Sylwia Bomba pożycza ciuchy od swojego ukochanego. Co jeszcze zdradziła nam na temat swojej szafy?
W najnowszym odcinku „Czaja Wyczaja z Vivą” Jola Czaja zaprosiła Sylwię Bombę — prawdziwą królową garniturów. Gwiazda opowiedziała o swoich ukochanych stylizacjach, modowych zasadach i dodatkach, bez których nie wyobraża sobie eleganckiego looku. W pewnym momencie zdradziła nawet, że zdarza jej się pożyczać ubrania od ukochanego!
Sylwia Bomba od lat udowadnia, że garnitur może być jednym z najbardziej kobiecych elementów garderoby. Gwiazda nie boi się modowych eksperymentów, uwielbia męskie inspiracje i chętnie przełamuje klasyczne zasady stylu. W najnowszym odcinku „Czaja Wyczaja z Vivą” celebrytka zdradziła, jakie dodatki najlepiej komponują się z garniturem, dlaczego kocha total looki i który trend kompletnie do niej nie przemawia. Przy okazji wyznała też, że zdarza jej się pożyczać ubrania od ukochanego! Sylwia Bomba zdradziła swoje modowe zasady Podczas rozmowy Sylwia Bomba opowiedziała, że klasyczny garnitur daje praktycznie nieograniczone możliwości stylizacyjne. Celebrytka pokazała nawet swoje czarne marynarki i smokingowe spodnie z plisą. — „Możesz ubrać do tego czarną koszulę i białą muchę. Albo ubrać białą koszulę i czarną muchę. Możesz czarny golf” — wyliczała. I dodała z uśmiechem: — „Możesz nawet żółtą koszulę, jeżeli masz ochotę”. Sylwia Bomba zaznaczyła jednak, że kluczowe jest to, by cała stylizacja była spójna. — „Ja w ogóle uważam, że i kontrasty są super, jeżeli to jest całościowa stylizacja i to się broni, to jest przemyślane, to możesz i bardzo kontrastowo” — mówiła. Celebrytka przyznała również, że uwielbia modę inspirowaną męską garderobą. — „Lubię wszystkie takie męskie elementy. Znaczy, kocham szpilkę. Ja uważam, że szpilka do garnituru to jest to, ale lubię też takie wszystkie męskie elementy, typu teczka, taka, wiesz, męska” — zdradziła. Sylwia Bomba pożycza ubrania od ukochanego Największe zaskoczenie wywołało jednak wyznanie dotyczące jej partnera. Gwiazda zdradziła, że zdarzyło jej się sięgnąć po ubrania ukochanego, kiedy szczególnie spodobała jej się jedna z marynarek. — „Ja nawet kiedyś wystąpiłam w Grzesia garniturze, bo mi się bardzo podobała marynarka, więc pożyczyłam sobie od Grzesia” — wyznała. Jola Czaja od razu zauważyła, że trend inspirowany męską szafą jest dziś niezwykle popularny. — „To teraz bardzo piękny trend, że kobiety właśnie z szafy męskiej biorą te marynarki, te garnitury, nawet te za duże i to stąd wywodzi się ten trend na oversize” — podkreśliła prowadząca. Sylwia Bomba zdecydowanie nie ukrywa, że dobrze czuje się w takich fasonach i lubi modowe eksperymenty. Zobacz też: Jak dobrze nosić damski garnitur? Jola Czaja i Sylwia Bomba mają dla Ciebie szczegółowe instrukcje. Odważ się na niecodzienne kombinacje Tego trendu Sylwia Bomba nie lubi najbardziej Choć celebrytka podkreślała, że jest bardzo otwarta na modę i nie krytykuje cudzych wyborów, zdradziła, że istnieje jeden fason, którego sama nie jest wielką fanką. — „Ja nie jestem największą fanką, jeżeli chodzi o te krótkie marynarki” — przyznała. Chodzi o modele kończące się pod biustem, które nie podkreślają talii i mają, jak to ujęła Bomba, trudną długość. Co ciekawe, mimo swojej opinii sama ma takie modele w szafie. — „Ja mam więcej, ale przecież trend był, trzeba było testować” — śmiała się Sylwia. „Kobiety są siłą” — mocny manifest Sylwii Bomby Rozmowa o modzie szybko zamieniła się również w kobiecy manifest. Sylwia Bomba podkreśliła, że garnitur to dziś symbol siły, niezależności i odwagi kobiet. — „Jesteśmy silne, niezależne, nosimy spodnie, latamy w kosmos, prowadzimy firmy, dajemy sobie radę w życiu, jesteśmy mamami, pracujemy, tworzymy, działamy, kobiety są siłą” — powiedziała z przekonaniem. Na zakończenie celebrytka wspomniała także o rolce nagranej w centrum Warszawy. — „Niosę swój czerwony dywan, biegam tam po centrum Warszawy i w końcu w którymś momencie go rozwijam i sobie po nim sama przechodzę” — opowiadała. To spotkanie pokazało jedno — Sylwia Bomba doskonale wie, jak bawić się modą, przełamywać schematy i tworzyć własne zasady stylu. Zobacz też: Garnitur z sieciówki może wyglądać jak od projektanta? Jola Czaja i Sylwia Bomba przekonują, że tak! Na co zwracają uwagę przy ich wyborze? *** Cały odcinek „Czaja Wyczaja z Vivą” z udziałem Sylwii Bomby można obejrzeć na YouTubie. View oEmbed on the source website
Garnitur z sieciówki może wyglądać jak od projektanta? Jola Czaja i Sylwia Bomba przekonują, że tak! Na co zwracają uwagę przy ich wyborze?
W najnowszym odcinku „Czaja Wyczaja z Vivą” Jola Czaja zaprosiła Sylwię Bombę — prawdziwą królową garniturów. Gwiazdy rozmawiały o modzie, trendzie oversize i sekretach wyszukiwania idealnych fasonów w sieciówkach. Jak się okazuje, dobrze dobrany garnitur z popularnej marki może wyglądać jak model prosto od projektanta.
Moda na damskie garnitury nie zwalnia tempa, ale dziś liczy się już nie tylko sam trend, lecz przede wszystkim sposób noszenia i dobór fasonu do sylwetki. Sylwia Bomba i Jola Czaja w rozmowie dla „Vivy!” zdradziły, jak znaleźć model, który wygląda stylowo i luksusowo nawet wtedy, gdy pochodzi z sieciówki. Gwiazdy opowiedziały również o swoich modowych wyborach, zakupowych trikach i elementach, na które zawsze zwracają uwagę podczas kompletowania idealnej stylizacji. Sylwia Bomba zdradziła, jak wyszukuje idealne garnitury Podczas rozmowy Sylwia Bomba przyznała, że choć moda na oversize wciąż jest widoczna, sama coraz częściej zwraca uwagę na fasony podkreślające sylwetkę. Celebrytka pokazała również jeden ze swoich ulubionych modeli w kratę i zdradziła, że pochodzi z sieciówki. – „Ja sama tutaj mam, o, na przykład ten piękny oversize, który sobie zakupiłam ostatnio. W ogóle świetna jest ta kratka i powiem Ci, że tak naprawdę, nie wiem czy mogę to powiedzieć, ale mam sporo garniturów z sieciówek, które gdzieś tam wyszukuję. No i na przykład ten garnitur też jest z sieciówki i ten też jest z sieciówki, tylko te fajne garnitury zwykle się bardzo szybko wyprzedają” – opowiadała. Sylwia Bomba zdradziła także, że najlepsze modele znikają błyskawicznie ze sklepów internetowych. – „Ten pamiętam, że się wyprzedał w dwa dni, bo potem dziewczyny pisały skąd on jest i już go po prostu nie było. Natomiast uważam, że można w sieciówce znaleźć dobry garnitur” – podkreśliła. Tak Sylwia Bomba szuka fasonów inspirowanych luksusowymi markami W rozmowie pojawił się także temat zakupów online i sposobów na wyszukiwanie idealnych modeli. Jak się okazuje, Sylwia Bomba bardzo dokładnie opisuje fasony, których szuka. – „Garnitur w stylu Diora z taliowaniem w pasie. Ja w ogóle tak dokładnie bardzo opisuję i wtedy wyszukuję coś, co mi w miarę to przypomina i po obrazie jadę, kręcę te strony” – zdradziła. Celebrytka przyznała również, że zakupy internetowe nie są dla niej problemem, ponieważ doskonale zna swoją sylwetkę. – „Bardzo dużo kobiet ma problem z kupowaniem online, a ja 99% trafiam. A wiesz dlaczego? Bo znam swoją sylwetkę” – mówiła. Zobacz też: Jak dobrze nosić damski garnitur? Jola Czaja i Sylwia Bomba mają dla Ciebie szczegółowe instrukcje. Odważ się na niecodzienne kombinacje Garnitur marzeń? Sylwia Bomba ma go już w swojej szafie Choć gwiazda nie chciała zdradzić, ile najwięcej wydała na garnitur, przyznała, że ma w garderobie model, który był jej absolutnym marzeniem. – „Ja miałam taki garnitur marzeń i mam go w garderobie” – powiedziała tajemniczo. Sylwia Bomba opowiedziała również, co sprawiło, że zakochała się właśnie w tym projekcie. – „To był zeszły sezon, przepiękny, od takiej firmy, co się składa jego nazwa z dwóch członów. Właśnie z takimi mankietami wszytymi na stałe i tu z koszulą wystającą na stałe” – zdradziła. Celebrytka nie ukrywa też, że wiele swoich rzeczy chciałaby kiedyś przekazać córce Antoninie. – „Ja w ogóle wszystko przekazuję już od razu, teraz Antoninie, garnitury, sukienki, buty, dom, wszystko dla Antoniny” – żartowała podczas rozmowy. Garnitur z sieciówki może wyglądać luksusowo Rozmowa Joli Czai i Sylwii Bomby pokazuje, że modny i efektowny garnitur nie zawsze musi kosztować fortunę. Kluczowe okazują się dobrze dobrany fason, znajomość własnej sylwetki i cierpliwość podczas wyszukiwania perełek w nowych kolekcjach. Jak przekonują obie panie, nawet model z sieciówki może wyglądać jak projekt luksusowego domu mody — trzeba tylko wiedzieć, na co zwracać uwagę. ZOBACZ TEŻ: Czaja Wyczaja: wiele Polek boi się tego koloru szminki. Ten trik sprawi, że dobierzesz go do siebie idealnie! *** Cały odcinek „Czaja Wyczaja z Vivą” z udziałem Sylwii Bomby można obejrzeć na YouTubie. View oEmbed on the source website
Jak dobrze nosić damski garnitur? Jola Czaja i Sylwia Bomba mają dla Ciebie szczegółowe instrukcje. Odważ się na niecodzienne kombinacje
Damski garnitur już dawno przestał być wyłącznie elementem formalnego dress code’u. Dziś jest symbolem pewności siebie, wygody i kobiecej siły. W najnowszym odcinku „Czaja Wyczaja z Vivą” Jola Czaja zaprosiła Sylwię Bombę — prawdziwą królową garniturów. Influencerka zdradziła, jak nosić marynarki do trampek, dlaczego kocha oversize i ile kompletów kryje jej imponująca garderoba. Nie zabrakło też modowych trików, wzruszających wspomnień i bardzo szczerych wyznań.
Damski garnitur już dawno przestał być wyłącznie biurową klasyką. Dziś to symbol pewności siebie, wygody i modowej odwagi. Sylwia Bomba doskonale wie, jak nosić go w nowoczesny sposób — z trampkami, krawatem, oversize’ową marynarką albo szpilkami. W najnowszym odcinku „Czaja Wyczaja z Vivą” influencerka opowiedziała Joli Czai o swojej imponującej kolekcji garniturów, ulubionych trendach i stylizacyjnych trikach, które każda kobieta może wykorzystać na co dzień. Nie zabrakło też szczerych wyznań, wzruszających historii i modowych manifestów o kobiecej sile. Sylwia Bomba i jej garniturowe imperium Już na początku rozmowy Jola Czaja nie kryła zachwytu nad kolekcją Sylwii Bomby. Jak się okazało, to zaledwie niewielki fragment jej szafy. – „Ja przyniosłam tylko bardzo skromny wycinek. Jeden procent szafy” – śmiała się Sylwia. Gwiazda zdradziła, że niedawno postanowiła zrobić generalne porządki w garderobie i zajęło jej to… 11 godzin. – „Po trzech latach mieszkania w nowym domu podjęłam się sprzątania garderoby i zajęło mi to 11 godzin, żeby doprowadzić ją do porządku” – opowiadała. Jeszcze większe emocje wywołało jednak wyliczanie garniturów. – „Białych mam około 50. Białych, écru, śmietankowych, beżowych, czyli to jest jasna strona szafy. A druga ciemna strona szafy to są czarne i brązowe. I tych mam myślę, że na razie troszkę mniej, bo 40” – zdradziła Sylwia Bomba. Influencerka przyznała też, że jej garderoba jest podzielona tematycznie. – „Tu jest sportowo, tu wakacyjnie, tu garniturowo, tu sukienkowo, tu eventowo” – wyliczała. Garnitur to dziś manifest kobiecej niezależności Jednym z głównych tematów rozmowy była zmieniająca się rola damskiego garnituru. Dla Sylwii Bomby to nie tylko modny element stylizacji, ale też sposób wyrażania siebie. – „Ja myślę, że jedno i drugie, bo to zależy, jak wystylizujemy. Zakładam oversize’owy wielki garnitur, szerokie spodnie, dużą marynarę, obcisły top, trampki i jestem gotowa na podbój świata” – mówiła. Gwiazda podkreślała, że współczesne kobiety coraz odważniej sięgają po męskie kroje i przestają bać się modowych eksperymentów. – „Jest ten element elegancji, kobiecości, trochę element męskości, bo jednak garnitur kojarzy nam się z mężczyznami. I cudowny jest ten trend, że nagle kobiety zaczęły nosić garnitury. Ja śmiem twierdzić, że od zawsze marzyły o tym, żeby je nosić. A teraz możemy” – podkreślała. W pewnym momencie rozmowa zeszła nawet na temat kobiecej siły i niezależności. – „Manifestacja jest taka: jesteśmy silne, niezależne, nosimy spodnie, latamy w kosmos, prowadzimy firmy, dajemy sobie radę w życiu, jesteśmy mamami, pracujemy, tworzymy, działamy. Kobiety są siłą” – powiedziała Sylwia Bomba. ZOBACZ TEŻ: Czaja Wyczaja: wiele Polek boi się tego koloru szminki. Ten trik sprawi, że dobierzesz go do siebie idealnie! Jak dobrze nosić damski garnitur? Sylwia Bomba zdradza swoje triki Jednym z najciekawszych momentów odcinka były konkretne modowe porady dotyczące stylizacji garniturów. Sylwia Bomba przekonywała, że dziś nie istnieją już sztywne zasady. – „Do wszystkiego. Na co mam akurat ochotę. Uważam, że powinnyśmy być wolne od takich schematów, że muszą być szpilki” – tłumaczyła. Influencerka zdradziła, że równie chętnie nosi garnitury ze szpilkami, jak i z trampkami czy sportowymi butami. – „Jechałam do ciebie w trampkach, w tym samym garniturze i też moim zdaniem pasowało” – mówiła do Joli Czai. W rozmowie nie zabrakło także tematu total looków, które Sylwia szczególnie lubi. – „Ja kocham total looki. Wszystko zależy od nas. Jeżeli masz czarny, dobrej jakości garnitur, możesz ubrać do niego białą koszulę, czarny golf, biały t-shirt, czarny t-shirt, a nawet żółtą koszulę, jeśli masz ochotę” – tłumaczyła. Krawaty, broszki i modne dodatki Sylwia Bomba przyznała też, że uwielbia przełamywać kobiece stylizacje męskimi dodatkami. – „Noszę krawaty, broszki, męskie teczki. Nawet kiedyś wystąpiłam w garniturze Grzesia, bo bardzo podobała mi się marynarka” – śmiała się influencerka. W rozmowie pojawił się również temat trendów, które jej zdaniem powoli odchodzą do lamusa. – „Nie jestem największą fanką krótkich marynarek. To trudna długość i mało kto może ją obronić” – przyznała. Jednocześnie podkreślała, że moda powinna przede wszystkim sprawiać przyjemność. – „Ja unoszę wszystko. Jeżeli panie tak czują i im się to podoba, to super” – dodała. „Czerwony dywan można rozwinąć wszędzie” W odcinku nie zabrakło też bardziej osobistych momentów. Sylwia Bomba wróciła wspomnieniami do sesji zdjęciowej z Jolą Czają, która odbyła się tuż po bardzo trudnym czasie w jej życiu. – „Ta sesja naprawdę dała mi bardzo dużo otuchy w ciężkim czasie” – wyznała. Na koniec rozmowy obie podkreśliły, że kobiety powinny wspierać się nie tylko modowo, ale również życiowo. – „Wspierajmy się, drogie panie, w każdej kwestii, nie tylko w kwestiach garderoby” – mówiła Sylwia. *** Cały odcinek „Czaja Wyczaja z Vivą” z udziałem Sylwii Bomby można obejrzeć na YouTubie. View oEmbed on the source website
Subtelny luksus zamiast przypadkowego drobiazgu. Te prezenty na Dzień Matki zrobią największe wrażenie.
Subtelny luksus, ponadczasowe dodatki i prezenty, które mają znaczenie większe niż chwilowy efekt „wow”. W tym sezonie Dzień Matki inspiruje do wybierania rzeczy pięknych, eleganckich i osobistych — od biżuterii z emocjonalnym przesłaniem, przez wyselekcjonowane kosmetyki, po modne akcesoria w estetyce quiet luxury, które zostają z mamą na długo.
W Dzień Matki liczy się gest, emocje i prezent, który zostaje na dłużej — nie tylko jako piękny przedmiot, ale też wspomnienie. W tym sezonie marki stawiają na subtelny luksus, osobiste znaczenie i przedmioty, które mają opowiadać historię. Od biżuterii z przesłaniem, przez modne dodatki i kosmetyki premium, aż po drobne przyjemności dostarczane pod same drzwi. ZOBACZ TAKŻE: Wystarczy jedna para tych sandałów. Pasują do letnich spódnic, szortów i szerokich spodni. Prezent, który mówi „dziękuję” bardziej niż tysiąc słów Niektóre upominki mają w sobie coś więcej niż estetykę. Są symbolem troski, wdzięczności i uważności. Właśnie dlatego coraz większą popularnością cieszą się prezenty, które łączą design z emocjonalnym znaczeniem. Marka TOUS proponuje w tym roku biżuterię inspirowaną bliskością i codzienną obecnością. Delikatne naszyjniki z literami „MA MA” czy minimalistyczne formy, które można nosić każdego dnia, wpisują się w trend ponadczasowych prezentów — subtelnych, ale bardzo osobistych. Jak podkreśla marka, Dzień Matki to moment, w którym chcemy powiedzieć „dziękuję” za codzienność, wsparcie i obecność. Z kolei jubilerska marka SADVA udowadnia, że biżuteria może mieć także realną moc pomagania. Bransoletka „Niepowtarzalna”, stworzona we współpracy z Fundacją Niepowtarzalni, wspiera rodziny dzieci z chorobami rzadkimi. Cały dochód z jej sprzedaży trafia na działania fundacji wspierającej rodziny mierzące się z codziennymi wyzwaniami zdrowotnymi. Luksusowe dodatki, które wyglądają jak z garderoby paryskiej it-girl Jeśli mama kocha modę i ponadczasową elegancję, luksusowe akcesoria pozostają jednym z najbardziej pożądanych prezentów. W tym sezonie uwagę przyciągają szczególnie dodatki utrzymane w estetyce effortless chic. CZYTAJ TEŻ: Gwiazdy, błysk fleszy i Gucci w centrum Manhattanu. Takiego show jeszcze nie było! Klapki Dior Médaillon z kolekcji Dioriviera to przykład letniego luksusu w najbardziej subtelnym wydaniu. Inspirowane wakacyjnymi kolekcjami domu mody Dior, łączą naturalne materiały z minimalistycznym wykończeniem i charakterystycznym medalionem marki. To model, który równie dobrze wygląda podczas urlopu na południu Francji, jak i w miejskich stylizacjach noszonych latem. W podobnym klimacie utrzymane są eleganckie portfele OCHNIK w odcieniach kremu. To praktyczny prezent, który nie traci modowego charakteru. Minimalistyczne formy, subtelne przeszycia i funkcjonalne wnętrza sprawiają, że taki dodatek zostaje z właścicielką na lata. Biżuteria inspirowana sztuką i emocjami Wśród tegorocznych propozycji szczególnie mocno wybrzmiewa trend biżuterii inspirowanej sztuką, kolorem i indywidualnością. Swarovski prezentuje kolekcję Gema, inspirowaną twórczością Gustava Klimta. Kaskadowe kompozycje kryształów w pastelowych odcieniach różu, błękitu, zieleni i fioletu przyciągają uwagę, ale jednocześnie pozostają niezwykle eleganckie. To propozycja dla mam, które lubią biżuterię wyrazistą, ale nadal bardzo kobiecą i lekką. Zwłaszcza że kolorowa biżuteria wraca dziś do łask nie tylko jako dodatek na specjalne okazje, ale także element codziennych stylizacji. Beauty essentials, których pragnie każda mama Kosmetyki od lat pozostają jednym z najpopularniejszych prezentów na Dzień Matki, ale w tym sezonie liczy się coś więcej niż klasyczny zestaw „na szybko”. Trend quiet luxury przeniósł się także do świata beauty — dziś wybieramy produkty, które nie tylko pięknie wyglądają na łazienkowej półce, ale przede wszystkim wpisują się w codzienne rytuały self-care. Wśród tegorocznych propozycji uwagę przyciąga kultowe Double Serum od Clarins — pielęgnacyjny klasyk inspirowany działaniem skóry, który od lat pozostaje jednym z najbardziej pożądanych kosmetyków premium. Dwufazowa formuła z ekstraktami roślinnymi ma przywracać cerze blask i efekt wypoczętej skóry nawet po najbardziej intensywnych tygodniach. Coraz większą popularnością cieszą się też prezenty beauty z osobistym akcentem. Ikoniczny Magic Cream od Charlotte Tilbury dostępny jest w specjalnej edycji na Dzień Matki, którą można dodatkowo spersonalizować dedykacją lub imieniem. To elegancki upominek, który łączy luksusowy charakter z emocjonalnym znaczeniem. Dla mam, które lubią efekt naturalnie rozświetlonej cery, świetnym wyborem będzie Face Contouring Palette od Dr Ireny Eris. Paleta łącząca bronzery, róż i rozświetlacz wpisuje się w trend świeżego, subtelnego makijażu, który wygląda subtelnie, a zarazem efektownie. Nie brakuje też propozycji dla fanek świadomej pielęgnacji i domowego self-care. Etat Pur stawia na minimalistyczne formuły odpowiadające na konkretne potrzeby skóry, m.in. serum Pure Active Peptide-4 Pro-Collagen stworzone z myślą o wygładzeniu i poprawie jędrności cery. L’Oréal Paris proponuje nowoczesne Le Duo Serum łączące kilka aktywnych składników w jednym produkcie, a kolorowe zestawy od Lush przypominają, że pielęgnacja może być także małą codzienną przyjemnością. Drobne przyjemności dostarczane pod drzwi Coraz częściej najpiękniejszym prezentem okazuje się… chwila odpoczynku. I właśnie na ten aspekt zwraca uwagę Wolt, przypominając, że Dzień Matki można celebrować także poprzez małe codzienne gesty i przyjemności dostarczane prosto pod drzwi. Kwiaty, ulubione kosmetyki, śniadanie z modnej kawiarni, dobre sushi czy pudełko rzemieślniczych czekoladek mogą być równie znaczące jak luksusowy prezent. Nowoczesny lifestyle to dziś także wygoda, uważność i możliwość podarowania komuś chwili tylko dla siebie — bez pośpiechu i organizacyjnego stresu. Takie rozwiązania oferują dziś także inne platformy dostaw, jak Glovo czy Lisek.app To właśnie drobne codzienne rytuały — matcha zamówiona do domu, bukiet sezonowych kwiatów czy ulubiony skincare — coraz częściej definiują współczesny quiet luxury. Najmodniejsze prezenty? Te, które zostają na długo W tym roku trendy prezentowe wyraźnie odchodzą od przypadkowych zakupów. Liczą się emocje, znaczenie i jakość. Niezależnie od tego, czy będzie to luksusowy dodatek, symboliczna biżuteria czy drobna przyjemność dostarczona pod drzwi — najważniejsze pozostaje jedno: żeby mama poczuła się naprawdę zauważona.
Dziś Jerzy Antkowiak kończy 91 lat. Gdyby urodził się w Paryżu, byłby drugim Diorem!
Mały, uroczy sklep z kapeluszami w przedwojennym Wolsztynie. Czteroletni chłopiec biega między półkami, przebiera kolorowe wstążki, dopasowuje do kapeluszy i podaje zaskoczonym klientkom. “Bo trzeba wiedzieć, że przed wojną, wszystkie panie obowiązkowo nosiły kapelusze. To było jak kropka nad i, wykończenie stroju” - wyjaśni po latach “mały chłopiec”, czyli nasłynniejszy polski projektant mody czasów PRL Jerzy Antkowiak. Tak narodziła się jego największa życiowa pasja, jego miłość i jego zawód - projektowanie mody - kiedy jako dziecko pomagał swojej mamie, właścicielce sklepu z kapeluszami.
Urodził się 18 maja 1935 roku w Wolsztynie. Jednak w młodości wybierając kierunek studiów, zapomniał o kapeluszach i wstążkach. Wybrał malarstwo architektoniczne ze specjalnością ceramika na ASP we Wrocławiu. Chociaż, nawet jak rysował akty, to jednak zawsze musiał domalować fragment ubrania: jakąś udrapowaną materię, albo chociaż kokardę. Jedna z profesorek powiedziała mu kiedyś: „A nasz Jureczek konfekcję maluje”. Wtedy nawet nie wiedział, co to znaczy konfekcja. Chociaż już wtedy, razem z kolegami z roku, uprawiali modowe szaleństwo: farbowali ciuchy, nosili wielkie workowate swetrzyska, byli zafascynowani włoskim neorealizmem. Cytaty pochodzą z wywiadu Ewy Wojciechowskiej z Jerzym Antkowiakiem w 2009 roku, w Komorowie. Miłość od pierwszego wejrzenia Na studiach pan Jerzy zafascynował się panią Daną. Jak wspomina w książce “Antkowiak. Niegrzeczny chłopiec polskiej mody” zakochał się w przyszłej żonie, Danucie Piąty od pierwszego wejrzenia. Miała nietypową, cygańską urodę, czarne włosy i oczy, śniadą cerę, chłopięcą sylwetkę i chłodny, zdystansowany sposób bycia. To dla niej projektował pierwsze sukienki. Również tę ślubną. “Bardzo wstydziliśmy się powiedzieć krawcowej, że panna młoda spodziewa się dziecka. Ta jednak sama się zorientowała i nie komentowała tego. Zaprojektowaliśmy wspólnie suknie, zgodną z modą, spódnica odcięta w pasie, skrojona ze skosu, z pełnego koła”. Pan Jerzy do dziś pamięta każdy detal sukienki. Po ślubie z panią Daną, jak zawsze nazywał żonę, przeprowadzili się pod Warszawę, do Komorowa, gdzie mieszkali przez całe życie w pięknym domu z ogrodem. Tam wychowywali swoje dzieci: córkę Dominikę i syna Kajetana. Dominika była wyjątkowo uzdolniona tanecznie i do 40.roku życia tańczyła w balecie. Kajetan, na prośbę ojca, pracował jako model w Modzie Polskiej, chociaż nie do końca było mu z tym po drodze. Oczarowanie i grom z jasnego nieba Na początku lat 60. Jerzy Antkowiak, przez przypadek trafił do Pałacu Kultury na Wystawę Wzornictwa Przemysłowego, gdzie odbywał się pokaz Mody Polskiej. “Zaniemówiłem. Stanąłem jak wryty oglądając modelki na wybiegu prezentujące najnowszą kolekcję. Nie potrafię opisać tego stanu, ale po prostu poczułem, że to jest to! Nie namyślając się długo, poszedłem za kulisy, prosto do Jadwigi Grabowskiej, ówczesnej dyrektorki Mody Polskiej, wyroczni, zwanej polską Coco Chanel i patrząc jej śmiało w oczy wypaliłem, że moda jest dla mnie wszystkim, od dawna projektuję i chciałbym z nią pracować. Pani Jadwiga spojrzała na mnie i zapytała: „A co, ty chłopczyku w ogóle robisz?”, a ja na to, że skończyłem ceramikę na ASP, a ona: „To się świetnie składa, bo potrzebujemy serwisu do kawy”. Serwis do kawy rzeczywiście później zaprojektował, ale żeby do tego doszło, przez całą noc, przed spotkaniem ze słynną Grabolką, rysował projekty, aby następnego dnia “udowodnić” swoją miłość do mody. Projekty miały wyglądać na „profesjonalne” i rysowane od kilkunastu lat, musiał je więc lekko pobrudzić, zalać trochę herbatą, pognieść. Jadwiga Grabowska obejrzała rysunki, szepcząc pod nosem do swojej asystentki: „No tak, ten mały rzeczywiście zna się na rzeczy”. I tak rozpoczęła się jego największa przygoda - w 1961 roku Antkowiak został zatrudniony w Modzie Polskiej. Zaczynał od podawania butów Teresie Tuszyńskiej, która wówczas pracowała jako modelka Mody Polskiej, ale z czasem zyskał coraz większe zaufanie u Grabolki i pozwalała mu projektować kolekcje na wybieg. Głównie suknie wieczorowe i karnawałowe, bo to kochał najbardziej. W czasach PRL, to była praca-marzenie. Nie tylko kreatywna i twórcza, z wyjątkowymi ludźmi, ówczesnymi gwiazdami estrady, ale dająca również możliwość wyjazdów zagranicznych, do Paryża! To było coś, o czym inni ludzie mogli tylko pomarzyć. W Paryżu chłonęli kulturę i sztukę. Chodzili na wystawy do muzeów i do kina na filmy, które w Polsce były zakazane. Antkowiak poznał tam słynnego projektanta Teda Lapidusa, który woził ich po mieście kabrioletem, a później zaprosił go do współpracy przy zaprojektowaniu kolekcji w jego domu mody. “Dla niego to było normalne, ale niestety u nas okazało się, że to normalne nie jest. Mało tego, że to jest policzek dla naszego ustroju! Lapidus przesłał telegram do Mody Polskiej, że wyjedża na miesiąc w Alpy, zostawia mi mieszkanie i zaprasza do pracy. Ale u nas chodzili z tym listem jak ze śmierdzącym jajem, zastanawiali się co to znaczy, patrzyli na mnie podejrzanie, że mam jakieś kontakty zagraniczne. Oczywiście, nie pozwolili mi pojechać. Wysłałem mu telegram z podziękowaniem. Poradzono mi, żebym napisał, że to z powodu zobowiązań wobec Mody Polskiej, a nie, że mnie nie chcą puścić.” Moda Polska jako tzw.przedsiębiorstwo państwowe podlegała cenzurze partyjnych sekretarzy, którzy oglądali każdą kolekcję przed jej premierą. Jerzy Antkowiak miał do tego zdroworozsądkowe podejście i tak to wspomina: “Oni niby chcieli oceniać, ale byli zbyt prymitywni, żeby to robić. Przede wszystkim gapili się na nasze modelki. Ale oczywiście wygłaszali mądrości w stylu: No, moja żona by tego nie założyła! Mówiąc wprost, to było takie buraczane towarzystwo. Szli potem “z opinią” do swojego nadsekretarza, czy innego ministra i mówili mu: „No dobrze, dobrze, ciekawe to było towarzyszu, pójdziecie z żoną na pokaz, zobaczycie sami”. Od głównego projektanta do … magazyniera Swoją ostatnią kolekcję dla Mody Polskiej, Jerzy Antkowiak zaprojektował w 1998 roku. To zdecydowanie najbardziej bolesne i przykre wspomnienie dla niego: “W 98 roku byłem po raz ostatni jako przedstawiciel Mody Polskiej na pokazach pret-a-porter w Paryżu. Po powrocie zrobiliśmy nasz pokaz. Wszyscy czuliśmy, że to koniec. Właścicielem firmy był już wówczas Kredyt Bank. Ostatni pokaz zrobiliśmy w siedzibie Mody, przy ul. Kubusia Puchatka, bo nie było pieniędzy na wynajęcie sali. Impreza przypominała bardziej stypę. Do małej salki, w której mieściło się kilka osób, wcisnęło się 60, trochę prasy i przyjaciół MP. Po pokazie upiliśmy się wszyscy z żalu. Nowy właściciel zaproponował mi później posadę magazyniera… I nawet się uśmiałem, bo pomyślałem: fajnie to będzie w moim życiorysie wyglądało: główny projektant MP, a potem magazynier. Posady magazyniera pan Jerzy nie przyjął. Chociaż początkowo nawet chciał. Przyjaciele i znajomi z pracy, skutecznie mu odradzili. Dziś pan Jerzy mieszka w swoim domu w Komorowie. Już sam. Ukochana pani Dana odeszła kilka lat temu. Jerzy Antkowiak przepracował jako projektant w Modzie Polskiej całe swoje życie. Pani Dana jako farmaceutka pracowała w aptece. Jako para byli jak ogień i woda, ale spędzili razem ponad 60 lat. 18 maja Jerzy Antkowiak skończył 91 lat i cały czas jest niezwykle czynny zawodowo: otwiera kolejne wystawy Mody Polskiej, maluje obrazy, pisze felietony o modzie. O zapomnianym panu Jerzym, przypomniał światu, inny projektant Tomasz Ossoliński, który w 2018 roku zorganizował pierwszą w historii, przekrojową wystawę projektów Mody Polskiej w Muzeum Włókiennictwa w Łodzi, a w 2024 roku przygotował również film dokumentalny “A jak Antkowiak”. Tradycyjnie w jego urodziny, do Komorowa zjeżdzają jego ukochane modelki i modele z Mody Polskiej. Pan Jerzy gotuje dla wszystkich gulasz! A potem siadają na werandzie przy urodzinowym torcie szacownego jubilata i wspominają dawne, piękne czasy. Kiedyś Jerzy Antkowiak powiedział, że w czasach PRL-u było i straszno i śmieszno. Po latach dodał: "Jednak zdecydowanie uważam, ze w naszym kraju było bardziej śmieszno niż straszno. Bo naprawdę straszno, to było w Czechach, na Węgrzech, w NRD. U nas to były piękne czasy. Teraz, z perspektywy, doceniam jeszcze bardziej, że przez to, że czasy były tak ciężkie i siermiężne, wyzwalały w nas dodatkowa energię do tworzenia." SPRAWDŹ TEŻ: „Jesteśmy, jak stare małżeństwo!”, Jerzy Antkowiak o swojej przyjaźni z Tomaszem Ossolińskim
Na mapie Warszawy pojawiło się miejsce, które wygląda jak galeria sztuki. Trafiają tu kobiety, które nie kupują torebek impulsywnie!
Dziesięć lat temu Monika Kalicińska miała pomysł. Dziś Mandel to polska marka torebek, która robi furorę w Paryżu i Kopenhadze i właśnie otworzyła w Warszawie przestrzeń, która jest najlepszym dotychczas wyrazem tego, czym ta marka naprawdę jest.
Są marki, które się ogląda. I są marki, które się rozumie — dopiero po tym, jak trzyma się ich produkt w dłoni. Mandel należy zdecydowanie do tej drugiej kategorii. Nowy showroom przy Nowogrodzkiej 18A/1 w Warszawie to przestrzeń, w której to rozumienie przychodzi szybko. Białe ściany, kamienne cokoły, torebki ustawione jak eksponaty w prywatnym muzeum designu. Każdy detal przemyślany, każda ekspozycja celowa. To nie jest sklep w tradycyjnym sensie — to manifest dziesięciu lat pracy, zamknięty w kilkuset metrach kwadratowych przy jednej z najbardziej eleganckich ulic stolicy. Dekada, która zaczęła się od jednego produktu Monika Kalicińska założyła Mandel w 2015 roku — jako studentka architektury krajobrazu, z jednym pomysłem i pierwszą sesją w szklarni rodziców. Produkt? "Portphonetka" — torebka z przyssawkami na telefon, która z modą miała wtedy niewiele wspólnego. Ale miała coś innego: odpowiadała na realną potrzebę kobiety, która nie chce nosić ze sobą więcej niż musi. To była zapowiedź filozofii, która definiuje markę do dziś. Przełom nastąpił w 2018 roku, gdy Mandel stworzył Phone Purse — model łączący miejsce na telefon, szminkę i karty — i z marki gadżetowej stał się marką modową. Bestsellerowy Phone Purse sprzedaje się do dziś. Kolejne kolekcje przyniosły kolejne kultowe modele: "LUNCH" z Croisantem, Lotusem i Dumplingiem, "Marroni," a wreszcie linia "GLUTEN MORGEN" z modelami Bohen, Büla, Toast i Briosche — która podbiła serca kobiet w Polsce i za granicą. Od Warszawy do Paryża i Kopenhagi Dziesięć lat to czas, w którym Mandel przeszedł drogę, którą większość polskich marek modowych przebywa znacznie dłużej. W 2023 roku marka otworzyła własną szwalnię, co oznaczało pełną kontrolę nad każdym etapem produkcji i możliwość skalowania jakości bez kompromisów. W 2025 roku otworzył showroom w Paryżu. Na początku 2026 roku — pop-up w prestiżowym domu towarowym Illum w Kopenhadze. Dziś torebki Mandel noszą duńskie it-girls Jeanette Madsen i Thory Valdimars, a w Polsce — Maja Ostaszewska, Julia Wieniawa i Sylwia Butor. Nie dlatego, że marka je o to prosiła. Dlatego, że chciały. Nowy showroom — to samo miejsce, zupełnie inny poziom Adres pozostaje ten sam — legendarna kamienica przy Nowogrodzkiej 18A Ale Mandel przeniósł się trzy piętra niżej i zaprojektował przestrzeń od zera, tak żeby oddać to, czym marka jest w 2026 roku: dojrzała, precyzyjna, z wyraźną tożsamością estetyczną. W showroomie dostępna jest pełna kolekcja — wszystkie modele, kolory i konfiguracje pasków i uchwytów. To ważne, bo każda torebka Mandel ma wymienne uchwyty i paski: ta sama torba nosi się zupełnie inaczej na długim pasku niż w dłoni — i tej różnicy po prostu nie da się ocenić na zdjęciu. Końcówka 2025 roku przyniosła też debiut linii akcesoriów i autorskiej biżuterii "Signature M" — kolejny rozdział marki, która konsekwentnie buduje kompletny świat, a nie tylko kolekcję sezonową. — Te 10 lat to droga od jednego pomysłu do własnej szwalni i obecności na najważniejszych rynkach modowych. Nowy showroom na Nowogrodzkiej to dla nas symbol tej drogi: jesteśmy w tym samym miejscu, ale na zupełnie innym poziomie — mówi Monika Kalicińska.\
Wyjątkowa opowieść o modzie. Nowy film dla MMC Studio zachwyca detalami
Nowy film dla MMC Studio, wyreżyserowany przez Marcin Ziółko, to nowoczesna, immersyjna interpretacja kolekcji inspirowana żywiołem wody. Projekt łączy filmową narrację wizualną z autorską kompozycją muzyczną stworzoną specjalnie na potrzeby produkcji.
Punktem wyjścia dla koncepcji była woda — jej płynność, transparentność i siła. Modelki stają się integralną częścią przestrzeni, wyłaniając się zza półprzezroczystych powierzchni, co buduje wrażenie zanurzenia pod wodą i tworzy hipnotyczny, niemal nierealny klimat. Jasna, świetlista scenografia eksponuje detale kolekcji, podkreślając strukturę, ruch i formę projektów. W filmie wykorzystano również szklane pryzmaty, które subtelnie nawiązują do refleksów wodnych i organicznej zmienności powierzchni. Całość została oparta na płynnym ruchu kamery i minimalistycznej, współczesnej estetyce, balansującej pomiędzy modą, sztuką wizualną a eksperymentalnym obrazem filmowym. Integralnym elementem projektu jest muzyka za którą stoi Zigy Iva i Pyotr Radzio skomponowana specjalnie do filmu i pokazu kolekcji. Sound design i kompozycja odwołują się zarówno do delikatności i płynności wody, jak i do jej pierwotnej, nieokiełznanej energii. Warstwa dźwiękowa buduje napięcie i nadaje całości futurystyczny, emocjonalny charakter. Muzyka dostępna jest na wszystkich Platformach streamingowych pod tym samym tytułem co kolekcja duetu MMC - "Sirens" którą można znaleźć na platformach streamingowych autora - Zigy Iva. Film powstał jako wielowymiarowe doświadczenie wizualno-dźwiękowe, którego celem było stworzenie nowoczesnego języka opowiadania o modzie — sensualnego, wyrazistego i zanurzonego w ruchu. www.youtube.com/watch?v=WfiLQTWxqjw
"Tworzymy modę z potrzeby bycia blisko kobiet". Założycielki marki Bizuu opowiadają o swojej drodze do sukcesu
Zaczęło się od przyjaźni. I od miłości do mody. To sprawiło, że Blanka Jordan i Zuzanna Wachowiak postanowiły założyć Bizuu. Dziś ich marka obchodzi 15-lecie istnienia i dla wielu kobiet jest synonimem dobrego stylu. Jak to się udało? Przepis na sukces jest zaskakująco prosty - być blisko i słuchać.
– 15 lat marki to moment refleksji. Gdybyście miały wrócić do początku – od czego naprawdę zaczęło się Bizuu? Blanka Jordan: Od potrzeby. Nie od strategii, nie od wielkiego planu. Od bardzo prostego impulsu – tworzenia dla kobiet, które były blisko nas. Na początku wszystko było kameralne. Projektowałyśmy rzeczy dla przyjaciółek, obserwowałyśmy ich reakcje, słuchałyśmy. I to właśnie one nauczyły nas, czym ubranie naprawdę jest dla kobiety. Z tej bliskości powstało coś, co dziś ma swoją skalę. Zuzanna Wachowiak: Ta bliskość została z nami do dziś. Nawet kiedy marka się rozwinęła, kiedy pojawiła się większa skala, nie chciałyśmy jej stracić. Bo dla nas moda nigdy nie była tylko produktem. To zawsze była relacja. Bizuu często mówi o kobiecości, ale nie definiuje jej w jeden sposób. Kim jest kobieta Bizuu? Zuzanna: Nie ma jednej odpowiedzi – i to jest najpiękniejsze. Każda kobieta jest inna, każda opowiada swoją historię. My nie chcemy jej zamykać w ramie. Blanka: Dajemy przestrzeń. Kobieta może być subtelna albo wyrazista, spokojna albo pełna energii. Bizuu towarzyszy jej w tym wszystkim. To jest bardzo ważne – nie narzucamy, tylko wspieramy. To jest też nasza filozofia jako marki – jesteśmy blisko, słuchamy, budujemy dialog. Mówicie „towarzyszymy”. To bardzo emocjonalne podejście do mody. Zuzanna: Bo moda jest emocjonalna. Sukienka to nie jest tylko forma czy materiał. To jest moment. Spotkanie. Ważny dzień. Blanka: To energia. Są dni, kiedy potrzebujesz czegoś, co doda Ci pewności. I są takie, kiedy chcesz po prostu czuć się sobą. Ubranie może to wspierać. Dlatego tak bardzo dbamy o detale. Nawet kieszenie w sukience mają znaczenie. To drobny detal, który daje większą swobodę i pewność. Wasze projekty są bardzo charakterystyczne – printy, kolory, lekkość. Skąd bierze się ta estetyka? Blanka: Z uważności. Z podróży – tych dosłownych i tych wewnętrznych. Inspiracje są wszędzie, ale trzeba się zatrzymać, żeby je zobaczyć. Zuzanna: I potem nadać im formę. To jest nasza wspólna energia – Blanka widzi szeroko, intuicyjnie, a ja staram się to uporządkować, zamknąć w konstrukcji. Blanka: Printy są dla nas szczególnie ważne. To nie są tylko wzory – to historie. Zapis emocji, światła, momentu. Bizuu często określane jest jako marka, która idzie „pod prąd”. Zuzanna: Bardziej niż „pod prąd” powiedziałabym – selektywnie. Nie robimy wszystkiego i dla wszystkich. Blanka: Skupiamy się na tym, co naprawdę ma znaczenie – na projektach, które coś wnoszą i zostają z kobietą na dłużej. Mamy swój charakter. Widać go w detalach, w printach, w formach, które są kobiece, ale nieoczywiste – jak falbany czy bufki, które potrafią zupełnie zmienić odbiór sylwetki. Wasza relacja z klientkami jest bardzo wyjątkowa. Zuzanna: Bo jest prawdziwa. Blanka: Spotykamy się na live’ach, w butikach, podczas eventów. Rozmawiamy. Śmiejemy się. Tłumaczymy, dlaczego coś powstało. To nie jest jednostronna komunikacja. To jest dialog. Zuzanna: I najpiękniejsze są momenty, kiedy kobiety dzielą się swoimi historiami. Czasem piszą, że odzyskały pewność siebie. Że zaczęły patrzeć na siebie inaczej. I to właśnie one budują tę markę najmocniej. Co dziś daje Wam największą satysfakcję? Zuzanna: To, że nasze projekty działają emocjonalnie. Że coś zmieniają. Blanka: Że kobieta zakłada sukienkę i czuje, że to „jej”. To nie jest coś, co można zaplanować. To się wydarza. A co przed Wami? Zuzanna: Chcemy dalej tworzyć rzeczy, które mają znaczenie. Blanka: Takie, które zostają z kobietą na dłużej. Gdybyście miały jednym zdaniem opisać Bizuu? Blanka: To historia, która zaczyna się od kobiety. Zuzanna: I rozwija się razem z nią. Bizuu nie powstało z potrzeby bycia marką. Powstało z potrzeby bycia blisko. Nie narzuca. Nie definiuje. Daje przestrzeń. A historia zaczyna się w momencie, w którym decydujesz się ją opowiedzieć na swój sposób. Efekty pracy Blanki Jordan i Zuzanny Wachowiak można zobaczyć tutaj.
Ten błąd w doborze kolorów robi większość kobiet. Stylistka gwiazd mówi, jak go uniknąć
Nosimy modne kolory, inspirujemy się trendami, a mimo to coś „nie gra”? Problem często nie leży w ubraniach, tylko w ich kolorze. Stylistka gwiazd i ekspertka od analizy kolorystycznej pokazuje, jak uniknąć najczęstszego błędu i wreszcie dobrać barwy idealne do swojej urody. Efekt? Świeższa twarz, młodszy wygląd i styl, który naprawdę działa.
Dlaczego jedna sukienka sprawia, że wyglądasz promiennie, a inna – niemal identyczna – dodaje lat? W najnowszym odcinku „Czaja Wyczaja z Vivą” Jola Czaja razem z ekspertką od analizy kolorystycznej biorą pod lupę kolory, które nosimy na co dzień. Pokazują na żywo, jak ogromną różnicę robi dobrze dobrana paleta – i dlaczego tak wiele kobiet wciąż popełnia ten sam błąd. Przy okazji zdradzają, jak nosić modne groszki, by wyglądały nowocześnie, a nie retro. Analiza kolorystyczna – dlaczego to zmienia wszystko? Najczęstszy błąd? Wybieranie kolorów „bo są modne”, „bo ktoś tak nosi” albo „bo dobrze wyglądały na wieszaku”. Tymczasem to nie ubranie jest punktem odniesienia, tylko Twoja uroda. Kolor ma z nią współgrać – podkreślać ją, a nie z nią konkurować. I właśnie dlatego analiza kolorystyczna potrafi całkowicie zmienić sposób, w jaki patrzysz na swoją szafę. „Jak bardzo ważna jest taka analiza, widzimy od razu – jeden kolor dodaje blasku, a inny sprawia, że wyglądamy na zmęczone” – mówi Jola Czaja. W odcinku widać to bardzo wyraźnie. Ekspertka przykłada do twarzy różne odcienie tkanin – bez makijażu, bez żadnych trików. Nagle okazuje się, że w jednym kolorze twarz wygląda świeżo, oczy są wyraźniejsze, a cera jakby nabiera życia. W kolejnym – niemal identycznym – wszystko gaśnie. Skóra wydaje się poszarzała, rysy mniej wyraziste, a spojrzenie traci blask. „Zobaczcie – tu nagle pojawia się oko, usta, a tu wszystko znika. To robi tylko kolor” – komentuje Jola. To właśnie moment, w którym wiele kobiet uświadamia sobie, że problem nie leży w ubraniach, tylko w ich odcieniu. Bo analiza kolorystyczna to nie tylko podział na ciepłe i chłodne barwy. Liczy się również intensywność koloru, jego głębia i kontrast – czyli to, jak mocno odcina się od Twojej urody lub jak subtelnie się z nią stapia. Dlatego dwie osoby mogą założyć tę samą rzecz i wyglądać zupełnie inaczej. Jedna będzie promienna i wyrazista, druga – przygaszona, mimo że ubranie jest dokładnie takie samo. Największa zmiana zaczyna się w momencie, kiedy przestajesz wybierać „ładne rzeczy”, a zaczynasz wybierać te, które są dobre dla Ciebie. Nagle zakupy stają się prostsze, szafa bardziej spójna, a styl – naturalny i niewymuszony. „To nie ubranie ma grać pierwsze skrzypce – tylko Ty. Kolor ma podkreślać urodę, a nie ją przykrywać” – podsumowuje Jola Czaja. Jak rozpoznać, że kolor Ci nie służy? 4 sygnały ostrzegawcze Nie potrzebujesz profesjonalnej analizy kolorystycznej, żeby zauważyć, że coś „nie gra”. Twoja twarz bardzo szybko reaguje na kolor – tylko często nie wiemy, na co dokładnie patrzeć. Tymczasem są konkretne sygnały, które pojawiają się niemal natychmiast, gdy odcień jest nietrafiony. Pierwszy to skóra, która zaczyna wyglądać na zmęczoną, ziemistą albo poszarzałą – nawet jeśli jesteś wypoczęta. To szczególnie widoczne przy kolorach zbyt chłodnych lub zbyt „zgaszonych” dla Twojego typu urody. Znika naturalny blask, a cera sprawia wrażenie matowej i pozbawionej życia. Drugi sygnał to cienie pod oczami. W źle dobranym kolorze stają się bardziej widoczne, głębsze, a czasem wręcz sinieją. To efekt kontrastu – kolor zamiast wyrównywać optycznie koloryt skóry, podkreśla to, co chcemy ukryć. Trzecia rzecz to wyrazistość rysów. W odpowiednim kolorze oczy „wychodzą na pierwszy plan”, tęczówka wydaje się bardziej nasycona, a spojrzenie wyraźniejsze. W złym – wszystko się rozmywa. Oczy tracą głębię, usta bledną, a twarz wygląda płasko. Czwarty sygnał często zaskakuje najbardziej: makijaż nagle przestaje działać. Podkład wygląda ciężej, róż jest zbyt intensywny albo wręcz niewidoczny, a szminka zaczyna dominować zamiast dopełniać całość. To znak, że kolor ubrania „gryzie się” z Twoją naturalną paletą. „Zobaczcie, jak gasi się uroda, kiedy gasi się kolor” – podkreśla Jola Czaja. Warto zrobić prosty test w domu: stań przy naturalnym świetle i przykładaj do twarzy różne kolory – bluzki, szaliki, nawet kartki papieru. Nie skupiaj się na tym, czy kolor Ci się podoba, tylko na tym, co robi z Twoją twarzą. Różnica często jest natychmiastowa. Dobrze dobrany kolor działa dokładnie odwrotnie. Skóra wygląda świeżo i promiennie, oczy nabierają wyrazistości, a rysy twarzy się „porządkują”. Wiele kobiet zauważa wtedy, że potrzebują mniej makijażu – bo twarz sama wygląda dobrze. To najprostszy i najszybszy sposób, żeby zrozumieć, które kolory naprawdę są Twoje – i przestać tracić czas (i pieniądze) na te, które tylko dobrze wyglądają na wieszaku. Kontrastowa vs zgaszona uroda – który typ jesteś? To jeden z najważniejszych i jednocześnie najprostszych podziałów w analizie kolorystycznej – a przy tym taki, który daje natychmiastowe efekty w praktyce. Już na pierwszy rzut oka widać, czy Twoja uroda „lubi” kolory mocne i wyraziste, czy raczej delikatne, przytłumione. W odcinku „Czaja Wyczaja” ten kontrast jest pokazany bardzo wyraźnie. Jola reprezentuje typ kontrastowy – jej uroda „ożywa”, kiedy pojawiają się intensywne barwy. Z kolei ekspertka ma typ zgaszony, który reaguje zupełnie inaczej na te same kolory. „Ja muszę nosić kolory nasycone, kontrastowe – inaczej moja uroda znika” – mówi Jola Czaja. Co to oznacza w praktyce? Uroda kontrastowa dobrze wygląda w kolorach wyraźnych, czystych, często chłodnych i intensywnych – takich jak kobalt, amarant, soczysta czerwień czy cytrynowa żółć. To kolory, które nie konkurują z urodą, tylko ją podkreślają. Twarz staje się wtedy wyrazista, spojrzenie mocniejsze, a całość wygląda świeżo i nowocześnie. Z kolei uroda zgaszona potrzebuje dokładnie odwrotnego podejścia. Zbyt mocne kolory ją „przykrywają”, dominują nad twarzą, zamiast ją wydobywać. Znacznie lepiej sprawdzają się odcienie przydymione, miękkie, mniej kontrastowe – takie, które subtelnie stapiają się z naturalną paletą skóry, włosów i oczu. W odcinku widać to bardzo wyraźnie: kolory, które na Joli wyglądają spektakularnie, u ekspertki nagle stają się zbyt intensywne, wręcz „za ciężkie”. I odwrotnie – zgaszone odcienie, które u niej są idealne, na Joli gaszą urodę i odbierają jej energię. To najlepszy dowód na to, że nie istnieje „uniwersalna paleta”. Ten sam kolor może: – u jednej osoby podkreślić oczy i cerę, – u drugiej dodać zmęczenia i lat. Nie pożyczaj stylu – dopasuj go do siebie To jedna z najważniejszych lekcji z tego odcinka – i jednocześnie coś, co najczęściej robimy nieświadomie. Inspirujemy się koleżanką, influencerką, stylistką, zapisujemy zdjęcia stylizacji, które nam się podobają… a potem próbujemy je odtworzyć u siebie. I często coś nie działa. Dlaczego? Bo styl to nie tylko ubrania – to także Twoja uroda, kolory, proporcje i energia, jaką wnosisz do stylizacji. „Nie pożyczamy sobie ubrań ani szminek – każda z nas ma inne kolory, które działają na jej korzyść” – podsumowuje Jola Czaja. W odcinku widać to bardzo wyraźnie. Te same kolory, które u Joli wyglądają świeżo i wyraziście, u ekspertki mogą być zbyt intensywne. I odwrotnie – to, co u jednej osoby jest subtelne i eleganckie, u drugiej wygląda blado i bez życia. To dlatego nawet najlepsze inspiracje trzeba „przetłumaczyć” na siebie. Zamiast kopiować 1:1: patrz na kolory, nie tylko fasony, sprawdzaj, czy dana paleta pasuje do Twojej cery, zastanów się, czy styl podkreśla Ciebie, czy Cię przebiera. Często to właśnie kolor decyduje o tym, czy stylizacja wygląda „Twojo”, czy jak kostium. „Mogę Ci doradzać tym, co mnie pasuje – bo to jest dla mnie naturalne. Dlatego analiza kolorystyczna tak bardzo pomaga” – mówi w odcinku Jola. I to jest sedno: nawet mając dobre wyczucie stylu, intuicyjnie wybieramy to, co działa na nas – niekoniecznie na kogoś innego. Podsumowanie: jeden błąd, który zmienia wszystko Największy błąd w doborze kolorów? Ignorowanie własnej urody. Wybieranie rzeczy „ładnych”, modnych, popularnych – zamiast tych, które naprawdę nam służą. Trendy się zmieniają co sezon. Raz modne są groszki, raz minimalizm, raz mocne kolory. Ale Twoja paleta kolorystyczna pozostaje stała – i to ona powinna być punktem wyjścia. Kiedy ją poznasz, wszystko zaczyna się upraszczać. Nagle wiesz, czego szukać w sklepie. Przestajesz kupować rzeczy, które potem wiszą nienoszone. Stylizacje zaczynają się „składać” same, a Ty wyglądasz dobrze bez większego wysiłku. „To naprawdę robi ogromną różnicę – nie tylko w tym, jak wyglądamy, ale też jak się czujemy” – podkreśla Jola. Efekty są bardzo konkretne: twarz wygląda świeżej i młodziej, kolory podkreślają oczy i cerę zamiast je gasić, makijaż staje się lżejszy i bardziej naturalny, garderoba staje się spójna i funkcjonalna. A modne groszki? Noś je śmiało – ale w swojej wersji. Nie tej z manekina, nie tej z Instagrama, tylko tej, która pasuje do Twojej urody. Bo styl zaczyna się tam, gdzie kończy się kopiowanie – a zaczyna świadomy wybór.
Wyprzedaż kultowej marki i ciuchy, które można kupić od Bagiego. A to wszystko w jednym miejscu!
Wyprzedaże znanych marek, rzeczy z historią i modowy klimat, który przyciąga najbardziej stylowych – Reloved Market w Westfield Mokotów to wydarzenie, które redefiniuje zakupy i pokazuje, że second hand to dziś pierwszy wybór.
Reloved to już nie chwilowy trend, ale pełnoprawny kierunek, który zmienia zasady gry w modzie. Podczas Westfield Reloved Market przestrzeń centrum zamienia się w tętniący życiem hub stylu, gdzie spotykają się wyprzedaże kultowych marek, selekcje influencerów i nowoczesne podejście do ubrań. Wyprzedaż The Order Side i szafy Bagiego w Westfield Mokotów Największe emocje wśród fanek mody budzi wyprzedaż The Odder Side – marka po raz pierwszy otwiera swoje szafy, oddając w obieg rzeczy z osobistą historią. Aby mieć pewność, że uda się coś upolować w sobotę 25 kwietnia od godziny 12 do 20, najlepiej zarejestrować się wydarzenie na stronie Westfield Mokotów. Na miejscu tłumy pojawią się także w piątek 23 kwietnia od 12 do 20, bo właśnie wtedy obecny będzie na miejscu Bagi oraz Amelia z DRE$$CODE i oni też będą wyprzedawać swoje szafy! Jeśli nie zdążysz nic upolować to jeszcze nic straconego. Możesz bowiem przynieść ze sobą koszulkę, na którą team Babiego naprasuje hasło TEAM EARLY. Ten duet wnosi do wydarzenia energię streetwearu i tworzy wokół niego prawdziwy hype. Pamiętajmy jednak,. że Westfield Reloved Market to jednak coś więcej niż zakupy – to doświadczenie, które łączy modę, kreatywność i świadome podejście do stylu. Warsztaty dla fanów mody w weekend Oprócz wyprzedaży i spotkań, na uczestników czekają warsztaty upcyclingu i personalizacji, dzięki którym można nadać ubraniom zupełnie nowy charakter. Projekty Intu Circularity pokazują, jak kreatywnie podejść do mody cyrkularnej, a specjalne strefy inspiracji zachęcają do eksperymentowania ze stylem. Nie zabraknie też elementów lifestyle’owych. Od warsztatów IKEA, gdzie można stworzyć własne, unikalne dodatki z materiałów z recyklingu, po strefę beauty Kiehl’s z konsultacjami i podejściem do pielęgnacji w duchu „less waste”. Całość spina RE-LOVED GUIDE – przewodnik po rozwiązaniach marek, które stawiają na refill, naprawę i świadome wybory. Wybierzesz się?
Opowieść o kobiecości bez gotowego scenariusza. Każda z nas pisze ją inaczej
Choć przez lata próbowano ją uporządkować i nazwać, kobiecość coraz śmielej wraca do swojej naturalnej, nieokiełznanej formy. To właśnie ta zmiana staje się punktem wyjścia dla opowieści, którą snuje Magdalena Lamparska w „Sztuce kobiecości”, czyli najnowszej kampanii wiosna-lato 2026 marki Solar. Aktorka zaprasza do spojrzenia na kobiecość jako na proces – zmienny, osobisty i głęboko indywidualny.
Coraz więcej kobiet przestaje grać role napisane przez innych. Zamiast dopasowywać się do cudzych wyobrażeń, wybierają własny rytm i własne zasady. Moda staje się jednym z narzędzi tej zmiany. Nie narzuca, lecz towarzyszy. Nie definiuje, lecz podkreśla. To właśnie w tej subtelnej relacji między ubraniem a osobowością kryje się siła najnowszej kolekcji Solar. W kampanii wiosna-lato 2026 o nazwie „Sztuka kobiecości” wybrzmiewa spokój, ale i pewność siebie. To opowieść o dojrzewaniu do własnych wyborów i akceptacji tego, co nieidealne. W tym kontekście ubrania przestają być jedynie estetycznym dodatkiem, a zaczynają pełnić rolę cichego sprzymierzeńca codzienności. View Ediplayer on the source website Magdalena Lamparska o kobiecości bez definicji Magdalena Lamparska od lat konsekwentnie buduje swoją drogę w zgodzie ze sobą. Aktorka, która nie boi się mówić o presji, oczekiwaniach i zmęczeniu ciągłym udowadnianiem swojej wartości, wnosi do kampanii szczerość i dojrzałość. Jej obecność nie jest przypadkowa. Reprezentuje kobiecość, która nie potrzebuje potwierdzenia z zewnątrz, by istnieć w pełni. W kampanii Lamparska przypomina, że kobiecość jest żywiołem. Zmienna, nieprzewidywalna, wolna. To przestrzeń, w której mieszczą się zarówno siła, jak i wrażliwość. Zarówno zwycięstwa, jak i błędy. Naturalna elegancja i swoboda Solar rozwija tę opowieść językiem mody. W wiosenno-letniej kolekcji dominują proste linie i wydłużone proporcje, które nadają sylwetce lekkości. Ubrania płynnie układają się na ciele, nie ograniczając ruchów. Widać tu świadome odejście od sztywnej formy na rzecz swobody. Szerokie spodnie, miękko opadające sukienki i luźne marynarki tworzą garderobę, która odpowiada na potrzebę komfortu. To moda, która nie przytłacza, lecz pozwala oddychać. Naturalność staje się jej największym atutem. Kolory inspirowane południem Paleta barw czerpie z natury słonecznych krajobrazów. Dominują tu złamane biele, ciepłe beże oraz odcienie piasku i ziemi. Te kolory budują spójną, spokojną bazę, która podkreśla autentyczność stylu. Obok nich pojawiają się mocniejsze akcenty. Tkaniny w etniczne printy w odcieniach ceglanej czerwieni czy kontrastowe, czarno-białe kwiaty wprowadzają dynamikę. To balans między subtelnością a wyrazistością, który odzwierciedla zmienność kobiecej natury. Faktury i detale z charakterem Kolekcja wyróżnia się różnorodnością faktur. Lekkie, przewiewne materiały współgrają z bardziej strukturalnymi tkaninami. Denim zestawiony z miękkimi dzianinami czy gładkimi powierzchniami tworzy interesujące kontrasty. Detale pozostają oszczędne, ale znaczące. Delikatne przeszycia, subtelne wiązania czy minimalistyczne dodatki podkreślają jakość i przemyślaną konstrukcję projektów. Nic nie jest przypadkowe, choć całość sprawia wrażenie niewymuszonej. Kobiecość jako proces twórczy W centrum tej kolekcji znajduje się idea kobiecości jako sztuki. Nie jest ona zamkniętym obrazem, lecz procesem. Każda stylizacja staje się formą ekspresji, a każda kobieta – jej autorką. Marka konsekwentnie podkreśla, że nie istnieje jedna definicja kobiecości. Może być spokojna lub intensywna, minimalistyczna lub wyrazista. Może zmieniać się wraz z nastrojem, etapem życia czy miejscem. Ta różnorodność znajduje odzwierciedlenie w kolekcji. Od lekkich, dzianinowych sukienek idealnych na letnie poranki, po bardziej strukturalne zestawy o wyraźnym charakterze. Każdy element daje przestrzeń do interpretacji. Solar zapowiada również kolejne historie kobiet, które podzielą się własnym rozumieniem kobiecości. Będzie to opowieść spójna, ale otwarta – taka, która może mieć wiele scenariuszy i wiele zwrotów akcji. Taka, która nie narzuca odpowiedzi, lecz zachęca do ich szukania we własnym rytmie. Materiał promocyjny marki Solar
Silesia Influencer Lab – wyjątkowy wieczór mody w Katowicach
W Silesia City Center wydarzyło się coś więcej niż pokaz mody. To doświadczenie, które redefiniuje pojęcie zakupów premium. 12 kwietnia przestrzeń centrum zamieniła się w scenografię rodem z wybiegów Dior i Gucci, a moda spotkała się z niezwykłymi emocjami i kobiecą energią.
Moda, która wychodzi poza ramy zakupów 12 kwietnia Silesia City Center stała się przestrzenią immersyjnego doświadczenia modowego. Silesia Influencer Lab, wydarzenie o zamkniętej formule, zgromadziło 20 influencerek z obszaru fashion, beauty i lifestyle, tworząc kameralną, ale intensywną przestrzeń inspiracji. Obecni byli między innymi: Bravve, By_Martinqa, Kokorinoo, Boskietwice, Olivka_blog, Wolffowa, Modabezfiltra, GadkaMatka, aniek.pl, Paulina_ka_, Mrokwas, alekschm, Blanka_chm, OliwkaZet, joannawojciechowska_stylist, madamesbook. Nie był to klasyczny event, ale przemyślana, wielowymiarowa akcja o stylu, w której każdy element – od scenografii po selekcję marek – budował spójne, luksusowe doświadczenia. - To niezwykłe wydarzenie powstało z myślą o kobietach, które poszukują szczególnych doświadczeń modowych i doskonałej jakości. Silesia Influencer Lab pozwoliła zanurzyć się w ekskluzywnym świecie, którego możemy doświadczać różnymi zmysłami - mówi Dominika Kowalska, Marketing Manager Silesia City Center. Silesię od lat wyróżnia obecność unikalnych marek premium, które zapewniają niezwykłe doświadczenia zakupowe, opowiadają historię, ale również oferują emocje, które są dla naszych klientek energią do działania – dodaje. View oEmbed on the source website 5 o’clock tea i estetyka slow luxury Wieczór rozpoczął się od uczty w klimacie 5 o’clock tea, wzbogaconej o elementy fine diningu. Nastrojowa muzyka harfy wprowadziła uczestniczki w świat slow luxury – subtelny, wyważony i świadomie celebrujący detale. To właśnie ten moment wyznaczył ton całego wydarzenia: moda jako doświadczenie angażujące wszystkie zmysły. Fashion show jako manifest stylu Centralnym punktem programu był fashion show, podczas którego zaprezentowano najnowsze kolekcje oraz zapachy dostępne w ofercie centrum. Wydarzenie w Silesia City Center zostało zaprojektowane tak, aby uczestniczki mogły w nim aktywnie uczestniczyć i doświadczać go różnymi zmysłami. Wśród partnerów wydarzenia znalazły się m.in. BIZUU, Orska, Armani Exchange, Marella, JEMIOL, Elisabetta Franchi, House of Theom, Design Optyk oraz Homla. - Pokaz marek takich jak Bizuu, Marella, czy biżuterii Orska pięknie zaprezentował kierunek, w którym zmierza wiosenna moda - w stronę subtelnej, świadomej kobiecości. Dominują motywy kwiatowe, zwiewne tkaniny, przeźroczystości, rękawy z objętością i dziewczęce falbany, a także miękkie materiały, które naturalnie podkreślają talię i pracują w ruchu. Widać też wyraźny powrót denimu, ale w nowym, bardziej dopracowanym wydaniu, z autorskimi printami i dekoracyjnymi detalami. Kolorystycznie to sezon świeżości: błękity w różnych tonach, od jasnych po głębsze, oraz biel w odcieniu cloud dancer, które razem budują lekki, elegancki efekt. To moda, która nie potrzebuje nadmiaru. Jest delikatna, ale jednocześnie bardzo pewna siebie - mówi Joanna Wojciechowska, stylistka. Event, który zostaje na dłużej Silesia Influencer Lab powstało z myślą o kobietach poszukujących jakości i emocji zamkniętych w estetycznym doświadczeniu. Jak podkreśla Dominika Kowalska, Marketing Manager Silesia City Center, wydarzenie było próbą stworzenia przestrzeni, w której moda nie tylko inspiruje, ale realnie wpływa na sposób, w jaki uczestniczki postrzegają styl i codzienność. Dekoracje inspirowane światem Dior i Gucci dopełniły całości, budując atmosferę, w której granica między pokazem a rzeczywistością staje się płynna. - Silesia City Center stworzyło przestrzeń dopracowaną w każdym detalu, z wyjątkową atmosferą, dzięki której ten wieczór miał naprawdę niepowtarzalny charakter. Poczułam się Alicja w Krainie Czarów - dodaje influencerka Malwina Then. Nowy wymiar doświadczeń zakupowych Silesia Influencer Lab pokazało, że przestrzeń handlowa przestaje być wyłącznie miejscem zakupów, a zaczyna funkcjonować jako platforma doświadczeń: prezentująca trendy i budująca angażującą społeczność. W Silesia City Center moda zyskała nowy wymiar. Bardziej osobisty. Bardziej świadomy. I zdecydowanie bliższy temu, jak dziś chcemy jej doświadczać. Materiał promocyjny marki Silesia
Doładuj się! Kolor jako lek. Czym jest dopamine dressing i dlaczego neurobiologia stanęła po stronie mody?
To nie science fiction. Dopamine dressing — strategia ubierania się oparta na neurobiologii — udowadnia, że kolor to najprostsze narzędzie regulacji nastroju, jakie mamy. Mózg reaguje na barwę zanim zdążysz pomyśleć. Wybiegi wiosnę/lato 2026 wiedzą o tym doskonale.
Zacznijmy od podstaw. Dopamina to neuroprzekaźnik wytwarzany przez mózg, odpowiedzialny między innymi za odczuwanie przyjemności, motywację i nagrody. Kiedy robimy coś, co sprawia nam radość – jemy ulubione jedzenie, słuchamy muzyki, kupujemy upragnioną rzecz – mózg wydziela dopaminę. Kiedy zakładamy ubranie, które nas cieszy, dzieje się dokładnie to samo. Brzmi prosto? Tak właśnie jest. Ale to, co proste, bywa rewolucyjne. Termin „dopamine dressing” (ubieranie dla dopaminy) spopularyzowała Dawnn Karen, psycholożka mody z Nowego Jorku i autorka książki „Dress Your Best Life” (Penguin Books, 2020). Jej koncepcja bazuje na czymś, o czym intuicyjnie wiedziałyśmy od zawsze: świadomy dobór koloru i kroju ubrań może poprawić nastrój, jeszcze zanim wyjdziemy z domu. Mówiąc wprost: można się ubrać w lepsze samopoczucie. I mamy do tego pełne naukowe prawo. W 2012 roku Hajo Adam i Adam D. Galinsky opublikowali w „Journal of Experimental Social Psychology” przełomowe badanie na temat tak zwanego enclothed cognition (poznania przez ubranie). Eksperymentalnie dowiedli, że ubrania, które nosimy, wpływają na nasze procesy myślowe i zachowanie. Osoby ubrane w biały fartuch lekarski popełniały w testach uwagi mniej błędów niż te w zwykłych ubraniach, nawet jeśli nie były lekarzami. Ubranie nie tylko nas okrywa. Ono nas definiuje. I to nie tylko w oczach innych – przede wszystkim w naszych własnych. Nauka barw Kolor to język, którym posługujemy się wszyscy, często zupełnie nieświadomie. Karen Haller, brytyjska specjalistka od psychologii koloru i autorka bestsellerowej książki „The Little Book of Colour” (Penguin Life, 2019), podkreśla: „Kolor jest jednym z najpotężniejszych narzędzi komunikacji niewerbalnej. Nasze doświadczenia, wspomnienia i kultura, w której dorastaliśmy, wpływają na to, jak reagujemy na poszczególne barwy”. Dlatego to, co na jednych działa jak tarcza ochronna, na innych może nie wywierać żadnego efektu. Dopamine dressing nie jest jedną receptą dla wszystkich – to recepta, którą każdy musi wypisać sobie sam. Co wiemy na pewno? Czerwień pobudza i przyciąga uwagę – nie bez powodu jest barwą zakazu, alarmu i namiętności. Niebieski uspokaja, sprzyja koncentracji i buduje zaufanie – stąd jego dominacja w korporacyjnych dress code’ach. Żółty wyzwala optymizm i energię, choć w zbyt dużych dawkach może wywoływać niepokój. Zieleń kojarzy się z naturą, bezpieczeństwem i odnową. Pomarańczowy pobudza kreatywność i wywołuje ciepłe skojarzenia. To nie mity. To wyniki dziesiątków lat badań z zakresu psychologii koloru, które zebrał i opisał między innymi profesor Andrew Elliot z Uniwersytetu Rochester w szeroko cytowanych pracach nad wpływem barw na funkcjonowanie psychologiczne człowieka, opublikowanych między innymi w „Annual Review of Psychology”. Teoria koloru fascynuje filozofów, artystów i naukowców od wieków. Doskonałym przewodnikiem po tej historii jest wydana przez Taschen dwutomowa publikacja „The Book of Colour Concepts” pod redakcją Alexandry Loske i Sarah Lowengard, śledząca myślenie o kolorze od XVII wieku przez koła barw Newtona i Goethego, psychologię barw Josefa Albersa aż po eksperymenty Bauhausu. Doktor Carolyn Mair, psycholog mody i autorka „The Psychology of Fashion” (Routledge, 2018), pisze o tym, jak ubrania funkcjonują jako przedłużenie tożsamości i narzędzie regulacji emocji. Kiedy rano sięgamy po jaskrawą sukienkę zamiast szarego swetra, nie robimy tego wyłącznie ze względów estetycznych. Robimy to, bo chcemy poczuć się inaczej. Żywiej. Bardziej obecni. Bardziej sobą. Warto też wspomnieć o zjawisku, które psychologowie nazywają chromatic comfort (kolorystyczny komfort). To stan, w którym nasze otoczenie wizualne, w tym ubrania, jest zsynchronizowane z naszym wewnętrznym nastrojem lub z nastrojem, do którego aspirujemy. Kiedy nosimy kolor rezonujący z tym, jak chcemy się czuć, mózg odbiera to jako potwierdzenie i wzmocnienie stanu emocjonalnego. W efekcie pętla dopaminowa się zamyka: czujemy się lepiej, bo „wyglądamy” na kogoś, kto czuje się dobrze. To nie iluzja. To neurobiologia ubrana w jedwab i kaszmir. Mówią wieki Moda zawsze odpowiadała na nastroje epoki. I zawsze, kiedy świat stawał się zbyt szary – politycznie, gospodarczo, społecznie – ubrania reagowały eksplozją barw. To prawidłowość, która powtarza się z żelazną konsekwencją. Lata 60. XX wieku przyniosły prawdziwą rewolucję kolorystyczną. André Courrèges, Yves Saint Laurent, a przede wszystkim Emilio Pucci sprawili, że moda stała się psychodeliczna, geometryczna, rozedrgana od wzorów i barw. Kobiety wychodziły na ulicę w ultrakolorowych miniówkach. Kolor był synonimem wolności i buntu. Nie był dekoracją – był językiem. Dekada lat 80. i przełomu lat 90. to kolejna wielka eksplozja. Gianni Versace uczynił z koloru narzędzie władzy i prowokacji. Jego kampanie reklamowe z tamtego okresu stały się ikoniczne: feeria barw na tkaninach jak patchwork wszystkich kultur świata, torebki rzeźby, zdobione jak dzieła sztuki, modelki wyglądające jak boginie. To był luksus krzykliwy, bezkompromisowy, absolutnie wolny. Kampania Gianni Versace na wiosnę–lato 1991 – gigantyczny but jako centrum wszechświata, a w tle modelka w wielobarwnym, oszałamiającym stroju – to modowy manifest kolorystyczny, który do dziś nie stracił nic z siły. Równolegle Karl Lagerfeld w Chanel udowadniał, że kolor może być jednocześnie wyrafinowany i radosny. Pamiętny pokaz z deskami surfingowymi, w którym Linda Evangelista kroczyła po wybiegu w lazurowej, cekinowej marynarce, to kwintesencja ducha tamtych lat: nowoczesna, pełna energii, bezkompromisowo kolorowa. Kampania Chanel z 1991 roku z supermodelkami w żółtych i fioletowych żakietach, grającymi w piłkę na ulicy, to jeden z najbardziej ikonicznych obrazów dekady: moda spotkała się z zabawą, luksus ze spontanicznością, a kolor był łącznikiem między nimi. I był Benetton. „Benetton has all the colors in the world” to nie był zwykły slogan reklamowy. To był manifest. Kampanie włoskiej marki z przełomu lat 80. i 90., reżyserowane przez Oliviera Toscaniego, używały koloru jako metafory różnorodności i jedności. Grupy roześmianych młodych ludzi w jaskrawych dresach, każdy w innym kolorze, razem – ten obraz zmienił myślenie o modzie jako przekazie społecznym i kulturowym. Przełom lat 90. i pierwsza połowa lat 2000. to era Y2K i jej ulubionego koloru – różu. Nie byle jakiego, różu krzykliwego, plastikowego, dosłownie nieznośnie radosnego. Paris Hilton i Britney Spears stały się jego mimowolnymi ambasadorkami: mini w kolorze gumy do żucia, futerka w odcieniu flaminga, soczyście różowe dresy Juicy Couture. To była moda beztroska, bez intelektualnych ambicji, bez manifestu. Różowy Y2K nie mówił nic o polityce ani tożsamości. Mówił jedno: jest fajnie, jest lekko, jest słodko. I tego chcemy. Dziś tamta estetyka przeżywa renesans – nostalgiczny powrót do świata sprzed smartfonów i globalnych kryzysów, kiedy największym problemem było to, czy Britney wystąpi na MTV Awards. Różowy Y2K wrócił na wybiegi i do szaf nowego pokolenia jako kolor ucieczki. Dopamine dressing w najbardziej dosłownym sensie. Pierwsza dekada 2000 roku przyniosła minimalizm w jego najbardziej radykalnym wydaniu: normcore, greige, czerń jako jedyna słuszna odpowiedź na wszystko. Celine pod rządami Phoebe Philo, The Row, Jil Sander – estetyka wyrafinowanej powściągliwości zdominowała dekadę. Kolor zszedł na boczne tory. Wrócił z siłą dopiero po pandemii COVID-19. Izolacja, strach, utrata normalności – wszystko to sprawiło, że gdy sklepy się otworzyły, ludzie sięgnęli po kolor jak po antidotum. I właśnie wtedy termin „dopamine dressing” trafił na pierwsze strony magazynów na całym świecie. Moda powiedziała dokładnie to, co czuliśmy wszyscy: chcemy żyć. I chcemy to pokazać. Kolor na dziś To, co widzimy w kolekcjach na wiosnę i lato 2026, to więcej niż powrót trendu. To deklaracja. Kolor jest tu, jest głośny i nie zamierza pozwolić się uciszyć. Jean Paul Gaultier otworzył sezon spektakularnym pomarańczowym lookiem. Rzeźbiarski kombinezon w intensywnym odcieniu tej barwy, z konstruktywistycznym gorsetem i złotymi okularami to akt mocy. Pomarańcz Gaultiera nie był przypadkowy – to barwa energii, witalności i twórczej odwagi. Noszenie go to manifest: jestem tu, jestem widoczna i cieszę się z tego. Marka Loewe zaprezentowała jedną z najbardziej komentowanych kolekcji sezonu. Pasiaste looki w pełnej gamie barw – od głębokiej czerni przez soczystą żółć i kobalt po intensywną czerwień – połączone z miękkimi skórzanymi torbami i złotymi detalami biżuteryjnymi. McCollough i Hernandez balansują między sztuką a użytkowością, a w tej kolekcji kolory działają jak nuty w kompozycji muzycznej. Akris był w tym sezonie czystym eksperymentem barwy. Projektant Albert Kriemler zainspirował się abstrakcyjnym malarstwem Leona Polka Smitha, artysty, który dzielił płótno kontrastującymi kolorami ostrą linią i przełożył tę zasadę na tkaniny. Marka Lacoste pod kierownictwem Pelagii Kolotouros zamieniła paryski wybieg w szatnię tenisową. Paleta sezonu to kolory kortów: pomarańcz gliny, niebieski i zieleń trawy – barwy, które bez słowa opowiadają o dziedzictwie René Lacoste’a. Oversize’owe polo w transparentnym nylonie, spódnice ręczniki, płaszcze z nadrukiem „Tennis for Everyone” – kolor nie był tu dekoracją, był DNA kolekcji. Alessandro Michele dla Valentino zatytułował kolekcję Fireflies – Świetliki. Inspiracją był list Piera Paola Pasoliniego, opisujący radość ze świetlików widzianych podczas drugiej wojny światowej. Michele odpowiedział na tę metaforę kolorem: różem balonowym i mandarynkowym, fioletem i liliowym, chartreuse i kobaltem. Barwy nie były dobrane przypadkowo, każda z nich była małym źródłem światła w mroku. Pokaz odbył się przy stroboskopowych lampach, a efekt był hipnotyczny. Siostry Nicky i Simone Zimmermann zabrały nas do Lavender Bay, nadmorskiej dzielnicy Sydney, gdzie w latach 70. kwitła australijska bohema. Kolekcja Kindred Spirit to eksplozja psychodelicznych florali, tęczowych tie dye i barw, które zdają się poruszać razem z tkaniną. Dlaczego właśnie teraz? Żyjemy w epoce stresu informacyjnego. Newsy, media społecznościowe, niepokój klimatyczny, niestabilność geopolityczna. Na to nakłada się presja nieustannej produktywności i dostępności. W takim świecie kolor staje się formą oporu. Małego, codziennego, osobistego, ale autentycznego buntu. Nie musisz pisać manifestu – wystarczy założyć pomarańczowy kombinezon. Iris Apfel, ikona stylu, która dożyła 102 lat, rozumiała to lepiej niż ktokolwiek. Jej kolorowe, fantazyjne stylizacje, okulary w wielkich ramkach, biżuteria w wielkości XXL – to nie był strój. To było wyznanie wiary. „Kolor to radość”, powtarzała. I miała absolutną rację. Moda coraz częściej jest rozmową z samym sobą: co czuję, kim jestem, jak chcę się dziś zaprezentować. I kolor jest w tej rozmowie najpotężniejszym głosem. Sztuczna inteligencja powoli wkracza także w obszar analizy kolorów i trendów. Algorytmy potrafią dziś przewidywać dominujące barwy kolejnych sezonów, analizując miliony postów w mediach społecznościowych i wzorce kulturowe. To fascynujące narzędzie, ale – jak podkreślają projektanci, od Jeana Paula Gaultiera po Jonathana Andersona – nawet najdoskonalszy algorytm nie zastąpi tego, co się dzieje, kiedy zakładasz na siebie kolor, który sprawia, że czujesz się jak najlepsza wersja siebie. To jest właśnie istota dopamine dressing. Nie chodzi o to, co jest na czasie. Chodzi o to, co działa na ciebie. Pełny tekst autorstwa Barbary Łubko znajdziesz w najnowszym wydaniu magazynu VIVA!MODA na sezon wiosna/lato 2026.
Brigitte Bardot: kobieta, która nie podążała za modą. To moda podążała za nią
Zrewolucjonizowała sposób, w jaki kobiety się ubierają, poruszają i patrzą na własną seksualność. Brigitte Bardot nie była tylko ikoną stylu – była symbolem wolności, który zmienił modę na zawsze.
Nigdy nie podążała za modą – to moda podążała za nią. Gdy inne kobiety, chcąc być piękne i zauważane, podporządkowywały się trendom, ona ubierała się dla siebie. Bezczelnie niezależna, bezkompromisowa, daleka od konwenansów. Bardotka to wolność odziana w kobiece szaty. Ale historia tej wolności zaczyna się od ucieczki. Burza blond włosów, nadąsana buzia, rozchylone usta, talia osy i krągłe biodra – nie było chyba piękniejszej blondynki w historii kina. Ale też aktorki, która tak potrafiła zmienić wizerunek kobiety. Jej ekstatyczny taniec w filmie „I Bóg stworzył kobietę”, pot na twarzy, wirujące w nieładzie włosy i nagie uda wywołały w latach 50. więcej niż szok. To była rewolucja. A zakazane bikini noszone przez młodziutką Brigitte na plaży w Cannes? Przecież w tamtych czasach kobiety nosiły nobliwe garsonki. Kostiumy kąpielowe zakrywały uda i brzuch, nawet w najbardziej odważnej wersji nie odsłaniały pępka. Papież Pius XII grzmiał, że bikini to grzech i zagrożenie dla moralności. Ale Brigitte – dziewczyna wychowana w surowej, katolickiej rodzinie – w ogóle się tym nie przejmowała. Była niezależna i wywrotowa. Superkrótkie spódnice i sukienki mini też nosiła jako jedna z pierwszych. Miała piękne nogi i lubiła je eksponować. Narodziny francuskiej it girl Jeszcze parę słów o jej początkach, koniecznych, żeby zrozumieć, jak stała się francuską it girl, zanim to określenie w ogóle stało się modne. Urodzona w 1934 roku Bardot jest symbolem Francji czasu „Les Trente Glorieuses” – 30 lat powojennego rozkwitu gospodarczego i obyczajowej rewolucji. Państwo się odbudowywało, burżuazja trwała przy katolickich wartościach, młodzież emancypowała się i tworzyła własny świat. To był również złoty okres francuskiego kina. Wtedy właśnie Roger Vadim zaproponował jej rolę w „I Bóg stworzył kobietę”. Film wyniósł Brigitte na szczyt międzynarodowej sławy i uczynił mitem. Niezwykłe było to, że Bardot nie przepraszała za swoje pragnienia. Nie wstydziła się ciała. Nie udawała, że nie wie, jak działa na mężczyzn. Była pierwszą Francuzką na ekranie, której seksualność była naturalna i – co najważniejsze – pozbawiona poczucia winy. Dlatego fascynowała i oburzała jednocześnie. Otrzymywała setki listów – z pogróżkami i wyznaniami miłości. W 1959 roku Simone de Beauvoir w eseju „Brigitte Bardot et le syndrome de Lolita” pisała: „Bardot nie jest ani buntownicza, ani niemoralna; dlatego moralność nie ma z nią szans. Dobro i zło są częścią konwencji, której ona nie ma zamiaru szanować. (…) Pragnienie i przyjemność wydają się jej bardziej prawdziwe niż przykazania i konwencje. Nikogo nie krytykuje. Robi to, co jej się podoba, i to jest takie niepokojące”. Porzuciła wtedy dziewczęce, rozkloszowane spódnice. Zastąpiły je obcisłe swetry, spodnie rybaczki, później dżinsy. Dekolt przestał być przypadkiem – stał się manifestem. Włosy, coraz jaśniejsze i coraz dłuższe, unosiły się na wietrze w Saint-Tropez. Mit Bardotki Obok Coco Chanel była tą Francuzką, która najmocniej wpłynęła na światową modę – nie poprzez projekty, lecz poprzez sposób noszenia ubrań. Zmysłowo, nonszalancko, wbrew konwenansom. Sprawiała, że zwykła koszula zsuwająca się z ramion i rozpuszczone włosy stawały się deklaracją wolności. Była i pozostaje ponadczasową ikoną, bo jej styl nie miał w sobie nic sztucznego. Nie była gwiazdą wymyśloną przez producentów w filmowych studiach. Miała wrodzoną elegancję, francuskie wyczucie smaku. Kiedy mówimy „bardotka”, nie myślimy wyłącznie o staniku bez ramiączek. Myślimy o sylwetce – bardzo kobiecej. O ramionach odsłoniętych w bluzce z dekoltem w łódkę (bardot neckline). O wąskiej talii podkreślonej paskiem. O spódnicy w drobną kratkę gingham, która wiruje przy każdym kroku. Brigitte była uosobieniem francuskiej swobody, która nie potrzebuje wysiłku, by zachwycać. Jej styl rodził się na styku niewinności i prowokacji. Podobno nie było mężczyzny, który mógłby się jej oprzeć. Nie dobiła jeszcze czterdziestki, kiedy miała już za sobą trzy małżeństwa i kilkunastu kochanków. Wśród nich był zakochany w niej po uszy legendarny Serge Gainsbourg. To dla Brigitte napisał najsłynniejszą miłosną piosenkę „Je t’aime… moi non plus”. Uwikłana w małżeństwo z niemieckim multimilionerem Günterem Sachsem, prosiła Gainsbourga, by schował taśmę, którą razem nagrali. Gdy później usłyszała, jak Serge śpiewa tę piosenkę w duecie z Jane Birkin, pękło jej serce. Przyznawała, że jest trudna, impulsywna, że nie sposób jej kochać „na zawsze”. Ale on ją tak kochał – mimo kolejnych związków. Szafa Brigitte Bardot Jej garderoba była lekcją prostoty. Bluzki z odkrytymi ramionami stały się jej znakiem rozpoznawczym – podkreślały szyję i obojczyki. Nosiła je do dopasowanych spodni rybaczek, zwanych capri, dżinsów z wysokim stanem albo rozkloszowanych spódnic za kolano. Kochała sukienki w kratę vichy – różowe, czerwone, błękitne. To w takiej sukience brała ślub z drugim mężem, aktorem Jacques’em Charrierem, w 1959 roku. Sława tej kreacji wyszła daleko poza mury małego ratusza w Louveciennes, gdzie odbyła się kameralna ceremonia. Konserwatywna Francja wrzała. Sukienka w kratkę – co to jest? Zamiast bogatej, strojnej sukni piknikowy obrus? Ale wszystkie młode Francuzki chciały takiej kratki. <img src="https://images.immediate.co.uk/production/volatile/sites/48/2026/03/E0Y146-bewKOLOR-44f3f4c.jpg" width="3780" height="2841" alt="Brigitte Bardot w Rzymie podczas zakupów. Lubiła lokalne butiki, poza głównymi szlakami. Wybierała rzeczy w stylu boho, trochę artystyczne, trochę nonszalanckie." title="May 05, 1968 - Rome: Famous French sen star Brigitte Bardot is staying in Rome, in a villa 30 kms from the city. What is the" /> Francuski szyk zamiast hollywoodzkiego glamouru Brigitte Bardot była daleka od hollywoodzkiego glamouru Marilyn Monroe czy swojej prawie równolatki Elizabeth Taylor. Nosiła rzeczy, które wydawały się codzienne: T-shirty w marynarskie pasy, dzianinowe swetry, dżinsy, sukienki mini. Wzory jej sukienek drukowały magazyny – można było je wyciąć i, jak ktoś powiedział, „przywłaszczyć sobie styl BB”. Wyglądała fantastycznie we wszystkim: w białej mini, małej czarnej, w skórzanych spodniach i swetrze. Uwielbiała opaski i chusty, które zawadiacko przeplatała przez włosy, tworząc niepowtarzalny look. Musiały mieć koniecznie kolor kontrastujący z jej jasnymi blond włosami. Najlepiej, by były wzorzyste i zwiewne. W jej szafie z pewnością można było znaleźć kilkaset kapeluszy, zwłaszcza tych z dużym rondem, pod którym mieścił się jej zawadiacko upięty kok. W ogóle kochała akcesoria i dodatki, które świetnie uzupełniały jej look. Makijaż? Zwykle podkreślone czarną kreską oczy i delikatny róż na ustach. Słynne były też jej baleriny marki Repetto. Lata 60., jedno z przyjęć w Saint-Tropez, które z rybackiej wioski zmieniało się już w kurort odwiedzany przez artystyczno-finansową elitę. Bardotka zjawia się wieczorem w połyskującej sukience w pasy i… z bosymi stopami. Znowu szok, bo przyjście bez pantofelków, szpilek, choćby balerinek, kojarzyło się z brakiem manier i biedą – a nie z modową prowokacją i podkreśleniem naturalności. Zaskakiwała tak nieraz. Ale poza ubraniem miała jeszcze to coś – francuski szyk, wdzięk, lekkość i zmysłowość. Sekret stylu Bardot tkwił w detalach Jej wizerunek powielano na plakatach, w magazynach, na okładkach płyt. Stała się symbolem francuskiej kobiety, która nie goni za perfekcją. Podkreślała swoją naturalność – aż chciało się powiedzieć: „I Bóg stworzył Brigitte Bardot”. Ale nonszalancja była pozorna. BB doceniała wagę szczegółów, język detali. To dlatego jej włosy nigdy nie były idealnie wygładzone, kreska na powiekach lekko rozmazana, koszula odpięta o ten jeden guzik za dużo. Naśladować Brigitte Bardot? Wcale nie jest tak łatwo. Ogromną rolę w jej życiu i wizerunku odegrało Saint-Tropez. To właśnie w tej małej wiosce rybackiej nad Morzem Śródziemnym, gdzie Bardot postanowiła osiąść w otoczeniu swoich ukochanych zwierząt i którą rozsławiła na całym świecie, pojawiła się całkiem nowa estetyka – bohème chic. BB stała się jej symbolem. A zatem: przewiewne sukienki w kwieciste wzory, lekkie niczym śródziemnomorska bryza, koszula zawiązana na brzuchu, odsłaniająca nonszalancko talię osy. Sukienki w pasy albo oversize’owy kardigan zarzucony na zwykłe bikini. Równie ważne były dodatki: haftowane torby, słomiany kapelusz z szerokim rondem lub kolorowa chustka zawiązana na włosach, płaskie sandały, jeśli nie całkiem boso. Duże okulary, za którymi mogła się ukryć. Miała obsesję, że jest stale obserwowana. Nie znosiła paparazzich. „Wyskakują z pojemników na śmieci”, mówiła z lekceważeniem. Choć należała do złotej ery kina, wyprzedzała swój czas. Była hipiską, zanim formalnie ten ruch narodził się w USA. Tekst: Agnieszka Dajbor, Paulina Krasińska-Sawicka Więcej o Brigitte Bardot przeczytasz w najnowszym wydaniu VIVA! Moda
Kolekcja Wojas na wiosnę–lato 2026. Nowa definicja współczesnej elegancji
Naturalne barwy, dopracowane detale i elegancja, która nie potrzebuje nadmiaru ozdobników. Kolekcja Wojas Wiosna–Lato 2026 to połączenie klasyki z nowoczesnym stylem życia. Wśród propozycji znajdziemy zarówno minimalistyczne sneakersy oraz lekkie mokasyny, jak eleganckie sandały czy skórzane torebki.
W sezonie Wiosna–Lato 2026 marka Wojas proponuje kolekcję, która redefiniuje pojęcie współczesnej elegancji. To proste formy, naturalne materiały i spokojne barwy inspirowane naturą. Dzięki temu kolekcja wpisuje się zarówno w styl miejskiej codzienności, jak i bardziej formalne okazje. Linia WL2026 to propozycja dla kobiet i mężczyzn, którzy szukają równowagi między komfortem a elegancją. W kolekcji pojawiają się zarówno klasyczne modele obuwia, jak i dodatki zaprojektowane tak, by uzupełniały stylizację w każdej sytuacji – od dnia w biurze po weekendowy spacer. Naturalna paleta barw inspirowana codziennością W kolekcji wiosna-lato 2026 znajdziemy przede wszystkim różne odcienie beżu, ciepłe brązy, a także subtelne pastele. Projektanci sięgają również po klasyczną biel, a całość uzupełniają akcenty w barwach khaki, czekoladowego brązu i czerni. Ta stonowana paleta pozwala na tworzenie stylizacji, które są eleganckie, ale jednocześnie uniwersalne. Jasne beże i pastele świetnie komponują się z letnimi tkaninami. Minimalistyczne stylizacje utrzymane w neutralnych kolorach doskonale eksponują dodatki – skórzane torebki w odcieniach karmelu czy delikatne baleriny ozdobione złotymi ćwiekami. Całość podkreśla lekkość i nowoczesny charakter kolekcji. Elegancja na wyjątkowe okazje – kolekcja wieczorowa i ślubna Obok głównej kolekcji WL2026 marka Wojas oferuje również linie dedykowane wyjątkowym okazjom – kolekcję wieczorową oraz ślubną. Wśród damskich propozycji znajdziemy delikatne sandały, klasyczne szpilki oraz subtelne torebki utrzymane w eleganckiej palecie kolorystycznej. Dominują tu odcienie perły, ecru oraz złamanej bieli. To ukłon w stronę cloud dancer, który został okszyknięty kolorem roku 2026. Produkty z kolekcji Wojas Wiosna–Lato 2026 dostępne są w salonach stacjonarnych marki w Polsce, na Słowacji i w Czechach, a także w sprzedaży online na stronie www.wojas.pl. Materiał promocyjny marki Wojas
Nie tylko księżna Kate! Oto 7 najlepiej ubranych gwiazd na gali BAFTA 2026!
Księżna Walii w zwiewnej sukni ze śliwkowego tiulu, Monica Bellucci w czarnej, dopasowanej kreacji jak z włoskiego snu i Teyana Taylor w spektakularnej bordowej szacie z kołnierzem w kształcie róży – tegoroczna gala BAFTA w londyńskim Royal Festival Hall była prawdziwą ucztą dla miłośników mody. Wybrałyśmy 7 stylizacji, które wyglądały najlepiej.
22 lutego 2026 roku Londyn znów stał się centrum świata filmowego. Na galę wręczenia nagród BAFTA – brytyjskiego odpowiednika Oscarów – do Royal Festival Hall przybyły największe gwiazdy sezonu. To szczególny moment w kalendarzu: chwilę wcześniej city żyło jeszcze rytmem London Fashion Week, a za kilka tygodni cała branża przeniesie się do Los Angeles na ceremonię Oscarów. BAFTA jest więc czymś wyjątkowym – spotkaniem dwóch światów: wielkiego kina i wielkiej mody, z dodatkiem królewskiego blasku, bo jak co roku na czerwonym dywanie pojawiła się księżna Kate z księciem Williamem. Tegoroczna edycja należała do filmów „Sinners" i „One Battle After Another", które zdominowały nominacje, ale równie gorące emocje rozgorzały wokół mody. Wieczór był glamour, ale bez przesady w stronę starego Hollywood – zamiast tego dominował styl nowoczesny, zdecydowany i bardzo „teraz". Była czerń w wydaniu ultraseksownym (Emma Stone w Louis Vuitton), była romantyczna biel i złoto (Rose Byrne w Miu Miu), był androgyniczny szyk (Tilda Swinton w Chanel) i był teatralny przepych (Teyana Taylor w Burberry). I była Monica Bellucci, która udowodniła, że mała czarna nigdy nie wyjdzie z mody – szczególnie gdy nosi się ją z diamentowym naszyjnikiem i klasą zapisaną w genach. Oto nasze siedem faworyt wieczoru. 1. Księżna Kate w Gucci Księżna Walii postawiła na romantyzm i królewską lekkość. Wybrała zwiewną suknię Gucci ze śliwkowego tiulu z głębokim dekoltem w kształcie litery V i opadającymi ramionami – kreację, którą nosiła już w 2019 roku. To odważny gest: w świecie, gdzie liczy się nowość, Kate przypomniała, że prawdziwy styl nie ma daty ważności. Do sukni dobrała diamentowe kolczyki i bransoletkę, a falowane włosy spuściła swobodnie. Ona i książę William pojawili się w koordynujących odcieniach bordo – i był to jeden z najpiękniejszych duetów wieczoru. 2. Tilda Swinton w Chanel Nikt nie robi czerwonego dywanu tak jak Tilda Swinton – z pełną świadomością, że zasady istnieją po to, żeby je łamać. Zamiast sukni wybrała smoking Chanel z kolekcji Métiers d'Art 2026: czarny, z szerokimi ramionami, krótką marynarką, ultra wysokimi spodniami i klasyczną białą koszulą. Na klapie – elegancka broszka. Na nogach – czarno-białe buty z kontrastowym noskiem. Blond włosy zaczesane do tyłu, zero biżuterii, zero kompromisów. Czysty, bezczelny szyk. 3. Emma Stone w Louis Vuitton Emma Stone wybrała minimalizm w jego najbardziej pożądanej formie. Czarna, dopasowana suknia Louis Vuitton z halter-neckiem i śmiałym wycięciem w kształcie łzy na dekolcie była prosta, zmysłowa i absolutnie bez zarzutu. Rude włosy upięte w niski, luźny kok, dyskretna diamentowa bransoletka i nic więcej – żadnych dodatków, które mogłyby zakłócić perfekcję tej kreacji. Stone udowodniła, że „mniej" potrafi krzyczeć głośniej niż cokolwiek innego na czerwonym dywanie. 4. Rose Byrne w Miu Miu Rose Byrne wniosła na czerwony dywan oddech świeżości – dosłownie. Jej suknia Miu Miu w kolorze delikatnej, kremowej żółci z tiulową, rozłożystą spódnicą i zdobionym kryształkami gorsetem była jak powiew wiosennego powietrza pośród morza czerni i bordo. Halter z kryształowych ramiączek, pasujące kolczyki-żyrandole i gładko upięte ciemne włosy – wszystko razem tworzyło look lekki, ale dopracowany w każdym szczególe. Jeden z najprzyjemniejszych widoków wieczoru. 5. Teyana Taylor w Burberry Teyana Taylor przybyła na BAFTA jak bohaterka własnej opery. Jej bordowa suknia Burberry – zaprojektowana przez Daniela Lee specjalnie dla niej – była dziełem sztuki samym w sobie: długa, satynowa, z ciasno skrojonym gorsetem, długimi rękawami i dramatycznym, rzeźbionym kołnierzem w kształcie róży, który otaczał twarz niczym rama obrazu. Do tego ogromny tren i krótkie, zaczesane loki. Projektant powiedział, że kołnierz miał symbolizować kobiecość i siłę Teyany jednocześnie. Widać to było na każdym kroku. 6. Monica Bellucci w Saint Laurent Monica Bellucci nie potrzebuje eksperymentów. Pojawiła się na czerwonym dywanie w czarnej, długiej sukni Saint Laurent z głębokim dekoltem w kształcie serca, długimi rękawami i dopasowaną spódnicą z subtelnym fishtail u dołu. Prosto, doskonale i bez jednego zbędnego elementu – poza oślepiającym diamentowym naszyjnikiem, który był jedynym akcentem luksusu. Włosy z grzywką opadały swobodnie na ramiona. Monica Bellucci ma 61 lat i wyglądała jak ucieleśnienie pojęcia „timeless beauty". 7. Kerry Washington w Prada Kerry Washington wybrała na wieczór granatową suknię Prada z plisowaną, rozłożystą spódnicą i gorsetem zdobionym trójwymiarowymi, cekinowymi kwiatami w tym samym odcieniu głębokiego granatu. Całość była elegancka, ale miała charakter – kwiaty nadawały kreacji rzeźbiarskiej głębi i sprawiały, że przy każdym ruchu suknia wyglądała inaczej. Upięte, delikatnie potargane włosy i diamentowe kolczyki zamknęły look aktorki, która na czerwonym dywanie zawsze czuje się jak ryba w wodzie.
Styl Carolyn Bessette-Kennedy: dlaczego świat znów oszalał na punkcie „nowojorskiej księżniczki”?
Dziewczyna z sąsiedztwa, dla której oszalał książę z bajki. Fanka minimalizmu, która żyła w blasku nowojorskiego luksusu. Jaka jest tajemnica stylu Carolyn Bessette-Kennedy? Dziś, gdy serial „American Love Story” na Disney+ przypomina historię burzliwej miłości Carolyn i Johna F. Kennedy Jr., postać muzy Calvina Kleina powraca jako najsilniejsza inspiracja sezonu. Przyglądamy się kobiecie, która zdefiniowała nowoczesną elegancję.
Trudno nazwać ją klasyczną pięknością. Szczupła i wysoka blondynka Carolyn Bessette była zaledwie specjalistką PR marki Calvin Klein i choć należała do nowojorskiego światka, nie dążyła do sławy i stroniła od blasku fleszy. To jednak właśnie ją paparazzi sfotografowali, wychodzącą z Johnem F. Kennedym Jr. z jego pięknego loftu w modnej nowojorskiej dzielnicy TriBeCa w październiku 1996. Ubrana w grzeczny czarny sweter, camelową ołówkową spódnicę i brązowe kozaki wyglądała raczej jak skromny Kopciuszek. Dwa tygodnie wcześniej Carolyn została panią Kennedy – prawdziwą amerykańską księżniczką, żoną najbardziej pożądanego mężczyzny świata. W 1996 roku syn legendarnego prezydenta John F. Kennedy Jr. uchodził za doskonałą partię, a na swoim koncie miał – raczej krótsze niż dłuższe – związki z najpiękniejszymi kobietami świata. Od Cindy Crawford przez Daryl Hannah po obiecującą młodą aktorkę Sarah Jessikę Parker. Jednak żadna z nich nie skradła jego serca. Kobieta, dla której stracił głowę, nie była ani supermodelką, ani podziwianą aktorką, a hołdującą zasadom minimalizmu, stawiającą na naturalność „working girl”. Wiedziała, czego chce, i odważnie po to sięgała. Pewna siebie zdobyła księcia z bajki. Nie musiała chować się za mocnym makijażem i fantazyjnymi ubraniami. Najlepszym tłem dla jej silnej osobowości była prostota. Kopciuszek ery „power woman”… Teraz to Carolyn miała wszystko. Czy przeczuwała, że jej idealne małżeństwo szybko stanie się fikcją? Że życie pod ostrzałem obiektywów będzie dla niej nie do wytrzymania? Na pewno nie mogła wiedzieć, że ta bajka skończy się tragicznie za zaledwie trzy lata, kiedy Carolyn razem z Johnem zginą w katastrofie pilotowanego przez Kennedy'ego samolotu. Ślub, który zmienił wszystko: Narodziny estetyki „less is more” Carolyn może i nie lubiła skupiać wokół siebie zainteresowania prasy, ale odkąd w 1994 roku zaczęła spotykać się z Johnem, a we wrześniu 1995 para się zaręczyła, wiedziała, że każdy jej krok będzie szeroko komentowany. Pierwszą ważną „medialną” decyzją, przed którą stanęła, był wybór projektanta odpowiedzialnego za stworzenie jej ślubnej kreacji. Zaszczytu dostąpił jej znajomy projektant Narciso Rodriguez, pracujący wcześniej dla Calvina Kleina, a potem związany z domem mody Nino Cerruti. Rodriguez stworzył kilka projektów ślubnej sukni, a Carolyn ostatecznie zdecydowała się na minimalistyczną, podkreślającą sylwetkę kreację dopiero 15 dni przed ślubem. Wybór okazał się strzałem w dziesiątkę. Ponadczasowa suknia, wykonana z lekko połyskującego jedwabiu, warta 40 000 dolarów, niedbale spięte włosy i delikatny makijaż sprawiły, że świat okrzyknął Carolyn ikoną stylu. Każda świeżo upieczona narzeczona chciała wyglądać na swoim ślubie jak młoda pani Kennedy. Przepych początku lat 90. odchodził w zapomnienie. Teraz to Carolyn dyktowała trendy. Szaleństwo się rozpoczęło. Nietrudno się domyślić, że Narciso Rodriguez zyskał międzynarodową sławę i mnóstwo zleceń. Dziewczyna z sąsiedztwa w obiektywie paparazzi: Fenomen „modern style” Ameryka marzyła o księżniczce, a Carolyn jako wybranka prawdziwego królewicza była idealną kandydatką. Johna uwiodła swoją naturalnością i absolutnym brakiem fascynacji jego sławą i legendą rodziny Kennedych. Natomiast świat pokochał Carolyn, bo widział w niej dziewczynę z sąsiedztwa. Bajka o Kopciuszku? Tak, ale bez happy endu. Carolyn od początku nie czuła się dobrze pod ostrzałem fleszy i choć zewsząd napływały wyrazy uwielbienia, ona robiła wszystko, żeby zwracać na siebie jak najmniej uwagi. Jej prosty, jakby niedopracowany, swobodny styl mógł być sposobem na ukrycie się. Nie było na to szansy. Po ślubie Carolyn pojawiła się na okładkach pism o modzie, a Liz Tilberis, naczelna amerykańskiego „Harper's Bazaar” w tamtym czasie, uznała ją za „niesamowity symbol amerykańskiego stylu”. Wtórowała jej Anna Wintour, naczelna amerykańskiego „Vogue'a”: „Carolyn ma fenomenalny nowoczesny styl”. Sam Michael Kors przyznał, że stylizacje Carolyn „nigdy nie wyglądają na wystudiowane. Widziałem ją noszącą tani T-shirt i drogą marynarkę. To pokazuje jej osobiste podejście do mody. Ona nie wydziera stron z pism modowych i nie kopiuje looków”. Dziś miksowanie taniego z drogim to już norma, ale w czasach Carolyn to było nowatorskie podejście. Szczególnie dla osoby o takiej pozycji społecznej. Kto widział księżniczkę, ubierającą się w sieciówce? <img src="https://images.immediate.co.uk/production/volatile/sites/48/2026/02/3ADWHX8-9f9e0c5.jpg" width="1283" height="1830" alt="Carolyn Bessette-Kennedy w czarnym płaszczu i John F. Kennedy Jr. w swetrze spacerują po dzielnicy TriBeCa w Nowym Jorku." title="1999 - John F. Kennedy Jr and wife Carolyn Bessette Kennedy walk in Tribeca, New York City. (Credit Image: Michael Ferguson/Globe Photos/ZUMAPRESS.com)" /> Szkoła mistrza Calvina Kleina: Od butiku do nowojorskiej socjety Carolyn od początku była wyjątkowa, choć nic nie wskazywało, że czeka ją sława. Nie miała zbyt wielu talentów, może oprócz… towarzyskiego. Urodziła się w 1966 roku w średniozamożnej katolickiej rodzinie. Jej rodzice wcześnie się rozwiedli, a rodzinne problemy odbijały się na młodej dziewczynie. W szkole, jak po latach opowiadali jej znajomi z tamtego okresu, chodziła na wszystkie „właściwe” imprezy. Uwielbiała się bawić, szczególnie w towarzystwie płci przeciwnej. I na pewno miała powodzenie. W liceum, głosami uczniów, otrzymała nawet tytuł „Najpiękniejszej Osoby”. Podczas studiów na Uniwersytecie Bostońskim zajmowała się dorywczo modelingiem, ale nie zrobiła kariery w tym zawodzie. W 1988 roku zaczęła pracować dla projektanta Calvina Kleina, a raczej… jako sprzedawczyni w jednym z butików marki. Jej wdzięk i talent do rozmowy z klientami sprawiły, że szybko została doceniona. Zaoferowano jej pracę w Nowym Jorku, gdzie miała zajmować się obsługą najważniejszych klientów Calvina Kleina. Asystowała w zakupach gwiazdom, takim jak Annette Bening czy Diane Sawyer. Stylizowała, pomagała skompletować looki. Transakcje, które prowadziła, opiewały w sumie na miliony dolarów. Sukces i znajomości ze sławnymi i bogatymi dały jej przepustkę do zamkniętego świata nowojorskiej high society. W pracy Carolyn awansowała i została dyrektorem PR u Kleina, w życiu prywatnym błyszczała na imprezach. Jej prosty, naturalny styl stał się rozpoznawalny. Minimalizmu uczyła się od mistrza. Pracując dla Kleina, wyrobiła sobie wyjątkowe poczucie estetyki. Nowy Jork ją zaakceptował. Stała się częścią królestwa luksusu. Przyjaźniła się ze swoim szefem i jego piękną żoną Kelly Klein. Randkowała i dobrze się bawiła. Czy szukała miłości? Trudno powiedzieć, ale miłość znalazła ją niespodziewanie. W 1993 roku na prywatnym pokazie Calvina Kleina spotkała Johna F. Kennedy'ego Jr.. Wyniosła, zimna, potrafiła sprawić, że mężczyzna, który mógł mieć każdą, chciał tylko ją. Związek przez długi czas trzymali w tajemnicy. Po ogłoszeniu zaręczyn Carolyn odeszła z pracy – po siedmiu latach u Kleina nie musiała już nic nikomu udowadniać. Odniosła zawodowy sukces, teraz chciała… przygotować perfekcyjny ślub. DNA stylu: Biała koszula, jedwabie i aura tajemnicy Ślubna kreacja była pierwszym stylowym sukcesem Carolyn na światową skalę. Szybko jednak to jej codzienny styl stał się wzorem. Pani Kennedy wybierała klasyczne, lekko rozszerzane ku dołowi dżinsy, uwielbiała nosić golfy. Chętnie zakładała ołówkowe spódnice o długości za kolano lub nawet 7/8. Kors podziwiał jej umiejętność pracy nad proporcjami przy doborze ubrań. „Jej spódnice są zawsze właściwej długości”, mówił. Proste, przewiązywane w talii płaszcze i botki na niewysokim obcasie to jej klasyczny nowojorski mundurek. Tak ubrana chodziła na spacery z psem i zakupy. Tak fotografowali ją paparazzi na nowojorskich ulicach. Tak chciały się ubierać fanki jej stylu na całym świecie. Na wieczór najczęściej wybierała czerń lub biel. Chętnie stawiała na total look w jednym kolorze. Nie lubiła wzorzystych ubrań, często wybierała proste, opływające figurę sukienki z połyskującej satyny. Ten trend wraca w tym sezonie. Sukienki inspirowane nocną koszulką królują teraz na wybiegach Celine, Givenchy i Calvina Kleina. Kolejną rzeczą, która w tym sezonie święci triumfalny powrót na wybiegi, a którą Carolyn szczególnie lubiła, jest biała koszulowa bluzka. Teraz nosimy ją nie tylko na co dzień do biura, ale przede wszystkim na wieczór. To ewidentne nawiązanie do stylu późnych lat 90. i hołd dla Carolyn, która wylansowała ten trend. W 1999 roku na jednej z wielkich imprez pojawiła się właśnie w białej koszuli zestawionej z długą czarną spódnicą Yohji Yamamoto. Ten minimalistyczny look kopiowały potem największe gwiazdy, między innymi Tilda Swinton na rozdaniu Oscarów w 2011 roku czy Julia Roberts na gali Złotych Globów w 2014. Zamiłowanie Carolyn do prostoty nie oznaczało braku zamiłowania do luksusu. Carolyn wybierała rzeczy najdroższych marek, ale nie epatowała logotypami. Choć w swojej kolekcji miała mnóstwo markowych torebek, to większość była czarna – także jej ulubiona Birkin od Hermès. Carolyn przywiązywała dużą wagę do dodatków, ale nie przytłaczała nimi stylizacji. Także w tej kwestii ceniła minimalizm. Ukochane okulary Selima Aldo's z niedużymi owalnymi szkłami nosiła na okrągło. Nie była fanką biżuterii, a swój zaręczynowy pierścionek z szafirami i diamentami nosiła rzadko. Może dlatego, że od początku nie przypadł jej do gustu? Był kopią pierścionka należącego do matki Johna – Jacqueline. Jednym z ulubionych projektantów Carolyn był Yohji Yamamoto. To jego konstrukcyjne kreacje nosiła najchętniej na wielkie gale. W jej garderobie można było też znaleźć rzeczy Prady, Miu Miu, Ann Demeulemeester (Carolyn doceniła jej projekty jako jedna z pierwszych). Dziedzictwo ikony: Dlaczego styl Carolyn Bessette-Kennedy jest wieczny? Carolyn nie uniknęła porównań do sławnej teściowej Jacqueline Kennedy Onassis. Podobnie jak ona mogła pochwalić się szczupłą, atletyczną sylwetką, też miała silną osobowość i owiewała ją aura tajemniczości, ale wydaje się, że na tym podobieństwa się kończą. Stroje Jackie były dopracowane w każdym szczególe, a jej styl zmieniał się wraz z trendami. Carolyn nie goniła za modą. W życiu chadzała własnymi ścieżkami. Kreując – świadomie bądź nie – własny wizerunek, również nie oglądała się na innych. Uosabia więc wszystko, co definiuje prawdziwą ikonę stylu. Kobieta, która nosi to, na co ma ochotę, tak jak ma ochotę. Nie jest niewolnicą trendów. Carolyn Bessette-Kennedy sprawdzian ze stylu zdała na szóstkę. Wystarczy tylko dziś – po 26 latach od tragicznej śmierci młodych Kennedych – spojrzeć na jej zdjęcia. Zachwyca stylem tak samo jak kiedyś. A przecież o to chodzi, bo jak mawiała Coco Chanel, a wtórował jej Yves Saint Laurent, moda przemija, styl jest wieczny.
Płaszcz za 100 tysięcy złotych? To nie Gucci. Poznaj ranking „Ultra-Quiet Luxury” dla najbogatszych!
Rozpoznajesz markę po logo? To nie jest „Ultra-Quiet Luxury”. W 2026 roku najbogatsi rezygnują z ostentacji na rzecz jakości czytelnej tylko dla wtajemniczonych. Oto ranking 10 marek, o których milczą reklamy, a za które miliarderzy płacą więcej niż za luksusowe auta.
Jeszcze kilka lat temu szczytem luksusu wydawała się torebka z wyraźnym monogramem znanego domu mody. Dziś, w dobie inflacji prestiżu, prawdziwa elita – słynne 0,001% społeczeństwa – ucieka w stronę stealth wealth, czyli ukrytego bogactwa. Najnowszy raport RETAILBOSS na rok 2026 nie pozostawia złudzeń: luksus, który „krzyczy”, staje się passé. W świecie Ultra-Quiet Luxury liczy się to, co niewidoczne dla oka laika. To „język dyskretnych sygnałów”: specyficzny miękki chwyt kaszmiru, perfekcyjna linia ramienia czy ręcznie szyte detale. Tu luksus definiuje się przez rzadkość występowania surowców i mistrzostwo wykonania, a nie przez kampanie z influencerami. Ranking Top 10: Marki, które definiują status w 2026 roku Oto zestawienie domów mody, które zdobyły najwyższe noty w indeksie opartym na cenie, rzadkości materiałów oraz dziedzictwie. Loro Piana (Włochy) – Niekwestionowany lider (9.6 pkt). Królestwo najdroższej wełny świata – wigonii (Vicuña). Płaszcz z tego materiału to wydatek rzędu 30 000 dolarów, a jego noszenie jest dla miliarderów niczym tajny uścisk dłoni. Kiton (Włochy) – Kwintesencja neapolitańskiego krawiectwa. Ich garnitury, szyte ręcznie przez dziesiątki godzin, potrafią kosztować nawet 100 000 dolarów. To ubrania, które „płyną” na sylwetce. Delvaux (Belgia) – Najstarsza marka luksusowej galanterii skórzanej na świecie (założona w 1829 r.). Torebki Delvaux to wybór kobiet, dla których Hermès stał się zbyt oczywisty. Moynat (Francja) – Kolejna perła w koronie francuskiego rzemiosła. Specjalizują się w kufrach i torebkach, które są niemal niemożliwe do zdobycia bez wcześniejszej historii zakupowej. John Lobb (UK/Francja) – Buty, które nosi się całe życie. Marka, która od 1866 roku obuwa królów, prezydentów i rekinów z Wall Street. Stefano Ricci (Włochy) – Luksus w wersji „ultra”. Marka dedykowana mężczyznom, którzy nie uznają kompromisów – od jedwabnych krawatów po wnętrza jachtów. Charvet (Francja) – Najsłynniejszy adres na Place Vendôme w Paryżu. To tutaj powstają koszule szyte na miarę, które uznaje się za najlepsze na świecie. Cesare Attolini (Włochy) – Legenda, która stworzyła współczesną miękką marynarkę neapolitańską. Dla koneserów męskiej elegancji to marka numer jeden. Brunello Cucinelli (Włochy) – „Król kaszmiru”, który sprzedaje nie tylko ubrania, ale całą filozofię „humanistycznego kapitalizmu”. Jego beżowe i szare swetry to mundur elit w Dolinie Krzemowej. The Row (USA) – Jedyny amerykański akcent w zestawieniu. Marka założona przez siostry Olsen stała się symbolem nowoczesnego minimalizmu, udowadniając, że jakość obroni się bez ani jednego widocznego logo. Dlaczego miliarderzy płacą za... brak metki? W dobie mediów społecznościowych, gdzie każdy może „wyglądać” na bogatego, prawdziwa elita szuka odróżnienia w autentyczności. Jak zauważają eksperci RETAILBOSS, marki takie jak Loro Piana czy Brunello Cucinelli oferują coś więcej niż produkt – oferują przynależność do grupy, która nie musi niczego udowadniać. To tzw. aesthetic purity (czystość estetyczna). W tym świecie sweter za 15 tysięcy złotych wygląda jak zwykły element garderoby, ale dzięki unikalnym włóknom zapewnia komfort nieporównywalny z niczym innym. To luksus przeznaczony dla zmysłów właściciela, a nie dla oczu przechodniów. Inwestycja w rzemiosło Wybierając marki z powyższej listy, klienci nie płacą za marketing, lecz za ginące zawody. Ręczne obszywanie dziurek w koszulach Charvet czy selekcjonowanie skór w Delvaux to procesy, których nie da się zautomatyzować. W 2026 roku to właśnie czas rzemieślnika staje się najdroższą walutą. Czy „ultra-cichy luksus” to jedyna droga dla mody premium? Wszystko na to wskazuje. W świecie, który stał się zbyt głośny, szept jest najbardziej słyszalny.
Bez tej spódnicy Paryżanki nie wyobrażają sobie zimowej i wiosennej garderoby. Noszą ją non stop!
Na ulicach Paryża i innych miast uchodzących za światowe stolice mody skórzana spódnica midi znów gra główną rolę. Nie jako chwilowy mikrotrend, lecz świadomy wybór kobiet, które budują garderobę wokół jakości i ponadczasowej formy. Zimą stanowi bazę minimalistycznych stylizacji, w sezonie wiosna–lato 2026 będzie jednym z wiodących motywów street wear. Paryżanki noszą ją bez przerwy, konsekwentnie, elegancko, z wyczuciem.
Nowa baza garderoby Skórzana spódnica midi wraca do gry jako kluczowy element zimowych stylizacji w duchu „leather elegance”. To estetyka oparta na szlachetności skóry w nowoczesnym, minimalistycznym wydaniu, w której liczy się czysta forma, dopracowany krój i wyrazista faktura materiału. Model midi staje się fundamentem garderoby, można go nosić zarówno do dopasowanych golfów, jak i miękkich swetrów, budując sylwetkę opartą na prostych, wysmakowanych liniach. W zimowych stylizacjach dominuje prostota i jakość. Wokół skórzanej spódnicy budowana jest cała stylizacja, od stonowanej góry po minimalistyczne dodatki. Ta część kobiecej garderoby pojawia się jako odpowiedź na potrzebę ponadczasowej elegancji, która jednocześnie wpisuje się w aktualne tendencje. Nie chodzi o nadmiar, lecz o konsekwencję, jeden mocny element, który nadaje ton całej stylizacji. Długość midi podkreśla elegancki charakter, a skóra nadaje lookom wyrazistości. Dzięki temu skórzana spódnica funkcjonuje jako element, który sprawdza się zarówno w codziennych zestawieniach, jak i bardziej formalnych stylizacjach. Skórzana spódnica w paryskim stylu Paryżanki udowadniają, że skórzana spódnica nie ma ograniczeń co do sezonu. W stylu ulicznym widoczna jest zarówno w klasycznych, eleganckich zestawieniach, jak i w bardziej nowoczesnych interpretacjach. Fason ołówkowy staje się teraz jednym z najczęstszych wyborów. Dopasowana spódnica ze skóry podkreśla sylwetkę i wpisuje się w estetykę współczesnego power dressingu. Skórzana spódnica ołówkowa w kolekcjach wiosna–lato 2026 Kolekcja Saint Laurent wiosna–lato 2026 potwierdza, że skórzane ołówkowe spódnice pozostają jednym z najmocniejszych trendów sezonu. Na wybiegu pojawiły się w zestawach ze skórzanymi kurtkami i klasycznymi trenczami, co stało się jasną wskazówką dla tych, którzy szukają inspiracji, jaki look ze skórzaną spódnicą będzie w tym sezonie najbardziej pożądany. Sprawdzone kierunki stylizacji Inspiracje modowe najpopularniejszych influencerek zazwyczaj opierają się na zestawieniach skórzanej spódnicy z dopasowanymi golfami, miękkimi swetrami oraz minimalistycznymi topami, które podkreślają czystą linię sylwetki. A stylizacyjne zasady, które zawsze się sprawdzają? Warto stawiać na proste kroje i stonowaną paletę barw, ponieważ to forma i faktura skóry mają grać główną rolę. Czego unikać? Nadmiaru ozdobnych detali i zbyt wielu konkurujących ze sobą akcentów, bo estetyka „leather elegance” opiera się na minimalizmie i jakości, a nie na nadmiarze.
Tydzień mody w Kopenhadze pokazuje jasno. To jest najmodniejszy dodatek sezonu!
Tydzień Mody w Kopenhadze po raz kolejny udowodnił, że Skandynawia to nie tylko praktyczny minimalizm, ale także miejsce, w którym rodzą się najgorętsze trendy sezonu. Pillbox hat, klasyczny toczek, który dominował w modzie lat 60., teraz powraca w nowoczesnej odsłonie jako obowiązkowy element zimowych stylizacji 2026, będzie także hitem nadchodzącej wiosny. W odróżnieniu od innych sezonowych trendów, toczek łączy elegancję, funkcjonalność i nieco awangardy. Jeśli chcesz wiedzieć, jak nosić pillbox hat, zainspiruj się stylizacjami z Kopenhagi!
Tydzień Mody w Kopenhadze od kilku lat przyciąga uwagę miłośników mody z całego świata. Nie dało się nie zauważyć, że tym razem w czasie tego wydarzenia w modzie ulicznej królował jeden wyrazisty detal - pillbox hat, czyli elegancki, mały toczek. Jak go nosić w tym i nadchodzącym sezonie, aby wyglądać stylowo? Przyjrzyjmy się bliżej temu wyjątkowemu dodatkowi. Pillbox hat, symbol retro szyku Pillbox hat stał się synonimem elegancji i wyrafinowania. Był bardzo popularny w latach 60., wtedy nosiły go ikony mody, np. Jacqueline Kennedy. Współczesna wersja tego nakrycia głowy na nowo zyskała istotną pozycję w świecie mody. W sezonie zimowym 2025/2026 pillbox hat jest wykonany z wełny. Doskonale sprawdzi się zarówno w codziennych, jak i bardziej eleganckich stylizacjach. Warto zwrócić uwagę na ten dodatek, ponieważ jest nie tylko funkcjonalny – chroni głowę przed zimnem – ale i efektowny, dodaje całości charakteru. Nakrycie to pasuje niemal do każdej sylwetki i jest w stanie przełamać monotonię nawet najbardziej klasycznych zestawów. Z czym nosić pillbox hat? Pillbox hat jest wyjątkowo wszechstronny. Warto tylko pamiętać, że to nakrycie głowy powinno być traktowane jako główny akcent stylizacji, dlatego warto odpowiednio dobrać resztę ubioru. Na co dzień toczek doskonale komponuje się z eleganckimi okryciami wierzchnimi, klasycznymi płaszczami z wełny, a także z futrzanymi akcentami. To idealny dodatek do wielowarstwowych zimowych zestawów. Dobrze wygląda w połączeniu z neutralnymi kolorami – szarościami, beżami, czerniami – które podkreślają ponadczasowy charakter toczka. Idealnym uzupełnieniem mogą być botki na obcasie lub klasyczne kozaki. Na specjalne okazje pillbox hat sprawdzi się jako dopełnienie wieczorowych stylizacji. W połączeniu z małą czarną lub eleganckim garniturem w neutralnych odcieniach będzie idealnym zwieńczeniem modnej stylizacji. Do tej wersji warto wybrać równie eleganckie dodatki, np. delikatne perłowe kolczyki lub srebrne akcenty. Zimowa moda nie może obyć się bez odrobiny luksusu, dlatego pillbox hat w towarzystwie futrzanych akcentów to jeden z najmodniejszych duetów tego sezonu. Wybieramy oczywiście futro w wersji ekologicznej. Stylizacje, które królują na ulicach Kopenhagi Tydzień mody w Kopenhadze słynie z odważnych, ale równocześnie minimalistycznych stylizacji, które doskonale odzwierciedlają skandynawskie podejście do mody: prostotę połączoną z wysoką jakością tkanin i wykończenia. Pillbox hat zdominował wybiegi, pojawił się m.in. w kolekcjach Ganni czy By Malene Birger, które umiejętnie łączą klasyczne akcenty trendami. To nakrycie głowy było obecne zarówno w casualowych, jak i bardziej formalnych stylizacjach, co tylko potwierdza jego uniwersalność i ponadczasowość. Jako dodatek, który subtelnie przyciąga uwagę, pillbox hat podkreśla minimalistyczną, ale i elegancką estetykę skandynawskiej mody.
NAOKO celebruje sportowe emocje – premiera limitowanej kolekcji Looney Tunes x Team PL
Polska marka modowa NAOKO prezentuje nową, limitowaną kolekcję Looney Tunes x Team PL, stworzoną we współpracy z kultową marką Looney Tunes oraz Polskim Komitetem Olimpijskim – Team PL. To wyjątkowe połączenie świata mody, popkultury i sportu, które celebruje zimowe sportowe emocje i zachęca do wspierania Olimpijskiej Reprezentacji Polski podczas XXV Zimowych Igrzysk Olimpijskich Mediolan-Cortina 2026.
Kolekcja interpretuje estetykę Zimowych Igrzysk Olimpijskich w charakterystycznym dla NAOKO, swobodnym i kolorowym stylu. Zimowe wydarzenia sportowe tej rangi od lat zajmują szczególne miejsce w sercach Polaków – jednoczą kibiców, budzą ogromne emocje i zapisują się w pamięci dzięki występom wybitnych sportowców oraz historycznym momentom. Motyw sportu został pokazany w kolekcji w lekkiej, popkulturowej odsłonie: z humorem, dystansem i wyraźnym modowym twistem. Ikoniczne postacie Looney Tunes należące do Warner Bros. Discovery, takie jak Bugs Bunny, Lola czy Tweety, pojawiają się w zimowych odsłonach oraz w polskich barwach, podkreślając ducha kibicowania. W kampanię i komunikację kolekcji zaangażowała się Agnieszka Kot, ambasadorka wspólnego kibicowania i sportowych emocji, prywatnie lekkoatletka, trenerka personalna oraz żona skoczka narciarskiego. Agnieszka zachęca do wyrażania dumy i radości z kibicowania również poprzez styl. NAOKO podkreśla przy tym, że kibicowanie nie musi ograniczać się do klubowych koszulek czy biało-czerwonych stylizacji. Ubrania z kolekcji Looney Tunes x Team PL dzięki modowemu designowi i popkulturowym grafikom mogą funkcjonować także poza sportowym kontekstem – jako wygodne, wyraziste elementy codziennej garderoby, które nosi się do miasta, w podróży czy na spotkania ze znajomymi, niezależnie od kalendarza wydarzeń. Linia Looney Tunes x Team PL obejmuje T-shirty, longsleeve’y, bluzy, marynarki oraz spodnie dresowe, tworząc spójną garderobę inspirowaną estetyką sportowego lifestyle’u. Kolekcja łączy komfort z wyrazistymi printami, mocnymi akcentami graficznymi i detalami nawiązującymi do symboliki Team PL, a jednocześnie pozostaje w pełni użytkowa na co dzień. O idei kolekcji i znaczeniu kolekcji mówi założycielka marki NAOKO, Monika Szyndler, podkreślając, że to kolejna współpraca marki z Looney Tunes, która ma dla niej szczególną wartość: „Takie współprace bardzo mnie ekscytują – to już kolejny projekt realizowany wspólnie z Looney Tunes.Tę kolekcję traktujemy jako kolekcjonerską i limitowaną, taką, której elementy warto mieć w swojej szafie, ale też nosić na co dzień. Dzięki designowi i popkulturowym detalom zostaje z nami na dłużej niż same Igrzyska.” – Monika Szyndler, założycielka NAOKO Komunikację kolekcji wzmocni również wsparcie influencerskie – twórczynie internetowe pokażą własne rytuały kibicowania oraz stylizacje inspirowane kolekcją, od wygodnych looków „na domowe oglądanie” po miejskie zestawy, które działają niezależnie od sportowych okazji. Kolekcja Looney Tunes x Team PL pokazuje, że sportowe inspiracje mogą stać się pełnoprawnym elementem modowej narracji. To propozycja dla osób, które chcą wyrażać emocje i wsparcie w sposób nowoczesny, wygodny i osobisty – zarówno w czasie Zimowych Igrzysk Olimpijskich 2026, jak i długo po nich. Materiał promocyjny marki NAOKO
Podczas tygodnia mody w Paryżu influencerki postawiły na jeden ważny detal. Masz go w swojej szafie
Niektóre trendy nie potrzebują wiele czasu, by zdominować sezon. Czasem wystarczy jeden detal, który pojawia się na tygodniu mody w Paryżu… Podczas tegorocznego wiele influencerskich stylizacji miało wspólny mianownik, a była nim marynarka przewiązana paskiem. Ten prosty, ale niezwykle efektowny zabieg jest wyraźną zapowiedzią innego podejścia do kobiecej sylwetki, czyli fasonów podkreślających talię. Oversize zyskuje nowe oblicze.
Trend, który pokochały influencerki Gdy mówimy o stylu, który łączy klasykę z trendami, marynarka z paskiem zajmuje w nim dziś ważne miejsce. W tym sezonie ten detal pojawia się w każdej możliwej formie: oversize, wśród fasonów blisko ciała, a pasek może być integralną częścią marynarki lub skórzanym dodatkiem, który odmienia wygląd prostej marynarki. Influencerki wykorzystują go, by wydobyć talię, dodać sylwetce proporcji i stworzyć look, który wygląda jak przeniesiony z tygodnia mody. Inspiracje z Paryża Na fashion weeku w Paryżu nie brakowało stylizacji, które udowadniały, że to bardzo uniwersalny trend. Influencerki zestawiały marynarki z paskiem zarówno z eleganckimi spódnicami midi, jak i z luźnymi jeansami czy minimalistycznymi sukienkami. Tym, co wyróżnia trend z Paryża, jest dowolność interpretacji: pasek może być kontrastowy do koloru marynarki, może być skórzany albo materiałowy, ważne, żeby zwracał uwagę i nadawał sylwetce pożądany kształt. Marynarka z paskiem to więcej niż modowy trik Połączenie marynarki z paskiem daje kobiecie pełną kontrolę nad sylwetką i sposobem, w jaki prezentuje się na co dzień, niezależnie od okazji. W wersji biurowej to prawdziwa rewolucja, klasyczna marynarka w stonowanym kolorze, przewiązana w talii delikatnym paskiem, zyskuje nową estetykę. Zamiast sztywnego garniturowego szyku, mamy styl smart elegance, profesjonalny, ale z subtelnym, kobiecym akcentem. Taki look sprawdza się doskonale w pracy, na spotkaniach i wszędzie tam, gdzie elegancja powinna iść w parze z lekkością. Na randce ta sama marynarka nabiera zupełnie innego charakteru. Dopasowany fason, wyraźnie zaznaczona talia i kontrastowy pasek – najlepiej skórzany lub o wyrazistej fakturze – potrafią przemienić prostą stylizację w zmysłową. To subtelna gra z klasyką, która tworzy grę między dosłownością, a formą. Z kolei na weekend marynarka z paskiem staje się bazą stylizacji w duchu miejskiej nonszalancji. Wystarczy luźny żakiet, T-shirt i ulubione sneakersy, by stworzyć look wygodny, stylowy i pełen charakteru. Co więcej, trend ten pozwala odświeżyć garderobę. Wystarczy sięgnąć po marynarkę, która wisi w szafie i dodać do niej pasek, może to być elegancki model, gruby skórzany pas albo nawet szeroka apaszka przewiązana w talii. Efekt? Świeży look, który w prosty sposób wpisuje się w aktualne trendy. Talia a właściwe proporcje sylwetki Jednym z najważniejszych elementów kobiecej sylwetki jest talia. Marynarka z paskiem to prosty sposób na jej zaakcentowanie, niezależnie od figury. Wiosennych kolekcjach ten trik jest szeroko prezentowany na wybiegach pret‑a‑porter – od projektów Max Mary, przez Bottega Veneta, aż po Miu Miu, w których paski zdobią nie tylko marynarki, ale też płaszcze i oversize’owe żakiety. Nic dziwnego, bo taki zabieg wydłuża optycznie sylwetkę. Chociaż trendy w modzie szybko się zmieniają, marynarka z paskiem ma szansę pozostać w nich na kilka sezonów. To detal, który pasuje niemal do wszystkiego. Niezależnie od tego, czy stawiasz na minimalizm, czy odważne stylizacje, ten trik jest łatwy do noszenia i bardzo efektowny.
Specula Mundi: Alessandro Michele rzuca wyzwanie światu. Kolekcja Valentino Haute Couture na wiosnę-lato 2026 to liturgia piękna i hołd dla mistrza Garavani
W świecie opanowanym przez szybkie przewijanie obrazów na ekranach smartfonów, Alessandro Michele mówi: „Stop”. Najnowsza kolekcja Valentino Haute Couture na sezon wiosna-lato 2026, zatytułowana „Specula Mundi”, to manifest wolności, uważności i głębokiego ukłonu w stronę tradycji, którą stworzył Valentino Garavani. To nie był zwykły pokaz – to był rytuał, który przywrócił modzie jej sakralny charakter.
Inspiracją dla Michele stała się zapomniana już dziś Kaiserpanorama – XIX-wieczne urządzenie optyczne, które pozwalało widzom oglądać trójwymiarowe obrazy przez małe wizjery. Właśnie tak projektant postrzega swoją nową kolekcję. W czasach „nadprodukcji bodźców”, Michele proponuje nam powrót do kontemplacji. „Haute Couture chce oferować wizję opartą na innej czasowości: na powolności, bliskości i koncentracji” – tłumaczy projektant w swoim manifeście. W kolekcji Specula Mundi każde ubranie jest jak „epifania” – objawienie, które wymaga od nas zatrzymania się. To bezpośrednie nawiązanie do filozofii samego Valentino Garavani, dla którego moda zawsze była celebracją wyjątkowej chwili, a nie zwykłym towarem. Specula Mundi, czyli zwierciadło mitów Nazwa kolekcji – „Zwierciadło Świata” – nie odnosi się do prostego odbicia rzeczywistości. Michele szuka prawdy w archiwach i mitach. Na wybiegu zobaczyliśmy: Archeologię Hollywood: Sylwetki modelek przypominały bóstwa srebrnego ekranu. To nie były tylko suknie, to były inkarnacje ikon, które Garavani ubierał przez dekady. Techno-liturgię: Pokazowi towarzyszyły bity techno przekształcone w rytualne, niemal sakralne uderzenia, odmierzające czas pojawiania się kolejnych sylwetek. Dialog z archiwum: Michele nie kopiuje Garavaniego. On z nim rozmawia. Widzimy to w perfekcyjnych liniach, które nawiązują do rzeźbiarskich form mistrza, ale są przefiltrowane przez współczesną wrażliwość Alessandro. Kunszt ponad wszystko: Szacunek dla "Petites Mains" W kolekcji na wiosnę i lato 2026 moda wysoka wraca do swoich korzeni jako miejsce święte. Każdy haft, każde pióro i każda aplikacja z pereł to dowód na to, że luksus to przede wszystkim czas i uwaga poświęcona drugiemu człowiekowi. Michele, oddając hołd Valentino Garavani, przypomina nam, że suknia couture nie jest produktem – jest „hierofanią”, czyli objawieniem sacrum w materii. Dlaczego ta kolekcja przejdzie do historii? „Specula Mundi” to odważny krok Michele. Projektant udowodnił, że potrafi okiełznać swój maksymalizm, by służył on wyższemu celowi: ochronie dziedzictwa Valentino przed hałasem współczesności. To hołd dla Garavaniego. Michele nie patrzy w przeszłość z nostalgią, ale używa jej jako fundamentu do budowania nowej, lepszej przyszłości mody. W tej kolekcji suknie nie są po to, by je „mieć” – są po to, by na nie patrzeć, czuć ich ciężar gatunkowy i doceniać kunszt, który przetrwa pokolenia. To właśnie jest prawdziwe Valentino Haute Couture.
Pastele, odważne printy i biurowy styl z charakterem. Wiosną stawiamy na swobodę i wyrazistość
Ulla Popken, marka mody mid i plus size, zaprezentowała już część kolekcji na nadchodzący sezon wiosna 2026. Odkryj najważniejsze trendy, które będą królować na ulicach i sprawdź, o jakie elementy warto uzupełnić garderobę.
Kurtki przejściowe w pastelowych odcieniach Delikatne odcienie pudrowego różu, lawendy i miętowej zieleni to absolutnie najmodniejsza i ekscytująca alternatywa dla wszechobecnych i przewidywalnych barw, takich jak beże, szarości i czerń. W tym sezonie stawiamy na modele, które pozwalają na warstwowy ubiór, doskonale sprawdzając się w kapryśnej przejściowej aurze: oversize’owe, luźne polary zapewnią przytulne ciepło i miejski, swobodny look, a lekko ocieplane kurtki funkcyjne okażą się niezastąpione w trakcie zimniejszych wiosennych poranków czy nagłych opadów. Kluczowym elementem wiosennej kolekcji Studio Untold jest także nowa interpretacja klasyki: modową kropkę nad i postawi zielona bomberka. Najnowsze modele kurtek przejściowych gwarantują, że będziesz czuć się modnie, nowocześnie i komfortowo przez cały, pełen wyzwań, wiosenny dzień. Zabawne nadruki Drugim, równie istotnym filarem wiosennej kolekcji, który wprowadza do mody lekkość i nutę beztroski, są energetyczne i radosne zabawne nadruki. To pełna optymizmu kontra dla modowego minimalizmu, stanowiąca natychmiastowy zastrzyk pozytywnej energii w codziennych stylizacjach. Właśnie w ten sposób Ulla Popken i Studio Untold udowadniają, że zabawa modą nie zna ograniczeń rozmiaru, a kluczem do udanego looku jest fantazja. Marka stawia na wyraziste i bezpretensjonalne motywy, które przyciągają wzrok i wywołują uśmiech. Niezależnie od tego, czy zdecydujesz się na T-shirt czy luźną bluzę, wprowadzenie takiego elementu do garderoby to gwarancja, że z łatwością osiągniesz pożądaną dawkę luzu i zabawy, sygnalizując światu radosne podejście do życia i stylu. Biurowa moda, która nie zna nudy Zapomnij o monotonii i przewidywalnych zestawieniach. Nadchodzący sezon pozwala na śmiałe wprowadzenie koloru i wzorów do biurowego dress code'u, nie rezygnując przy tym z profesjonalizmu. Kluczem jest pewność siebie i jakość materiałów. Zamiast zachowawczych szarości, postaw na garnitur w nasyconym kolorze, a jego elegancką formę przełam zabawnym t-shirtem. Innym niezbędnym elementem okażą się długie koszule w fantazyjne wzory, które z powodzeniem zastąpią klasyczne, białe modele, wnosząc do looku dynamikę i świeżość. A na bardziej swobodne, casualowe piątki, wybierz koszulę z miękkiej tkaniny z intrygującym wzorem, na przykład z fioletowymi cętkami i subtelnymi elementami fluo. Odwiedź www.ullapopken.pl lub zajrzyj do jednego z butików stacjonarnych w największych miastach Polski: Warszawie, Krakowie, Katowicach, Wrocławiu, Gdańsku lub Poznaniu. Materiał promocyjny marki Ulla Popken
Grzyby na wybiegu Chanel! Matthieu Blazy zszokował Paryż swoim debiutem w Haute Couture!
Zapomnijcie o klasycznej elegancji – nadchodzi era organicznego luksusu. Matthieu Blazy w swoim spektakularnym debiucie Haute Couture dla Chanel na sezon wiosna-lato 2026 postawił na... mykologię. Grand Palais wypełniły formy inspirowane światem grzybów, udowadniając, że wysokie krawiectwo może być równie fascynujące, co przyroda.
Kiedy ogłoszono, że Matthieu Blazy przejmuje stery w Chanel, wszyscy spodziewali się rewolucji rzemiosła. Jednak nikt nie przewidział, że jego pierwsza kolekcja Haute Couture na sezon wiosna-lato 2026 stanie się hołdem dla królestwa grzybów. Projektant zamienił Grand Palais w przestrzeń, gdzie nauka spotyka się z magią, a tradycyjny tweed z organiczną strukturą natury. Scenografia: Podziemne imperium grzybni Zamiast tradycyjnych dekoracji, Blazy zaproponował scenografię, która przenosiła widzów do wnętrza lasu lub futurystycznego laboratorium. Wybieg przypominał skomplikowaną sieć grzybni, a monumentalne formy o obłych kształtach imitowały kapelusze grzybów i porosty. To nie była tylko oprawa – to manifest „połączonego świata”, w którym moda, podobnie jak grzybnia, jest siecią naczyń połączonych, czerpiącą z przeszłości, by budować przyszłość. Kolekcja: Tekstury prosto z natury Blazy wykorzystał mykologię jako główny punkt wyjścia do projektowania tkanin. Kolekcja Haute Couture wiosna-lato 2026 to popis niespotykanych dotąd struktur: „Grzybowy” tweed: Klasyczny materiał Chanel został zinterpretowany na nowo – zyskał nieregularne wypukłości i porowate faktury, które do złudzenia przypominały spód kapelusza pieczarki lub boczniaka. Organiczne sylwetki: Zobaczyliśmy płaszcze i suknie o rzeźbiarskich, zaokrąglonych liniach, które naśladowały naturalny wzrost grzybów. Niektóre projekty miały wysokie, sztywne kołnierze przypominające pierścienie na trzonach. Paleta ziemi i toksycznego blasku: Obok stonowanych beżów, brązów i bieli pojawiły się neonowe akcenty przypominające bioluminescencyjne grzyby, co nadało kolekcji niemal kosmicznego charakteru. Nowa definicja rzemiosła Dla Blazy’ego debiut w Haute Couture był okazją do pokazania, że luksus tkwi w strukturze. Wykorzystano hafty imitujące zarodniki, a drobne koraliki układano tak, by tworzyły wzory przypominające pleśń lub mchy. To odważne podejście pokazuje, że Chanel pod nowym kierownictwem nie boi się trudnych, biologicznych inspiracji, zamieniając je w najczystszą formę sztuki krawieckiej. To nie był tylko pokaz mody – to była lekcja z ekologii estetycznej. Matthieu Blazy udowodnił, że potrafi wziąć najbardziej nieoczywisty temat i przekuć go w kolekcję, która na lata zdefiniuje styl Chanel.