kogo powstał hit lat 2000. Jacek Cygan pisał „Dumkę na dwa serca” z myślą o zupełnie innej parze Tworzenie piosenki na kolanie? Dosłownie! To, co działo się w studiu, można nazwać muzycznym szaleństwem. Tekst powstawał „na kolanie”, dosłownie w trakcie nagrania. Gadowski nie wiedział, jak skończy się piosenka, nie znał też jej finalnego brzmienia. Śpiewał, ufając, że efekt będzie spójny i poruszający. I był. Choć wszystko działo się w zawrotnym tempie, emocje w utworze są prawdziwe – może właśnie dlatego piosenka poruszyła tak wielu słuchaczy. Gdy finalna wersja „Szczęśliwego Nowego Jorku” trafiła do rozgłośni radiowych, Artur Gadowski... usłyszał ją po raz pierwszy właśnie w radiu. To był dla niego szok – dopiero wtedy poznał pełną wersję swojego nagrania, z dodaną warstwą instrumentalną i końcowym miksem. Reakcje? Entuzjastyczne. Słuchacze pokochali utwór, a on sam błyskawicznie wspiął się na szczyty list przebojów. CZYTAJ TEŻ: Ten hit lat 70. uratował Zbigniew Hołdys. Nie może się bez niego obyć żadne wesele Piosenka, która otworzyła nowy rozdział „Szczęśliwego Nowego Jorku” nie tylko promowało film, ale też zapoczątkowało solową drogę Artura Gadowskiego. Chociaż od lat był głosem zespołu Ira, ten utwór pokazał go w zupełnie nowym świetle. Artystyczna odwaga, ekspresowa praca, emocjonalny przekaz – to wszystko złożyło się na sukces, który trwa do dziś. Źródło: Złote Przeboje
Nie zgadniesz, dla kogo powstał hit lat 2000. Jacek Cygan pisał „Dumkę na dwa serca” z myślą o zupełnie innej parze
Piosenka, która wzruszyła całą Polskę i zdobyła miano hitu dekady, mogła brzmieć zupełnie inaczej. „Dumka na dwa serca” pierwotnie była solowym utworem, który miał wykonać ktoś zupełnie inny. Kulisy jej powstania są pełne niespodzianek, wzruszeń i napięcia godnego scenariusza filmowego.
Nie każda piosenka powstaje z myślą o tym, by stać się legendą. „Dumka na dwa serca”, utwór, który poruszył serca milionów Polaków i zapisał się w historii rodzimej kinematografii, początkowo miał całkiem inne przeznaczenie. Jej tekst nie był pisany dla duetu, tytuł brzmiał zupełnie inaczej, a pierwszą wykonawczynią miała być osoba znana z zupełnie innej działalności. Historia tego hitu to pasjonująca opowieść o niespodziewanych zwrotach akcji, napięciu i magii, która rodzi się, gdy sztuka spotyka emocje. Jak powstała „Dumka na dwa serca” – letnia sesja i inspiracje Lato 1998 roku. Jacek Cygan spotyka się z Krzesimirem Dębskim, który prezentuje mu kilka melodii inspirowanych ukraińskim folklorem. Jedna z nich zostaje wybrana jako główny motyw muzyczny filmu Ogniem i mieczem. Powstaje tekst – pierwotnie zatytułowany „Pieśń Heleny” – który miał być solową piosenką oddającą emocje Heleny Kurcewiczówny, uwięzionej przez Bohuna. Pierwsza wykonawczyni miała być zupełnie inna Wstępne plany zakładały, że piosenkę zaśpiewa Izabella Scorupco – odtwórczyni głównej roli w filmie Jerzego Hoffmana. Sprowadzono ze Szwecji jej singiel, by sprawdzić możliwości wokalne. Scorupco odmówiła jednak udziału, uznając, że nie sprosta wymaganiom. Wtedy zapadła decyzja o przekształceniu utworu w duet dla Edyty Górniak i Mieczysława Szcześniaka. Cygan musiał przerobić tekst, który przyjął roboczy tytuł „Pieśń Heleny i Jana”. Zobacz też: Rzucili publiczność na kolana, nie mieli sobie równych. Później Górniak ze łzami w oczach raz na zawsze pożegnała się z Opolem Nagranie w cieniu presji i zimowej zawieruchy Jesienna sesja nagraniowa w warszawskim studiu S-4 była pełna napięcia. Kompozytor Dębski nie mógł wziąć w niej udziału. Edyta i Mietek ostatecznie nagrywali swoje partie osobno, ponieważ wspólne wykonania nie sprostały oczekiwaniom. "Kiedy są nagrywani razem, przestaje to brzmieć, jakby mieli za dużo energii, która rozsadza mikrofony" — wspominał Jacek Cygan w wywiadzie dla Onetu. Producent Rafał Paczkowski pracował niemal bez wytchnienia, aranżując całość i tworząc unikalny klimat utworu. Pomysł zakończenia piosenki a capella był ostatnim dodatkiem, który zadecydował o jej wyjątkowości. Emocjonalny finał – wzruszenia, łzy i nagrody Decydujące przesłuchanie odbyło się w obecności Jerzego Hoffmana. Po wysłuchaniu nagrania reżyser miał łzy w oczach i ze wzruszeniem powiedział: „Jacku, to jest przepiękne”. Dał twórcom błogosławieństwo i pozwolił na wykorzystanie materiałów filmowych. Piosenka zyskała tytuł „Dumka na dwa serca” – inspirowany literackimi dumkami Słowackiego i Goszczyńskiego. W 2007 roku utwór zdobył tytuł najlepszej piosenki filmowej 50-lecia w plebiscycie magazynu Film. Edyta Górniak i Mietek Szcześniak odebrali Złote Kaczki, wspominając nazwiska twórców. CZYTAJ RÓWNIEŻ: Wielka nieobecna w Opolu. To dlatego Rodowicz nie pojawiła się na festiwalu. Ujawniła gorzką prawdę „Dumka” jako hymn pokoleń – od harcerzy po restauracje we Lwowie Historia piosenki to nie tylko jej powstanie, ale też oddziaływanie. Od polskich harcerzy śpiewających ją na obozach na Litwie, po wokalistki w lwowskich restauracjach – „Dumka na dwa serca” na stałe zapisała się w emocjach słuchaczy. Stała się hymnem miłości i nostalgii. W swojej książce Jacek Cygan wspomniał na koniec rozdziału anegdotę, która tylko potwierdza ogromną popularność i zamieszanie, jakie wywołała piosenka artysty na rynku muzycznym. "Na wiosnę 1999 roku na kanwie popularności Dumki na dwa serca zaczęły wychodzić pirackie płyty i kasety, na których często pojawiała się ta piosenka. I oto ktoś przyniósł mi okładkę jednej z takich płyt. Moje zdumione oczy zobaczyły tytuł: Dunka dwa serca ma- E. Górniak i M. Szcześniak! Dunka, nie dumka! Tłumaczę to sobie tym, że ktoś, kto nie znał określenia „ dumka”, myślał, że w to słowo wkradł się błąd literowy. Poprawił je zatem na Dunka- obywatelka Danii. A skoro miał już Dunkę to nie bardzo mu pasowało to dalsze „ na dwa serca.” Słusznie zatem zrobił uprzejmość autorowi i poprawił szyk oraz znaczenie zdania. I jak ja się teraz odwdzięczę". Źródła: Jacek Cygan, „Życie jest piosenką”, Kraków 2014, s. 295–299, zloteprzeboje.pl
Ten hit lat 70. uratował Zbigniew Hołdys. Nie może się bez niego obyć żadne wesele
Piosenka „Windą do nieba” – historia i tajemnice wielkiego przeboju PRL-u. Hit „2 plus 1” do dziś nucą kolejne pokolenia. Ale mało kto wie, że bez Zbigniewa Hołdys by go nie było... A przynajmniej nie w takim brzmieniu. Dlaczego? Poznaj tę niezwykłą historię.
Piosenka „Windą do nieba” to jeden z największych przebojów zespołu „2 plus 1”. Przez dekady była wybierana jako pierwszy utwór, do którego para młodych tańczyła swój inauguracyjny taniec na weselu, choć - paradoksalnie - jest to smutna piosenka o pożegnaniu i niespełnionej miłości. Głosem tej ballady stała się wokalistka kultowej formacji PRLu – Elżbieta Dmoch, ale w jego powstaniu ważną rolę odegrała także inna polska gwiazda – Zbigniew Hołdys. To on sprawił, że w tej balladzie „wszystko się skleiło” i piosenka zaczęła robić wrażenie na słuchaczach. Hit „Windą do nieba” był o dziewczynach, które wychodziły za mąż z rozsądku Piosenka powstała w 1978 roku. W tym samym roku zespół „2 plus 1” zaprezentował go wraz z utworem „Ding-dong” na festiwalu w Sopocie i zdobył pierwsze miejsce. W 2007 roku trafił na 55. miejsce w zestawieniu Top Wszech Czasów Radia Złote Przeboje. Stał się także przebojem wszech czasów polskich wesel. Tekst piosenki napisał autor wielu hitów, Marek Dutkiewicz. Jak opowiadał, nie była to historia jednej dziewczyny, choć takie krążyły legendy. Dutkiewicz wspominał, że na weselach, na których bywał, widział często panny młode, które nie wyglądały na szczęśliwe. I choć mogłyby wyznać, jak bohaterka piosenki: „mój piękny panie, ja go nie kocham, taka jest prawda. Pan główną rolę gra w każdym śnie”, to mogłyby też dodać: „Ale dziewczyna przez świat może iść całkiem sama. Życie jest życiem, pan przecież wie”. Słowa „Windą do nieba” świetnie oddawały sytuację wielu dziewczyn z PRL-u i pewnie nie tylko, które wychodziły za mąż nie z miłości, a z rozsądku, dlatego, że tak wypadało. Chciały mieć dla spokoju „złoty krążek na ręku”. Marek Dutkiewicz pracował nad piosenka razem z kompozytorem i liderem „2 plus 1” Januszem Krukiem. Żeby lepiej im poszło, zasiedli przy barze. Spędzili nad utworem noc. Czytaj także: Była gwiazdą lat 70., dziś żyje w cieniu. Nowe wieści o ikonie 2 plus 1 łamią serce. Dmoch uroniła wiele łez Zbigniew Hołdys wkracza do akcji, miał wyczucie do „piosenek. które zostaną” W tym miejscu do historii przeboju wkracza Zbigniew Hołdys. Choć nie był autorem ani kompozytorem „Windy do nieba”, to odegrał istotną rolę w jej popularyzacji i ostatecznym kształcie. Hołdys, będący już wówczas jedną z wpływowych postaci warszawskiego środowiska muzycznego, miał znakomite wyczucie do „piosenek, które zostaną”. Jak wspominał Marek Dutkiewicz, były spore problemy przy aranżacji tego utworu, ale w studio nagraniowym to Hołdys dzięki swojej gitarze związał i skleił ten utwór. Również Zbigniew Hołdys miał zasugerować bardziej kameralne, nostalgiczne wykonanie – bliskie balladowemu stylowi – co uczyniło utwór jeszcze bardziej przejmującym. Delikatna, romantyczna melodia Janusza Kruka zestawiona z miłosnym epitafium robiła wrażenie. Trudno się dziwić, że „Windą do nieba” uchodzi za jedna z najbardziej wzruszających polskich piosenek. Czytaj także: „Windą do nieba” bez Elżbiety Dmoch. Kayah śpiewa dla niej jak córka dla matki <img src="https://images.immediate.co.uk/production/volatile/sites/48/2025/06/forum-0510736571-325fc7a.jpg" width="4970" height="4970" alt="Zbigniew Hołdys, czwarta edycja Rockowiska, Hala Sportowa Miejskiego Ośrodka Sportu i Rekreacji, Festiwal Muzyki Rockowej Rockowisko 83, Łódź, 03.12.1983 rok" title="Zbigniew Hołdys, czwarta edycja Rockowiska, Hala Sportowa Miejskiego Ośrodka Sportu i Rekreacji, Festiwal Muzyki Rockowej Rockowisko 83, Łódź, 03.12.1983 rok" /> Nieoczywista kariera przeboju Melancholijna piosenka o ślubie i weselu to było coś nowego i nieoczywistego. Jej bohaterka nie opowiada o miłości do poślubionego właśnie męża, ale żegna się z niespełnioną, wymarzoną miłością. Pewnie ze swoim idolem z młodzieńczych fantazji. Co ciekawe, utwór miał niewiele innych wykonań. Zaśpiewał ją w 1999 roku zespół Venus, a w 2005 Mandaryna. Jej występ w Sopocie był niezłym show, ale muzycznie był raczej do zapomnienia. Tak czy inaczej żadne wykonanie, nawet Kayah na niedawnym koncercie piosenek „2 plus 1”, nie przebiło oryginału Elżbiety Dmoch. To ona zrobiła z „Windą do nieba” coś więcej niż piosenkę, uczyniła z niej miłosną opowieść... Czytaj także: Elżbieta Dmoch nie była matką jego dzieci. Kim są prawdziwi spadkobiercy Janusza Kruka? View oEmbed on the source website
Jej piosenkę „Złoty Pierścionek” śpiewała cała Polska. W wieku 92 lat zmarła Rena Rolska
O jej śmierci poinformował Związek Artystów Scen Polskich
27 sierpnia 2024 r. media obiegła smutna wieść o śmierci gwiazdy PRL-u, Reny Rolskiej. Piosenkarka miała 92 lata. Zmarła piosenkarka Rena Rolska Smutną informację o śmierci Reginy Rollinger-Jonkajtys, znanej szerszej publiczności jako Rena Rolska, Informację o jej śmierci potwierdził Krzysztof Szuster, prezes Związku Artystów Scen Polskich. Jak potwierdził „Fakt”, artystka zmarła 27 sierpnia 2024 r. w wieku 92 lat. Jej największym hitem, który podbił serca fanów muzyki, był „Złoty pierścionek” - piosenka, która powstała w 1959 r. przy współpracy poety Romana Sadowskiego i kompozytora Jerzego Wasowskiego. Zobacz również: „Złoty pierścionek” śpiewała cała Polska. Rena Rolska zeszła ze sceny u szczytu popularności Związek Artystów Scen Polskich pożegnał Renę Rolską Na profilu na Facebooku Związku Artystów Scen Polskich pojawił się wpis, który potwierdził odejście piosenkarki. „Z żalem żegnamy Renę Rolską, wykonawczynię wielu popularnych przebojów, wyśpiewanych i nagradzanych na Krajowym Festiwalu Polskiej Piosenki w Opolu, Międzynarodowym Festiwalu Piosenki w Sopocie (wśród nich „Złoty pierścionek”, „Gdy w ogrodzie botanicznym zakwitną bzy”, „Jak to dziewczyna”, czy „Nie oczekuję dziś nikogo” – piosenka, którą wygrała konkurs w Polskim Radiu), odtwórczynię postaci niesfornej uczennicy wywoływanej do tablicy w słynnej audycji radiowej „Podwieczorek przy mikrofonie”, zasłużoną członkinię Związku Artystów Scen Polskich, z którym związała się ponad sześć dekad temu” czytamy. Jak czytamy w poście, Rena Rolska pożegnała się ze sceną muzyczną 1981 roku i oddała się pracy społecznej. Przez lata była przewodniczącą Sekcji Estrady ZASP, „jednej z najaktywniejszych i najweselszych sekcji Stowarzyszenia”. Później została członkinią Zarządu Sekcji Repartycyjnej Twórców i Artystów Wykonawców Radiowych oraz Audialnych. W dniu śmierci miała 92 lata. Czytaj też: Rena Rolska zrezygnowała z wielkiej kariery i oddała się życiu rodzinnemu. Z drugim mężem spędziła ponad 40 lat View oEmbed on the source website View oEmbed on the source website
„Polski książę” rzucił na kolana USA. Wielki hit zaśpiewał po polsku, Polonia go wielbiła
Bilety na jego koncerty wyprzedawały się w kilka godzin, a utwór przypominał Polakom ojczyznę
Jego utwory, takie jak "Blue Velvet" czy "Roses Are Red" znają miliony ludzi na całym świecie. A jednak Bobby Vinton najbardziej zapadł w pamięci Polonii w Stanach Zjednoczonych, kiedy światło dzienne ujrzał utwór "Moja Droga Ja Cię Kocham" w części napisany po polsku. Vinton został okrzyknięty "Polskim Księciem", a jego koncerty były oblegane przez Polaków mieszkających za oceanem. Kim jest Bobby Vinton? Bobby Vinton urodził się w Canonsburgu w Pensylwanii. Jego rodzice mieli polsko-litewskie korzenie, więc język polski w jakiś sposób był mu znany. Karierę muzyczną zaczynał w wieku 16 lat. Wówczas grał na saksofonie, trąbce i perkusji. Wiedział, że muzyka to coś, co chce robić w przyszłości. Kiedy jeden z kontaktów z wytwórnią nie wypalił, sam wypromował swój utwór "Roes Are Red", który znalazł się na szczycie Billboard Hot 100. Największym jego hitem była jednak piosenka "Blue Velvet". ZOBACZ TEŻ: Syn Joanny Racewicz nie pamięta ojca, mama jest jego najlepszą przyjaciółką. Igor Janeczek skończył 16 lat Polski książę w Stanach Zjednoczonych Kiedy wydawało się, że świetność wokalisty już dawno minęła, powstała piosenka "My Melody Of Love", zwana również "Moja Droga Ja Cię Kocham". Była ona napisana w części po polsku, co było pomysłem matki Bobbiego. Okazało się to strzałem w dziesiątkę, bowiem utwór pokochała Polonia w USA. Kiedy utwór ujrzał światło dzienne w 1974 roku, Polacy mieszkający za oceanem całkowicie oszaleli. Bobby Vinton zyskał nawet przydomek "Polskiego Księcia". Hit dotarł również do Polski i po dziś dzień puszczany jest na tradycyjnych weselach. Jedną z osób, która go wykonała, był nawet sam Zbigniew Wodecki. CZYTAJ TEŻ: W zdobywaniu medali przeszkodziła jej choroba, błagała o pieniądze. Agata Wróbel była u szczytu sławy, gdy zniknęła bez śladu "Irlandczycy, Włosi, Latynosi widzieli w 'My Melody Of Love' deklarację dumy ze swojego dziedzictwa" - pisał Bobby w swojej biografii. Piosenka przyniosła mu na pewien czas ogromną popularność w USA, gdzie bilety na jego koncerty wykupowane były głównie przez Polaków. W sumie wydał około 38 albumów. Teraz ma 89 lat i choć zakończył już karierę muzyczną, wciąż jest aktywny zawodowo. Bobby Vinton, Chicago, 1979 rok
Historia złotej sukienki, którą Miley Cyrus miała w teledysku Flowers
Piosenka zrobiła furorę i stała się hitem na TikToku!
Miley Cyrus 13 lutego wypuściła piosenkę “Flowers”, która bardzo szybko podbiła serca fanów i zawładnęła TikTokiem. Teledysk, który został do niej nakręcony stał się hitem, nie tylko ze względu na warstwę artystyczną i liczne nawiązania do byłego męża artystki, ale także stylizacje, które Miley w nim ma stały się fenomenem, szczególnie złota kreacja vintage, którą widzimy w pierwszej części klipu. Z kolekcji jakiej marki pochodzi? Z którego roku jest? Jakie ciekawe nawiązania można znaleźć w teledysku i tekście piosenki? PRZECZYTAJ O: Jared Leto, Miley Cyrus i Snoop Dogg w nowej kampanii Gucci "Love Parade" Piosenka “Flowers” Miley Cyrus hitem na TikToku Najnowsza piosenka Miley Cyrus “Flowers” wyszła 13 stycznia 2023. Data premiery nie była przypadkowa, ponieważ jest to dzień urodzin jej byłego męża - Liama Hemswortha. Możemy w niej znaleźć wiele odniesień do ich, między innymi refren wchodzi w polemikę z piosenką Bruno Marsa “When I was your men”, którą Liam zadedykował Miley w dniu ich ślubu. Bruno Mars śpiewa: Powinien był kupić ci kwiaty i trzymać cię za rękę. Powinienem poświęcić ci wszystkie moje godziny, kiedy miałem szansę, zabrać cię na każdą imprezę, bo wszystko, co chciałaś robić, to tańczyć. Miley za to śpiewa: Mogę kupić sobie kwiaty, napisać swoje imię na piasku, rozmawiać sama ze sobą godzinami (…) Mogę tańczyć sama i mogę trzymać się za rękę. Tak, potrafię kochać siebie lepiej niż ty. Mówi się, że dom, który pojawił się w teledysku także nie jest przypadkowy. Fani i media donoszą, że w tej posiadłości były mąż wokalistki miał dopuszczać się wielu zdrad w czasie, kiedy był z nią w związku, o czym także jest nawiązanie w piosence. Dodatkowo w drugiej części klipu Miley pojawia się w męskim garniturze oversize od YSL, jest to nawiązanie do sytuacji podczas jednej z premier filmów Marvela na ścience Liam powiedział jej, żeby się “chociaż raz zachowywała normalnie”. W ten sposób artystka rozlicza się z przeszłością i pokazuje jaką silną kobietą się stała po rozwodzie. Złota sukienka Miley Cyrus w teledysku “Flowers” Złota sukienka Miley Cyrus, w której występuje w pierwszej części teledysku zrobiła niezwykłą furorę w sieci. Gwiazda idzie ulicami Los Angeles w złotej sukni z lame otwierając zwrotkę Byliśmy dobrzy, byliśmy złotem. Rodzaj snu, którego nie można sprzedać. Jest to kreacja vintage z kolekcji YSL z 1991 roku i ma drapowany kaptur krzyżujący się w talii z wyraźnym wycięciem, które eksponuje cały brzuch. Dobrała do niej prostokątne okulary przeciwsłoneczne od Saint Laurent i metaliczne szpilki. Jest to nawiązanie do sukni ślubnej, którą Miley miała na sobie w 2018 roku, pochodziła dokładnie z tej samej kolekcji co złota kreacja zaprezentowana w teledysku. Najnowsza piosenka artystki stała się hitem i wręcz hymnem wielu kobiet, które tak jak ona zawiodła się na mężczyźnie. Promuje silną postawę kobiety, która wie czego chce i zna swoją wartość i nie pozwoli, żeby została ona zachwiana lub obniżona przez partnera. Jest to bez wątpienia bardzo mocny początek roku pod kątem muzycznym, ale też wizualnym, gdyż teledysk do niego jest świetnie zrealizowany, a każda stylizacja w nim pokazana jest niezwykłą inspiracją i świetnie wplata się w tekst piosenki. Co myślicie o najnowszym utworze Miley Cyrus?
Niepokojące wieści o stanie zdrowia Marka Gaszyńskiego. Jego piosenki zna każdy
"Gdzie się podziały tamte prywatki" czy "Sen o Warszawie" to prawdziwe hity
Nie ma w Polsce osoby, która nie znałaby jego przebojów. „Gdzie się podziały tamte prywatki”, „Nie zadzieraj nosa”, czy „Sen o Warszawie” były i są do tej pory na ustach wszystkich. Marek Gaszyński, słynny tekściarz trafił do szpitala. Jego stan ocenia się jako ciężki, o czym poinformowała Grażyna Orlińska, prywatnie przyjaciółka mężczyzny. ZOBACZ TEŻ: Poruszająca historia ostatniej piosenki Zbigniewa Wodeckiego. Kto wykona utwór do słów Jacka Cygana? Kim jest Marek Gaszyński? Nie tylko pisał, ale również mówił do ludzi. Znakomicie znali go słuchacze Polskiego Radia, którzy uwielbiali jego audycje muzyczne. W swoim portfolio ma ponad 150 tekstów do kultowych piosenek takich gwiazd, jak Czesław Niemen, Czerwone Gitary, Bogusław Mec czy Helena Majdaniec. Jego piosenki do dziś pozostają żywe i puszczane są w radio, jak również w Polskich domach. W końcu kto nie zna takich hitów, jak „Gdzie się podziały tamte prywatki”, „Nie zadzieraj nosa”, czy „Sen o Warszawie”? Marek Gaszyński w ciężkim stanie Dotarła do nas smutna informacja i ciężkim stanie zdrowia Marka Gaszyńskiego. Na swoim Facebooku poinformowała o tym poetka, Grażyna Orlińska, która przyjaźni się z dziennikarzem. Poprosiła fanów o dobre myśli, kierowane w jego stronę. CZYTAJ RÓWNIEŻ: Są nierozłączni od ponad 40 lat. Jacek Cygan wiele zawdzięcza ukochanej żonie Ewie Marek Gaszyński — gigant polskiego tekściarstwa, autor niezliczonej ilości przebojów i wielu książek, przeuroczy gawędziarz, mistrz dowcipu i celnej pointy, żywa encyklopedia piosenki potrzebuje naszego mentalnego wsparcia. Jest w szpitalu, w ciężkim stanie. Otoczmy go dobrymi myślami... Marku, Przyjacielu — to nieprawda, że nie ma ludzi niezastąpionych. Wracaj... proszę, wracaj... — napisała.
Kasia Kowalska kończy 48 lat! Przypominamy największe przeboje artystki
Na polskiej scenie tworzy od ponad 25 lat...
Przyszła na świat 13 czerwca 1973 roku w podwarszawskim Sulejówku. Polska publiczność poznała Kasię Kowalską, gdy w 1994 roku wydała wyprodukowany przez Grzegorza Ciechowskiego album Gemini, który do tej pory pokrył się podwójną platyną. Przeboje z niego pochodzące, takie jak Wyznanie, Jak rzecz czy Oto ja zapewniły jej miejsce w pierwszej lidze artystek lat 90. Kolejne wydawnictwa tylko tę pozycję ugruntowały. Kasia Kowalska - największe przeboje Do dzisiaj Kasia Kowalska wydała 12 albumów (9 studyjnych i 3 koncertowe), które sprzedały się w łącznym nakładzie ponad miliona egzemplarzy. Stawia ją to w gronie artystów, którzy sprzedali największą liczbę krążków w Polsce w ogóle. Znakomita większość wydawnictw, w tym m.in. Czekając na... (1996), Pełna obaw (1998), Antidotum (2002) czy Antepentultimate (2008) pokryła się złotem lub platyną. CZYTAJ TEŻ: Namiętne uczucie zakończone skandalem. Oto historia miłości Kasi Kowalskiej i Kostka Yoriadisa Kasia Kowalska - życie prywatne. Dzieci, partner Była w związku z muzykiem Kostkiem Yoriadisem. Owocem tej miłości jest córka Aleksandra Julia, która przyszła na świat 2 maja 1997 roku. Z kolei 24 czerwca 2008 roku urodził się syn Ignacy, którego ojcem jest perkusista Marcin Ułanowski. W naszym filmiku przypominamy największe przeboje Kasi Kowalskiej. Który z nich jest Twoim ulubionym? Z okazji 48. urodzin życzymy gwieździe wszystkiego, co najlepsze.
Agnieszka Chylińska o Kiedy powiem sobie dość: „Pisałam o swoim doświadczeniu absolutnej rozpaczy”
W tym roku Agnieszka Chylińska obchodzić będzie 25-lecie swojej muzycznej kariery i z tego powodu już wkrótce zagra kilka koncertów, które odbędą się mimo pandemii koronawirusa, lecz z zachowaniem wszelkich środków bezpieczeństwa. Bez wątpienia artystka będzie miała co zaprezentować, bowiem przez te lata na jej koncie zebrało się wiele hitów, które nucą miliony Polaków. Do grona największych z nich bez wątpienia należy piosenka Kiedy powiem sobie dość. Teraz artystka ujawniła szokujące kulisy powstania tego utworu. Chylińska o „Kiedy powiem sobie dość” W niedzielne popołudnie 2 sierpnia Agnieszka Chylińska opublikowała na swoim Facebooku specjalne nagranie dla fanów, w którym przybliżyła historię powstania jej największego hitu. Okazuje się, że sama była w szoku, że stała się tak bardzo popularna. W początkowych słowach zdradziła: „To jest w ogóle niezwykłe, że piosenka z tak smutnym tekstem osiągnęła tak ogromny sukces. Dzisiaj, po latach, mogę powiedzieć śmiało, że jest to wizytówka muzyczna zarówno zespołu O.N.A., jak i mojej skromnej osoby. Kiedy pisałam tekst do tej piosenki, absolutnie w mojej głownie nie było nawet pół myśli, że piszę tak ważną piosenkę dla polskiej publiczności”. Teraz, podczas występów, wzrusza ją fakt, że owy utwór zna naprawdę każdy: „Ta piosenka na koncertach zawsze jest takim mostem międzypokoleniowym, ponieważ kiedy ludzie zaczynają śpiewać Kiedy powiem sobie dość, to śpiewają ją wszyscy - zarówno młodzi ludzie i ci po 40., dzieciaki, ale też osoby starsze, które po prostu coś w niej odnajdują”. Sama przyznała, że jest to najistotniejszy numer w całej jej karierze: „Nie ma co kryć, jest to dla mnie najważniejsza piosenka, jeżeli chodzi o całą moją historię jako wokalistki, piosenkarki. Oczywiście pożyjemy, zobaczymy, nie mniej to, co się wydarzyło przy tej piosence, było powalające. I to dla 20-letniej dziewczyny, która musiała się zmierzyć z sukcesem drugiej płyty, gdzie już po pierwszej płycie dużo się działo... Płyta Bzzzzz okazała się być płytą jeszcze bardziej popularną, właśnie dzięki dwóm piosenkom, Krzyczę jestem i dzisiaj wspominanej Kiedy powiem sobie dość”. Wokalistka odniosła się również do sytuacji, przyświecającej jej przy tworzeniu tego utworu. Nie było jej wtedy łatwo: „Tekst ciężki. Pisałam konkretnie o swoim doświadczeniu absolutnej rozpaczy i jakiś swoich rozkmin prywatnych, osobistych, które wówczas mi towarzyszyły. Wtedy te piosenki, które były przebojami były raczej takie słoneczne. Była moda na piękne melodie. Bardzo dużo popowych zespołów wtedy miało swoje mega przeboje, więc nawet przez myśl mi nie przeszło, że piosenka zespołu, który tak naprawdę cały czas jest w tej oktawie debiutu, okaże się tak ogromnym przebojem. Dzisiaj śmiem twierdzić nieskromnie, że ta piosenka jest znana i każdy jest w stanie zaśpiewać refren tej piosenki. Nawet niekoniecznie mój fan. Nawet niekoniecznie osoba, która w ogóle muzyki słucha. Co jest myślę największą nagrodą, za to, co się robi”. Co ciekawe, Chylińska woli swoje wykonania tego utworu na żywo. Wersja studyjna wywołuje w niej nieprzyjemne wspomnienia: „Jeśli możecie, zapuście sobie Kiedy powiem sobie dość. Usłyszycie tam 20-letnią dziewczynę z aparatem na zębach. Choć ja i tak najbardziej lubię moje występy na żywo. Akurat jeżeli chodzi o kulisy nagrywania to zostałam dosyć mocno zarżnięta w studio, ponieważ, nie wiem czemu, ktoś uznał, że mam nagrywać tę piosenkę wiele, wiele, wiele razy. Więc ja nie jestem do końca fanką tej studyjnej wersji, gdzie czuję swój stres w wokalu i gdzie czuję, że po prostu jest to szyte po słowie”. Dopiero teraz potrafi docenić wpływ tej piosenki na całe swoje życie. Stwierdziła: „Piękny kawałek historii już można powiedzieć z perspektywy tych ponad 20. lat. Ja wtedy byłam osobą tak skupioną na jakiś swoich wewnętrznych nieszczęściach, że ten dzień premiery czy ogromny sukces utworu znowu gdzieś tam mi przeleciał”. A Wy jesteście fanami Kiedy powiem sobie dość? View oEmbed on the source website
Oto najpiękniejsze piosenki z filmów o agencie 007!
Kultowe, wykonywane przez największe gwiazdy sceny muzycznej. Piosenki komponowane do filmów o agencie 007 wzbudzają równie dużo emocji co same przygody Jamesa Bonda. Od samego początku były ważną częścią kampanii promocyjnej i skutecznie podgrzewały atmosferę wokół kolejnych produkcji. Eksponowane w czołówce filmu, by zbudować odpowiednie napięcie jeszcze przed pierwszą sceną. Wiele z nich na zawsze zapisało się w historii. Które utwory z filmów o Bondzie były najpiękniejsze? „From Russia with Love” - Matt Monro Pozdrowienia z Rosji były drugą częścią należącą do serii o agencie 007, a jego premiera miała miejsce w 1963 roku. W słynnego szpiega wcielił się wówczas jego pierwszy odtwórca - Sean Connery. Po sukcesie pierwszej części producenci otrzymali bardzo duży budżet, więc mogli zrobić swój film z rozmachem. Za reżyserię odpowiadał Terence Young, a większość akcji działo się w trzech lokacjach: pociągu Orient Express, Wenecji oraz Stambule. Jedna z najsłynniejszych scen filmu - pokaz tańca brzucha - została nakręcona właśnie w tym tureckim mieście. W kobietę Bonda, Rosjankę Tatianę Romanową wcieliła się co zaskakujące włoska modelka: Daniela Bianchi. Pozdrowienia z Rosji były też pierwszym Bondem, w którym położono tak wielki akcent na gadżety. Od tej pory wymyślne i zabójcze przedmioty towarzyszyły agentowi 007 w każdej misji. Równie wielkim przebojem jak film była specjalnie nagrana do niego piosenka tytułowa. Utwór skomponował Lionel Bart, a wykonał go słynny brytyjski balladzista Matt Monro. Chociaż w tym przypadku w czołówce pojawiła się jedynie instrumentalna wersja. Kompozytorem całej ścieżki dźwiękowej był natomiast John Barry. Początkowo planował zainspirować się lokalną muzyką turecką, ale ostatecznie stwierdził, że nie pasuje ona do dramatycznego tonu filmu. „GoldenEye” - Tina Turner Siedemnasty "odcinek Bonda" z polskim akcentem. Kobietę agenta zagrała bowiem polska aktorka Izabella Scorupco, która wcieliła się w utalentowaną programistkę Natalię Simonową. 007 zagrał po raz pierwszy irlandczyk Pierce Brosnan, najpopularniejszy odtwórca tej roli. Poprzednia część - Licencja na zabijanie z Timothy'm Daltonem - była porażką i z tego powodu producenci porzucili temat na 6 lat! Bond powrócił jednak, odmieniony i z nowym samochodem, ponieważ po raz pierwszy miał on jeździć BMW. Tytułową piosenkę GoldenEye napisali Bono i the Edge. Co ciekawe, ścieżka dźwiękowa filmu nie zawierała żadnej melodii z piosenki tytułowej, ponieważ producenci nie chcieli współpracować z artystami. Komponowaniem soundtracku zajął się Éric Serra, ale jego dzieło spotkało się z ostrą krytyką. Natomiast piosenka, wykonana przez Tinę Turner stała się wielkim przebojem! "Die Another Day" - Madonna Piosenka stworzona przez samą Madonnę do 20. filmu o Bondzie - Śmierć przyjdzie jutro. Zasadniczo wyróżniła się na tle wszystkich poprzednich tytułowych utworów. Charakteryzuje ją nowoczesne, elektroniczne brzmienie. Utwór odniósł duży sukces - był 8 na liście przebojów w USA. Pojawił się później na płycie piosenkarki American Life. Za Die Another Day Madonna otrzymała również Złoty Glob. Kontrowersje wzbudził pełen przemocy teledysk artystki, inspirowany zdarzeniami w filmie. Był to jeden z najdroższych klipów w całej jej karierze. Madonna zagrała też w samym filmie! Wcieliła się w epizodyczną rolę instruktorki szermierki. "Another Way to Die" - Jack White, Alicia Keys 007 Quantum of Solace to 22. odsłona przygód o Bondzie i druga z udziałem Daniela Craiga! Wraz z nowym aktorem twórcy zdecydowali się na całkiem nową estetykę i większe pogłębienie psychologii postaci. Ta część byłą ewenementem, ponieważ po raz pierwszy w historii nie pojawiły się w niej słowa: "Jestem Bond. James Bond". Film został też uznany za najbardziej brutalny z całej serii. Był również najkrótszą ze wszystkich 22 produkcji. W kobietę Bonda tym razem wcieliła się Gemma Arterton. Krytyka nie miała o 007 Quantum of Solace najlepszych opinii, ale film i tak zarobił ogromne pieniądze, stając się czwartym najbardziej kasowym "Bondem" w historii. Ścieżkę do filmu skomponował David Arnold, który pracował już przy czterech poprzednich częściach. Twórca był bardzo zaangażowany w swoją pracę, czytał scenariusz i komponował muzykę sugerując się swoimi wrażeniami. Tym razem piosenkę do filmu wykonał duet: Jack White z zespołu The White Stripes oraz Alicia Keys. Artyści od dawna marzyli o współpracy i wreszcie udało im się stworzyć coś razem. Również oni zajęli się oprawą instrumentalną. Jack White grał na bębnach, a Alicia Keys na pianinie. "Skyfall" - Adele Kolejna wybitna piosenkarka, która zdecydowała się nagrać piosenkę tytułową dla agenta 007. Adele stworzyła ją we współpracy z producentem Paulew Epworthem. Premiera utworu miała miejsce w wyjątkowy dzień - w dokadne 50-lecie premiery pierwszego filmu z całej serii! Singiel odniósł ogromny sukces i trudno się nam dziwić - w końcu Adele i kultowa postać Jamesa Bonda to połączenie idealne. Oprócz zdobycia list przebojów, singiel zdobył także Oscara oraz Złoty Glob! Statuetkę Akademii otrzymał również Thomas Newman - kompozytor ścieżki dźwiękowej. W filmie po raz kolejny wystąpił Daniel Craig. Za to do grona twórców dołączył nowy reżyser - Sam Mendes. I chyba była to dobra decyzja, ponieważ film okazał się najbardziej kasowym za całej serii. "Writing’s on the Wall" - Sam Smith Spectre to już 24. film o przygodach agenta 007. Na fali wcześniejszego sukcesu reżyserią ponownie zajął się Sam Mendes. Filmowi nie udało się zarobić tyle ile poprzednikowi, jednak wciąż był olbrzymim sukcesem. Ścieżkę dźwiękową znów skomponował Thomas Newman. Ponoć pracował nad muzyką już w czasie kręcenia filmu, a nie w jego postprodukcji. Stworzono soundtrack trwający łącznie ponad 100 minut. Pierwotnie o nagranie tytułowej piosenki poproszono zespół Radiohead. Ten zaproponował aż dwa różne utwory, jednak oba odrzucono. Ostatecznie piosenkę napisał i nagrał Sam Smith we współpracy z Jimmy'm Napesem. Podobno wymyślili całość podczas zaledwie jednego spotkania! Piosenkę porównywano oczywiście do dzieła Adele i niekoniecznie wypowiadano się na korzyść Smitha. Jednak utwór najwyraźniej wzbudził zachwyt Akademii, ponieważ ta znów postanowiła przyznać statuetkę za najlepszą piosenkę oryginalną filmowi o agencie 007. Writing’s on the Wall otrzymało również Złoty Glob! "No Time To Die" - Billie Eilish Jeszcze rok temu, nit nie powiedziałby, że młodziutka artystka zaśpiewa piosenkę do ostatniego filmu o Bondzie z udziałem Daniela Craiga. Ale nikt nie powiedziałby również, że Billie Eilish otrzyma w w ciągu jednego roku aż 5 nagród Grammy. Piosenkarka idzie jak burza i osiąga takie rzeczy o jakich się nikomu nie śniło. I trzeba przyznać, że zasługuje na wszelkie nagrody i wyróżnienia. Dzisiaj miała premiera jej wersji tytułowej piosenki - No Time To Die, która robi ogromne wrażenie. My jesteśmy zachwyceni i już nie możemy doczekać się filmu! Chyba już wiemy kto dostanie w przyszłym roku Oscara.
Te piosenki znają wszyscy! Przypominamy utwory Kory, które przeszły do historii muzyki
Kora zmarła 28 lipca 2018 roku. Artystka odeszła w wieku 67 lat. Przegrała walkę z chorobą nowotworową. Legenda muzyki rockowej, ikona mody i wybitna postać na polskiej scenie muzycznej. Olga Jackowska na zawsze pozostanie w naszej pamięci. Jej utwory znają i nucą wszyscy. Specjalnie dla Was, przypominamy najpiękniejsze i najpopularniejsze utwory artystki. Nie żyje Kora. Piosenki artystki na zawsze pozostaną z nami „Z ogromnym żalem i rozpaczą informujemy, że dziś o 5.30 na swoim ukochanym Roztoczu w otoczeniu najbliższych osób, ukochanych zwierząt i wspaniałej przyrody zmarła Kora. Wielka artystka, piosenkarka, poetka, malarka”, informowali wtedy bliscy wokalistki. Śmierć Kory wstrząsnęła jej fanami. „Wyjątkowa kobieta, żona, matka, babcia, przyjaciółka. Ikona wolności. Zawsze bezkompromisowa w dążeniu do prawdy. Zaangażowana w ruch hipisowski, w działalność pierwszej Solidarności, w budowę demokracji i ruchy kobiece”, pisał Kamil Sipowicz. Cykady na cykladach, Krakowski Spleen, Kocham Cię kochanie moje czy Nie poganiaj mnie, bo tracę oddech - to tylko jedne nielicznych piosenek, które zapisały się w sercach fanów Kory i zespołu Manaam. Przypominamy najpiękniejsze i najpopularniejsze utwory Kory!
Opublikowano nową piosenkę Whitney Houston! To prawdziwy hit
W najbliższym czasie zostanie prawdopodobnie wydany pośmiertny album diwy
To prawdziwa gratka dla fanów zmarłej w 2012 roku artystki. Opublikowano właśnie utwór Higher love, cover piosenki Steve'a Winwooda, który w 1990 roku wykonała publicznie Whitney Houston a który nie był dostępny w szerszej dystrybucji. Aż do teraz! Jego miksu po 29 latach podjął się uznany norweski producent i DJ - Kygo. Fani spekulują, że to zwiastun pośmiertnego albumu sygnowanego imieniem i nazwiskiem legendarnej artystki, który ujrzy światło dzienne już niebawem... Higher love - now utwór Whitney Houston Whitney Houston wykonała piosenkę Higher Love jedynie raz w 1990 roku w trakcie koncertu w Tokio. Rok później weszła do studia i nagrała wokale, by utwór został opublikowany na reedycji albumu I'm Your Baby Tonight. Niestety, planów szerszej dystrybucji nigdy nie zrealizowano. Aż do teraz! Niełatwego zadania wyprodukowania go na nowo podjął się Kygo, uznawany obecnie za jednego z najpopularniejszych i najlepszych DJów na świecie. Norweg, który tak naprawdę nazywa się Kyrre Gørvell-Dahll, nadał utworowi nowe, bardzo nowoczesne brzmienie i wykorzystał oczywiście wokal zmarłej w 2012 roku Whitney Houston. „Dla mnie to prawdziwy zaszczyt. Kiedy spadkobiercy Whitney zwrócili się do mnie z propozycją tej współpracy, uznałem, że to wyjątkowa szansa. Whitney to jedna z najlepszych wokalistek w historii. Zaaranżowałem ten utwór na nowo i jestem bardzo zadowolony z finalnego efektu”, podkreśla Kygo. To niezwykle znaczące, że utwór wydano właśnie teraz. Ostatnia premierowa piosenka diwy, która została opublikowana, to I look to you i miało to miejsce 10 lat temu. Śmierć Whitney Houston Whitney Houston zmarła 11 lutego 2012 w jednym z hoteli w Beverly Hills. Artystka utonęła w wannie po tym, jak przyjęła narkotyki. Jej śmierć pogrążyła w rozpaczy miliony fanów na całym świecie. Diwa była uznawana za tę, która - zaraz po Madonnie – sprzedała najwięcej w historii (około 200 milionów sztuk). Trafiła także do Księgi Rekordów Guinnessa jako ta, która za życia otrzymała najwięcej muzycznych wyróżnić w związku z działalnością artystyczną View oEmbed on the source website