Płaszcz za 100 tysięcy złotych? To nie Gucci. Poznaj ranking „Ultra-Quiet Luxury” dla najbogatszych!
Rozpoznajesz markę po logo? To nie jest „Ultra-Quiet Luxury”. W 2026 roku najbogatsi rezygnują z ostentacji na rzecz jakości czytelnej tylko dla wtajemniczonych. Oto ranking 10 marek, o których milczą reklamy, a za które miliarderzy płacą więcej niż za luksusowe auta.
Jeszcze kilka lat temu szczytem luksusu wydawała się torebka z wyraźnym monogramem znanego domu mody. Dziś, w dobie inflacji prestiżu, prawdziwa elita – słynne 0,001% społeczeństwa – ucieka w stronę stealth wealth, czyli ukrytego bogactwa. Najnowszy raport RETAILBOSS na rok 2026 nie pozostawia złudzeń: luksus, który „krzyczy”, staje się passé. W świecie Ultra-Quiet Luxury liczy się to, co niewidoczne dla oka laika. To „język dyskretnych sygnałów”: specyficzny miękki chwyt kaszmiru, perfekcyjna linia ramienia czy ręcznie szyte detale. Tu luksus definiuje się przez rzadkość występowania surowców i mistrzostwo wykonania, a nie przez kampanie z influencerami. Ranking Top 10: Marki, które definiują status w 2026 roku Oto zestawienie domów mody, które zdobyły najwyższe noty w indeksie opartym na cenie, rzadkości materiałów oraz dziedzictwie. Loro Piana (Włochy) – Niekwestionowany lider (9.6 pkt). Królestwo najdroższej wełny świata – wigonii (Vicuña). Płaszcz z tego materiału to wydatek rzędu 30 000 dolarów, a jego noszenie jest dla miliarderów niczym tajny uścisk dłoni. Kiton (Włochy) – Kwintesencja neapolitańskiego krawiectwa. Ich garnitury, szyte ręcznie przez dziesiątki godzin, potrafią kosztować nawet 100 000 dolarów. To ubrania, które „płyną” na sylwetce. Delvaux (Belgia) – Najstarsza marka luksusowej galanterii skórzanej na świecie (założona w 1829 r.). Torebki Delvaux to wybór kobiet, dla których Hermès stał się zbyt oczywisty. Moynat (Francja) – Kolejna perła w koronie francuskiego rzemiosła. Specjalizują się w kufrach i torebkach, które są niemal niemożliwe do zdobycia bez wcześniejszej historii zakupowej. John Lobb (UK/Francja) – Buty, które nosi się całe życie. Marka, która od 1866 roku obuwa królów, prezydentów i rekinów z Wall Street. Stefano Ricci (Włochy) – Luksus w wersji „ultra”. Marka dedykowana mężczyznom, którzy nie uznają kompromisów – od jedwabnych krawatów po wnętrza jachtów. Charvet (Francja) – Najsłynniejszy adres na Place Vendôme w Paryżu. To tutaj powstają koszule szyte na miarę, które uznaje się za najlepsze na świecie. Cesare Attolini (Włochy) – Legenda, która stworzyła współczesną miękką marynarkę neapolitańską. Dla koneserów męskiej elegancji to marka numer jeden. Brunello Cucinelli (Włochy) – „Król kaszmiru”, który sprzedaje nie tylko ubrania, ale całą filozofię „humanistycznego kapitalizmu”. Jego beżowe i szare swetry to mundur elit w Dolinie Krzemowej. The Row (USA) – Jedyny amerykański akcent w zestawieniu. Marka założona przez siostry Olsen stała się symbolem nowoczesnego minimalizmu, udowadniając, że jakość obroni się bez ani jednego widocznego logo. Dlaczego miliarderzy płacą za... brak metki? W dobie mediów społecznościowych, gdzie każdy może „wyglądać” na bogatego, prawdziwa elita szuka odróżnienia w autentyczności. Jak zauważają eksperci RETAILBOSS, marki takie jak Loro Piana czy Brunello Cucinelli oferują coś więcej niż produkt – oferują przynależność do grupy, która nie musi niczego udowadniać. To tzw. aesthetic purity (czystość estetyczna). W tym świecie sweter za 15 tysięcy złotych wygląda jak zwykły element garderoby, ale dzięki unikalnym włóknom zapewnia komfort nieporównywalny z niczym innym. To luksus przeznaczony dla zmysłów właściciela, a nie dla oczu przechodniów. Inwestycja w rzemiosło Wybierając marki z powyższej listy, klienci nie płacą za marketing, lecz za ginące zawody. Ręczne obszywanie dziurek w koszulach Charvet czy selekcjonowanie skór w Delvaux to procesy, których nie da się zautomatyzować. W 2026 roku to właśnie czas rzemieślnika staje się najdroższą walutą. Czy „ultra-cichy luksus” to jedyna droga dla mody premium? Wszystko na to wskazuje. W świecie, który stał się zbyt głośny, szept jest najbardziej słyszalny.
Gwiazdy i szyk na wiosennej ramówce Polsatu! Zobacz, kto pojawił się na tym wydarzeniu!
Prezentacja ramówki była okazją nie tylko do pokazania nowej oferty programowej stacji, ale także do przyjrzenia się stylizacjom zaproszonych gości. Kto tym razem zabłysnął na ściance?
Wiosenna ramówka Polsatu to nie tylko zapowiedź nowych programów i powrotów uwielbianych formatów, ale także prawdziwe święto stylu. Na ściankach pojawiły się znane gwiazdy związane ze stacją, które przyciągały spojrzenia dopracowanymi stylizacjami. Aktorzy, prezenterzy i jurorzy postawili na aktualne trendy, nowoczesny minimalizm, jak i ponadczasowe klasyki. Zobacz zdjęcia z wydarzenia pełnego blasku, emocji i wiosennej świeżości, która już teraz zapowiada nadchodzący sezon! ZOBACZ TAKŻE: Tylko u nas Janja Lesar mówi nam wprost: „Jesteśmy z Kasią Zillmann parą". Ujawnia, jaką planują przyszłość Stylizacje gwiazd na wiosennej ramówce Polsatu 2026 Podczas tego wydarzenia stylizacje gości wyraźnie pokazały, że moda dzienna nie musi być nudna. Na ściance widać było zarówno krótkie, nowoczesne formy – jak kowbojski zestaw Marceliny Zawadzkiej z modowym twistem: mini spódnicą, marynarką z zaznaczoną talią i mocną linią ramion – jak i bardziej klasyczne propozycje w stonowanej czerni, uzupełnione efektownymi dodatkami. Iwona Pavlović postawiła na elegancję z teatralną nutą – prostą czarną maxi uzupełnioną peleryną, która dodawała jej charakteru, oraz skórzanymi rękawiczkami. CZYTAJ TEŻ: Koronkowe sukienki? Nie tym razem! Modern femme fatale to walentynkowa zmysłowość w nowym wydaniu Nie zabrakło też akcentów kolorystycznych. W błękicie zaprezentowały Ewa Wachowicz i Aneta Zając – ich długie i eleganckie suknie przyciągały spojrzenia i dodawały im świeżości. Na wyrazistą czerwień z kolei zdecydowała się Patrizia Kazadi. Głęboko wycięty dekolt i przylegający materiał podkreślały zmysłowy styl. W naszej galerii zobaczysz najlepsze stylizacje gwiazd z wiosennej ramówki Polsatu 2026!
Birkenstock wypuszcza kolekcję… ślubną? To trzeba zobaczyć!
Klapki Birkenstock na ślubie? Tak – i to w najbardziej stylowej wersji. Kultowa marka połączyła siły z nowojorską projektantką Danielle Frankel, tworząc limitowaną kolekcję ślubnego obuwia, w której komfort spotyka couture. Perły, satyna i ikoniczne modele w nowej odsłonie udowadniają, że panna młoda nie musi wybierać między wygodą a spektakularnym efektem!
Klapki Birkenstock na ślubnym kobiercu? Jeszcze niedawno brzmiałoby to jak modowy żart, dziś staje się faktem. Kultowy brand obuwniczy połączył siły z nowojorskim maison ślubnym Danielle Frankel, tworząc limitowaną kolekcję ślubnego obuwia, która już teraz elektryzuje świat mody. To spotkanie dwóch pozornie odległych światów: funkcjonalnego designu oraz eterycznej estetyki couture nowoczesnych sukni ślubnych. Efekt? Kolekcja, która redefiniuje pojęcie ślubnego komfortu i luksusu. ZOBACZ TAKŻE: Koronkowe sukienki? Nie tym razem! Modern femme fatale to walentynkowa zmysłowość w nowym wydaniu Birkenstock x Danielle Frankel – moda ślubna w nowej odsłonie Wspólna kapsuła obejmuje cztery ikoniczne modele Birkenstock oraz dwa zupełnie nowe projekty stworzone specjalnie dla Danielle Frankel. Wszystkie sześć projektów zostało zreinterpretowanych w duchu couture – z wykorzystaniem lśniących tkanin, szlachetnych materiałów i wyrafinowanych detali, które nawiązują do estetyki nowojorskiego domu mody. To obuwie, które nie tylko ma wyglądać spektakularnie, ale też zapewniać wygodę przez cały dzień – od ceremonii aż po ostatni taniec. Perły, satyna i biżuteryjne detale W kolekcji znalazły się dobrze znane modele Birkenstock w zupełnie nowej odsłonie. Madrid, pierwsza sandałowa ikona marki zaprezentowana w 1963 roku, zyskała smuklejsze wiązania podkreślające minimalistyczną linię. Arizona została wykonana z czystej białej satyny i ozdobiona perłami – występuje także w uproszczonej, czarnej wersji unisex. Model Tulum zachwyca delikatnym perłowym wykończeniem na krzyżujących się paskach. Prawdziwą perełką są jednak ręcznie malowane Danielle Frankel Bespoke Boston oraz Danielle Frankel Bespoke Arizona, haftowane ręcznie i ozdobione szyfonowymi kwiatami. Buty na ślub… i długo po nim Danielle Frankel Hirsch, która założyła swoją markę w 2017 roku, od lat prywatnie nosi Birkenstocki. Nic więc dziwnego, że kolekcja została zaprojektowana z myślą o pannach młodych, które chcą czuć się sobą – pięknie, nowocześnie i komfortowo. Projektantka podkreśla, że buty mają sprawdzić się nie tylko w dniu ślubu, ale także długo po nim, stając się pamiątką noszoną na co dzień. Kolekcja jest dostępna od 12 lutego w Birkenstock, Danielle Frankel oraz u wybranych sprzedawców na całym świecie. CZYTAJ TEŻ: Walentynki 2026: zapomnij o czarnej i czerwonej bieliźnie. Trend soft sensual zmienia zasady Kampania została sfotografowana w Paryżu, a obuwie zestawiono z charakterystycznymi sukniami ślubnymi marki Danielle Frankel. Czy to najbardziej zaskakująca ślubna kolaboracja sezonu? Wszystko na to wskazuje. Takich Birkenstocków jeszcze nie widzieliśmy!
Zachwyciła na wybiegu Chloé, a teraz otworzyła pokaz Elie Saab – kim jest Polka, która rozkochała w sobie Paryż?
Jej twarz coraz częściej pojawia się na najważniejszych wybiegach i w prestiżowych kampaniach, a ostatnie wydarzenia tylko potwierdzają, że należy do grona najciekawszych nazwisk młodego pokolenia w branży.
Z każdym sezonem coraz mocniej zaznacza swoją obecność w świecie mody. Małgorzata (Meg) Dmitruk to polska modelka, której twarz pojawia się w kampaniach największych marek. Po udanych pokazach dla Chloé i Alaïa, teraz otwiera pokaz Elie Saab podczas paryskiego Fashion Weeku. Jej dynamicznie rozwijająca się kariera sprawia, że staje się jedną z najbardziej rozpoznawalnych Polek na światowych wybiegach. ZOBACZ TAKŻE: Te buty w 2026 nosi każda It-girl! 5 modeli, o których będzie głośno – nr 4 już znika ze sklepowych półek! Meg Dmitruk otwiera pokaz Elie Saab SS 2026 Na wybiegu Elie Saab pojawiła się jako pierwsza – nie ma wątpliwości, że to wyjątkowy moment w jej karierze. Otwarcie pokazu haute couture to jedno z największych wyróżnień w branży – zarezerwowane dla modelek, które nie tylko doskonale prezentują kolekcję, ale też wnoszą do niej własny charakter i klasę. Meg Dmitruk udźwignęła to zadanie z lekkością, która tylko dodała uroku całemu wydarzeniu. Pokaz kolekcji na sezon wiosna–lato 2026 odbył się w typowej dla libańskiego projektanta oprawie: eleganckiej, romantycznej, dopracowanej w każdym detalu. Kreacja, w której wystąpiła polska modelka, doskonale oddawała DNA marki – podkreślając zarówno delikatność sylwetki, jak i naturalną siłę jej obecności. Marki premium, prestiżowe magazyny i pewny krok na wybiegu Choć Meg Dmitruk obecna jest w modelingu od kilku lat, to właśnie ostatnie sezony potwierdziły jej pozycję wśród najbardziej rozchwytywanych polskich modelek. Pracowała z takimi markami jak Louis Vuitton (S/S 2024), Chloé (F/W 2024, S/S 2025), JW Anderson (F/W 2024) oraz Alaïa (S/S 2024). Równolegle pojawiała się w najważniejszych edytorialach i kampaniach – od Harper’s Bazaar Italia, ELLE Polska, Madame Figaro i Wallpaper, po lookbooki dla Louis Vuitton, Zary, Etam czy H&M. CZYTAJ TEŻ: Après-ski w nowej (starej) odsłonie. Ten otulający klasyk podbija Alpy i Instagram w sezonie 2026! Stylizacje z jej udziałem łączą młodzieńczą świeżość z elegancją, a obecność na łamach tylu prestiżowych tytułów świadczy o jej wszechstronności i silnej pozycji w branży. Kim jest Meg Dmitruk poza wybiegiem? Między kolejnymi projektami dzieli się migawkami z życia w podróży. Na jej Instagramie zobaczymy klimatyczne ujęcia z ulic Paryża, backstage’e z sesji zdjęciowych i momenty złapanego oddechu gdzieś między lotem a pokazem. Obok można znaleźć również piękne kadry z egzotycznych zakątków świata – jazda konno po plaży, tropikalna roślinność, zachody słońca to estetyka, która dominuje w jej relacjach. Modelka jest silnie związana z Paryżem – to właśnie tam ukończyła studia na prestiżowej Sorbonie, gdzie jako kierunek wybrała stosunki międzynarodowe. To doświadczenie z pewnością pomaga jej swobodnie poruszać się w pracy na różnych rynkach. Jej styl? Zawsze spójny, nowoczesny i bezpretensjonalny. Nowa twarz współczesnego modelingu Meg Dmitruk dołącza do grona modelek, które realnie wpływają na współczesną estetykę wybiegów. W świecie mody coraz częściej liczy się nie tylko uroda, ale także osobowość i autentyczność.
Specula Mundi: Alessandro Michele rzuca wyzwanie światu. Kolekcja Valentino Haute Couture na wiosnę-lato 2026 to liturgia piękna i hołd dla mistrza Garavani
W świecie opanowanym przez szybkie przewijanie obrazów na ekranach smartfonów, Alessandro Michele mówi: „Stop”. Najnowsza kolekcja Valentino Haute Couture na sezon wiosna-lato 2026, zatytułowana „Specula Mundi”, to manifest wolności, uważności i głębokiego ukłonu w stronę tradycji, którą stworzył Valentino Garavani. To nie był zwykły pokaz – to był rytuał, który przywrócił modzie jej sakralny charakter.
Inspiracją dla Michele stała się zapomniana już dziś Kaiserpanorama – XIX-wieczne urządzenie optyczne, które pozwalało widzom oglądać trójwymiarowe obrazy przez małe wizjery. Właśnie tak projektant postrzega swoją nową kolekcję. W czasach „nadprodukcji bodźców”, Michele proponuje nam powrót do kontemplacji. „Haute Couture chce oferować wizję opartą na innej czasowości: na powolności, bliskości i koncentracji” – tłumaczy projektant w swoim manifeście. W kolekcji Specula Mundi każde ubranie jest jak „epifania” – objawienie, które wymaga od nas zatrzymania się. To bezpośrednie nawiązanie do filozofii samego Valentino Garavani, dla którego moda zawsze była celebracją wyjątkowej chwili, a nie zwykłym towarem. Specula Mundi, czyli zwierciadło mitów Nazwa kolekcji – „Zwierciadło Świata” – nie odnosi się do prostego odbicia rzeczywistości. Michele szuka prawdy w archiwach i mitach. Na wybiegu zobaczyliśmy: Archeologię Hollywood: Sylwetki modelek przypominały bóstwa srebrnego ekranu. To nie były tylko suknie, to były inkarnacje ikon, które Garavani ubierał przez dekady. Techno-liturgię: Pokazowi towarzyszyły bity techno przekształcone w rytualne, niemal sakralne uderzenia, odmierzające czas pojawiania się kolejnych sylwetek. Dialog z archiwum: Michele nie kopiuje Garavaniego. On z nim rozmawia. Widzimy to w perfekcyjnych liniach, które nawiązują do rzeźbiarskich form mistrza, ale są przefiltrowane przez współczesną wrażliwość Alessandro. Kunszt ponad wszystko: Szacunek dla "Petites Mains" W kolekcji na wiosnę i lato 2026 moda wysoka wraca do swoich korzeni jako miejsce święte. Każdy haft, każde pióro i każda aplikacja z pereł to dowód na to, że luksus to przede wszystkim czas i uwaga poświęcona drugiemu człowiekowi. Michele, oddając hołd Valentino Garavani, przypomina nam, że suknia couture nie jest produktem – jest „hierofanią”, czyli objawieniem sacrum w materii. Dlaczego ta kolekcja przejdzie do historii? „Specula Mundi” to odważny krok Michele. Projektant udowodnił, że potrafi okiełznać swój maksymalizm, by służył on wyższemu celowi: ochronie dziedzictwa Valentino przed hałasem współczesności. To hołd dla Garavaniego. Michele nie patrzy w przeszłość z nostalgią, ale używa jej jako fundamentu do budowania nowej, lepszej przyszłości mody. W tej kolekcji suknie nie są po to, by je „mieć” – są po to, by na nie patrzeć, czuć ich ciężar gatunkowy i doceniać kunszt, który przetrwa pokolenia. To właśnie jest prawdziwe Valentino Haute Couture.
Zima nie odpuszcza, a one potrzebują nas bardziej niż kiedykolwiek. Ten piękny gest polskiej marki realnie ratuje życie…
Mrozy to najtrudniejszy test dla bezdomnych czworonogów. Lilou rusza z wyjątkową akcją „Schronisko”, udowadniając, że moda może iść w parze z wielkim sercem. Cały dochód ze sprzedaży dedykowanej biżuterii trafi do potrzebujących zwierząt.
Gdy temperatura spada poniżej zera, my otulamy się wełnianymi płaszczami i wracamy do ciepłych domów. Dla bezdomnych zwierząt zima to jednak walka o przetrwanie. Marka Lilou po raz kolejny pokazuje, że w świecie mody jest miejsce na empatię, inicjując akcję, obok której trudno przejść obojętnie. Wystarczy drobiazg na nadgarstku, by zapewnić ciepło tym, którzy sami o pomoc poprosić nie potrafią. Zima to wyjątkowo trudny i wymagający czas dla podopiecznych schronisk. Nagłe mrozy, wilgoć i przepełnione kojce sprawiają, że bezdomne psy i koty potrzebują naszego wsparcia bardziej niż kiedykolwiek. Często brakuje podstawowych środków na zapewnienie im komfortu termicznego czy odpowiednio kalorycznego jedzenia. W odpowiedzi na te pilne potrzeby, Lilou rozpoczęło akcję „Schronisko”. Czerwona wstążka – symbol, który ma moc W ramach inicjatywy powstały specjalne, dedykowane bransoletki. To delikatna, ale wymowna biżuteria – zawieszki w kształcie psa lub kota umieszczono na charakterystycznej, czerwonej wstążce. W kulturze czerwień często symbolizuje ochronę i energię, co w kontekście tej akcji nabiera dodatkowego znaczenia. To dodatek, który nie tylko pięknie prezentuje się na nadgarstku jako element codziennej stylizacji, ale przede wszystkim jest symbolem solidarności z czworonogami. To „mały gest, który może dać im bardzo wiele”. Realna pomoc, nie puste słowa To, co wyróżnia tę akcję na tle innych, to transparentność i skala pomocy. Marka zadeklarowała, że cały dochód ze sprzedaży tych konkretnych bransoletek zostanie przekazany na wsparcie schronisk dla zwierząt. Nie jest to więc procent od zysku, ale pełna kwota dedykowana na cel charytatywny. Na co zostaną przeznaczone zebrane środki? Potrzeby są prozaiczne, ale kluczowe dla przeżycia zimy: zapewnienie ciepła w kojcach (materiały do ocieplania), zakup karmy (pełne miski to podstawa termoregulacji), ubranka dla najbardziej marznących psów, stworzenie godnych warunków bytowych. Marka zapowiedziała, że o wyborze konkretnych placówek, do których trafi pomoc, będzie informować na bieżąco, reagując dynamicznie na zmieniającą się sytuację i potrzeby poszczególnych schronisk. Czas ucieka – jak dołączyć do akcji? Pomagać można na dwa sposoby – odwiedzając stacjonarne butiki marki lub robiąc zakupy online na lilou.pl. Warto się jednak pośpieszyć. Akcja trwa tylko do 19 stycznia. Jeśli więc szukacie drobnego prezentu dla bliskiej osoby lub po prostu chcecie zrobić coś dobrego, zaczynając rok od gestu serca, ta bransoletka będzie idealnym wyborem. Łączy w sobie miłość do designu z miłością do zwierząt – a to najpiękniejszy trend, jaki możemy sobie wyobrazić.
Zapomnij o minimalizmie! 2016 rok powraca - co naprawdę będziemy nosić w 2026?
Minimalizm odchodzi w cień. Moda 2026 wskrzesza styl sprzed dekady – wracają chokery, bomberki, estetyka Tumblr i maksymalizm glamour. Trend „2026 to nowy 2016” podbija internet i ulice, a raporty jasno pokazują: stylizacje z przeszłości znów są modne, tylko w nowocześniejszej odsłonie.
W 2026 roku obserwujemy wyraźny zwrot w stronę mody z 2016 roku. Media branżowe i użytkownicy internetu jednogłośnie wskazują na rosnącą popularność stylów, które królowały dekadę temu. Estetyka z 2016 roku, zwłaszcza ta znana z platformy Tumblr, przeżywa swoją drugą młodość. Trend „2026 to nowy 2016” zdobywa popularność w mediach społecznościowych, a nostalgiczne inspiracje stają się główną osią stylizacji młodych ludzi. W sieci, szczególnie na Reddit i TikToku, coraz częściej pojawiają się głosy mówiące o potrzebie powrotu do bardziej emocjonalnego i osobistego stylu. Estetyka sprzed dekady jawi się jako sposób na wyróżnienie się i zerwanie z wszechobecnym minimalizmem ostatnich sezonów. Co naprawdę wraca? Chokery, bomberki i brokat Moda 2026 to nie tylko nastrojowa nostalgia, ale konkretne elementy garderoby, które wracają do łask. Chokery, które były ikoną mody w 2016 roku, znów pojawiają się w stylizacjach – od prostych czarnych tasiemek po bogato zdobione wersje glamour. Do łask wracają również satynowe bomberki, halkowe sukienki typu slip dress oraz crop topy i spodnie z wysokim stanem. Wyraźnie widać też fascynację brokatem, błyskiem i akcentami w stylu glam, które wypierają gładkie, neutralne stylizacje kojarzone z quiet luxury. W modzie 2026 nie chodzi o subtelność – chodzi o wyrazistość i autentyczność. Pinterest Predicts: trendy 2026 roku Raport Pinterest Predicts 2026 jasno wskazuje, że nadchodzi era kolorów, faktur i maksymalizmu. Jednym z dominujących kolorów roku ogłoszono chłodny błękit (Cool Blue), który pojawia się nie tylko w ubraniach, ale i w makijażu czy wnętrzach. Ten odcień idealnie wpisuje się w vibe 2016 roku – świeży, młodzieńczy i nieco marzycielski. Wśród trendów 2026 raport Pinterest wymienia także „Glamoratti” – styl inspirowany luksusem, koronkami i klimatem glamour. Mamy więc do czynienia z reinterpretacją tamtych lat w duchu bardziej teatralnym i bogatszym w detale. Wśród akcesoriów królują ozdobne broszki, biżuteria w stylu vintage i wyraziste dodatki. Tumblr aesthetic i moda uliczna nowej generacji Moda 2026 zyskała też potężne wsparcie ze strony pokolenia Z. To właśnie zoomersi najbardziej zachwycili się estetyką Tumblr aesthetic i wprowadzili ją z powrotem na ulice. W 2016 Tumblr dyktował trendy – od stylizacji po muzykę – dziś jego duch powraca, ale w odświeżonej formie. Elementy takie jak podarte rajstopy, pastelowe włosy, kabaretki czy koszule w kratę są znów modne – ale łączone z nowymi technologiami, designerskimi dodatkami i modą unisex. To styl nostalgiczny, ale z nowoczesnym podejściem do tożsamości, różnorodności i autowyrazu. Dlaczego znów kochamy 2016? Społeczna nostalgia i bunt wobec minimalizmu Powrót stylu z 2016 roku to nie przypadek. Społeczna nostalgia wzmocniona przez niepokój, globalne kryzysy i szybkie tempo życia sprawiła, że wiele osób szuka ukojenia w przeszłości. Moda stała się formą eskapizmu, a styl sprzed dekady – symbolem prostszych czasów. Jednocześnie coraz więcej osób buntuje się przeciwko sterylnemu minimalizmowi. Moda 2026 nie chce już być wyciszona, idealna i pozbawiona emocji. Chce być kolorowa, autentyczna i wyrazista – jak nasze wspomnienia z 2016 roku.
Słynny monogram świętuje 130-lecie. Francuski dom mody zaskakuje wyjątkową niespodzianką
W 2026 roku francuski dom mody celebruje 130-lecie swojego najsłynniejszego wzoru. Z tej okazji zaprezentowano wyjątkową kolekcję „Monogram Origine”, która łączy historię, rzemiosło i nowoczesne spojrzenie na luksus.
Nie ma drugiego tak rozpoznawalnego wzoru w świecie mody jak monogram Louis Vuitton. Stworzony w 1896 roku przez Georges’a Vuittona, by uhonorować ojca i chronić dzieła domu mody przed plagiatem, stał się symbolem rzemiosła, prestiżu i aspiracji. Znak złożony z przeplatających się liter LV, kwiatowych medalionów i gwiazd rodem z secesyjnych zdobień, w ciągu 130 lat zyskał status globalnej ikony, znanej od Paryża po najdalsze zakątki świata. ZOBACZ TAKŻE: Najpiękniejsze cytaty Audrey Hepburn, które zainspirują cię na początek roku! Z bagażu podróżnego do popkultury Monogram zrodził się z podróży – pierwsze kufry Louis Vuitton miały być wytrzymałe i piękne, a logo stało się znakiem jakości. Z czasem monogram stał się towarzyszem największych ikon stylu: od Audrey Hepburn, przez Jacqueline Kennedy Onassis, po Kate Moss i Angelinę Jolie. Wzór przenikał do popkultury – pamiętamy go z torebki Paris Hilton z lat 2000, która na nowo zdefiniowała glamur. Projektanci tacy jak Marc Jacobs, Nicolas Ghesquière, Virgil Abloh i Pharrell Williams nadali mu nową energię, balansując między dziedzictwem a nowoczesnością. Nowa kolekcja – ukłon w stronę historii i przyszłości W tym roku dom mody Louis Vuitton celebruje 130. rocznicę monogramu specjalną kolekcją „Monogram Origine”. To powrót do korzeni – wzór z 1896 roku odtworzony na nowej tkaninie lniano-bawełnianej, ręcznie malowanej pastelowymi kolorami inspirowanymi archiwami. W kolekcji pojawią się też odświeżone wersje ikonicznych modeli torebek: Speedy (1930), Noé (1932), Alma (1992) i Neverfull (2007), każda z wyjątkową rocznicową metką. CZYTAJ TEŻ: Te 4 topowe dodatki królują tej zimy w Aspen. Kupisz je za grosze, a zyskasz look jak z Instagrama Monogram, który nie zna granic czasu Czym wyróżnia się ten wzór? Trwałością i zdolnością do nieustannej transformacji. Pozostając wierny swoim korzeniom, jednocześnie otwiera się na nowe interpretacje – z pomocą artystów takich jak Takashi Murakami czy Yayoi Kusama. To dzięki tej elastyczności monogram LV nie tylko przetrwał, ale i zyskał nowe znaczenie jako symbol stylu i aspiracji. Świętowanie w wielkim stylu Louis Vuitton nie tylko celebruje historię, ale zaprasza do wspólnej podróży przez dziedzictwo mody. Rocznicowa kolekcja to hołd złożony rzemiosłu, tradycji i wizji, która przez 130 lat kształtowała świat luksusu. Dla fanów marki to nie tylko moment, który zapisze się w historii mody, ale także wyjątkowa okazja dla kolekcjonerów!
Porządki w szafie na nowy rok. Znana specjalistka wyjaśnia, od czego naprawdę warto zacząć
Porządki w szafie na Nowy Rok to coś więcej niż sprzątanie – to symboliczny reset. Odkryj, jak metoda Marie Kondo może zmienić Twoją przestrzeń i styl życia.
Początek stycznia to nie tylko czas postanowień, ale też doskonała okazja, by wprowadzić świeżość do swojego życia — zaczynając od garderoby. Porządki w szafie to symboliczny gest, który pomaga zakończyć pewien etap i wejść w nowy z lekkością. Zamiast przechowywać ubrania, które nie noszą się od lat, warto świadomie przeanalizować zawartość półek i wieszaków. Nowy Rok to idealny moment na reset – także ten modowy! ZOBACZ TAKŻE: Ten hit z sieciówki uratuje twoją sylwestrową stylizację. Teraz znajdziesz go na wyprzedaży! Marie Kondo – ekspertka od radości i porządku Jeśli potrzebujesz przewodnika, warto sięgnąć po sprawdzoną metodę Marie Kondo – japońskiej mistrzyni declutteringu i autorki bestsellera Magia sprzątania. Jej filozofia opiera się na prostym, ale skutecznym pytaniu: Czy to sprawia mi radość? Jeśli odpowiedź brzmi „nie” – czas się pożegnać. Metoda KonMari zyskała miliony fanów na całym świecie. Jak uporządkować szafę według metody KonMari? Marie Kondo nie radzi zaczynać od przypadkowego przeglądania ubrań, ale od konkretnego procesu. Wyjmij wszystko – tak, wszystko. Widok całej garderoby pozwoli lepiej zrozumieć, ile rzeczy posiadasz. Dotknij i poczuj – dotyk ma znaczenie. Każdy element garderoby powinien wywoływać pozytywne emocje. Kategoryzuj, nie mieszaj – sortuj ubrania według rodzaju: najpierw koszulki, potem spodnie, sukienki itd. Pionowe składanie ubrań – ikoniczna technika Marie Kondo pozwala lepiej zagospodarować przestrzeń i uniknąć bałaganu. Szacunek dla przedmiotów – specjalistka zachęca, by podziękować każdej rzeczy za to, co dla nas zrobiła. To rytuał, który nadaje porządkom sens. Dlaczego porządek w szafie wpływa na cały styl życia? Nie chodzi tylko o to, by ubrania były poukładane. Porządek w przestrzeni to często początek porządku w głowie. Mniej rzeczy oznacza mniej stresu i szybsze decyzje każdego ranka. W zadbanej garderobie łatwiej zidentyfikować, czego naprawdę potrzebujesz – co otwiera drogę do bardziej świadomej mody. CZYTAJ TEŻ: Najmodniejsze narciarskie looki sezonu – fashionistki oszalały na ich punkcie! Minimalizm to luksus dostępny dla każdego Dzięki metodzie Marie Kondo nie tylko odzyskasz przestrzeń, ale też zdefiniujesz własny styl. Garderoba pełna przypadkowych, nienoszonych ubrań to balast. Gdy zostają tylko rzeczy, które naprawdę lubisz – czujesz się lżej, wyglądasz lepiej i kupujesz mądrzej. W efekcie – oszczędzasz czas, pieniądze i energię. Rok 2026 czas zacząć od nowa — od Twojej szafy Nie czekaj na “lepszy moment”. Porządki w szafie to nie tylko zadanie do odhaczenia z listy, ale inwestycja w Twój komfort i dobre samopoczucie. Nowy Rok to idealna chwila, by zrobić miejsce na nowe doświadczenia — zaczynając od przestrzeni, która towarzyszy Ci każdego dnia.
Jak nosić najmodniejszy kolor roku 2026? Oto dodatki w odcieniu Cloud Dancer, które zrobią cały look!
Cloud Dancer, czyli lekko kremowy odcień bieli, został wybrany przez Pantone kolorem roku 2026. To świeży, subtelny i uniwersalny kolor, który podbił serca projektantów i redaktorek mody. Sprawdź, jak nosić go z klasą i które dodatki w tym odcieniu będą hitem nadchodzącego sezonu.
Cloud Dancer to czysta, miękka biel o mlecznym, niemal perłowym tonie. Nie jest to chłodny, lodowy odcień, ale raczej neutralna i świetlista barwa, która potrafi pięknie odbijać światło, podkreślając przy tym fakturę tkanin i konstrukcję ubrań. Wyróżnia się subtelnością i uniwersalnością – pasuje zarówno do eleganckich, jak i casualowych stylizacji. Pantone, globalny autorytet w dziedzinie kolorystyki, ogłosiło Cloud Dancer kolorem roku 2026, wskazując go jako dominujący trend nadchodzących miesięcy. W swoim wyborze instytut zwrócił uwagę na potrzebę spokoju, łagodności i estetycznego resetu – w świecie przeładowanym intensywnymi bodźcami wizualnymi, właśnie neutralne, harmonijne barwy zyskują na znaczeniu. Cloud Dancer wpisuje się w ten nurt idealnie: emanuje świeżością, elegancją i ponadczasowym szykiem. Symbolika koloru Cloud Dancer – więcej niż estetyka Ten subtelny odcień ma też głębszy wymiar – symbolizuje nowy początek, świeżość i czystość. W dobie przesycenia trendami, krzykliwymi formami i wizualnym chaosem, Cloud Dancer to spokojna, ale wyrazista alternatywa. To kolor, który przemawia do emocji – nie krzyczy, ale koi. Idealnie współgra z trendem mindful fashion, który skupia się na jakości, świadomych wyborach i zrównoważonej estetyce. Cloud Dancer nie potrzebuje dodatków, by robić wrażenie – wystarczy jeden element garderoby lub akcesorium w tym odcieniu, by stylizacja nabrała wyrafinowanego charakteru. Projektanci mody tak chętnie sięgają po ten kolor w swoich kolekcjach na 2026 rok, ponieważ pozwala on eksperymentować z formą, teksturą i światłem, nie tracąc przy tym elegancji i nowoczesnego charakteru. Stylizacje w kolorze Cloud Dancer – jak noszą go trendsetterki? W sezonie 2026 biel przestaje być tylko tłem – staje się bohaterką stylizacji. Na ulicach Paryża, Mediolanu i Kopenhagi redaktorki mody, stylistki i influencerki z najwyższej ligi jednogłośnie postawiły na Cloud Dancer – w wersji total look lub jako przemyślany, przyciągający uwagę akcent. Wzrok przyciągała sylwetka ubrana w długą, koszulową suknię o męskim kroju, zestawioną z masywnymi czarnymi okularami i klasyczną torebką. To kwintesencja współczesnej elegancji – „effortlessly chic” w najczystszej postaci. Biel gra tu główną rolę, ale to kontrastujące dodatki definiują całość. Z kolei minimalistka w duchu „quiet luxury” wybiera monochromatyczny komplet: plisowaną spódnicę i sportową kurtkę w tym samym odcieniu Cloud Dancer, uzupełnione o skórzane kozaki. Zdecydowanie najwięcej spojrzeń przyciągały jednak białe total looki – perfekcyjnie skrojone garnitury z paskiem w talii, gładkie swetry zestawione z szerokimi spodniami z lejącego materiału, a wszystko dopełnione akcesoriami w odcieniu mlecznej bieli. Cloud Dancer w takiej odsłonie nie tylko podkreśla klasę, ale też otwiera pole do modowej interpretacji bez kompromisów. Dodatki w odcieniu Cloud Dancer – to one robią cały look! Kolor Cloud Dancer doskonale prezentuje się w dodatkach – są one subtelnym, ale mocnym akcentem w każdej stylizacji. Oto najmodniejsze akcesoria w tym odcieniu: Botki na obcasie Carole Ivory od Vanda Novak – eleganckie, skórzane, w odcieniu kremowej bieli. Idealne do spódnic midi, garniturów i jeansów. Kopertówka Belted Clutch Bag od COS – minimalistyczna torebka z paskiem w odcieniu chalk, która doda klasy każdemu outfitowi. Bowling Bag Cream od MAKO – torba typu bowling w kolorze śmietankowym – połączenie funkcjonalności i designu. Wełniana balaclava Ame Off White od MUUV – nie tylko praktyczna, ale i modna. W sam raz na chłodniejsze dni w 2026 roku. Cloud Dancer na co dzień i od święta – inspiracje, które pokochasz Ten kolor można z powodzeniem nosić zarówno w codziennych stylizacjach, jak i na wyjątkowe okazje. W dzień wybierz oversize’owy płaszcz lub koszulową sukienkę, które zapewnią komfort i styl. Na wieczór – postaw na garnitur w kolorze Cloud Dancer z kontrastującymi dodatkami w czerni, złocie lub ciemnym brązie. Cloud Dancer świetnie komponuje się z neutralną paletą kolorów: beżami, szarościami i pastelami. Jednocześnie potrafi być tłem dla intensywnych barw, np. czerwieni czy granatu. To właśnie jego uniwersalność sprawia, że z łatwością dopasujesz go do swojej szafy.
Pantone ogłasza kolor roku 2026! Tego odcienia nikt się nie spodziewał
Pantone zaskakuje decyzją – kolorem roku 2026 został odcień o nazwie Cloud Dancer. Co oznacza ten wybór i dlaczego właśnie teraz świat potrzebuje bieli?
Po raz pierwszy od momentu powstania projektu „Color of the Year” w 1999 roku, Pantone zdecydowało się postawić na biały kolor. W 2026 rok kolorem roku będzie 11-4201 Cloud Dancer – odcień opisany jako „balanced white”. Według dyrektor wykonawczej Pantone Color Institute, wybór ten niesie ze sobą symbolikę nawiązującą do współczesnego świata. ZOBACZ TAKŻE: Co kupić facetowi na Mikołajki 2025? Nasz przewodnik po najlepszych pomysłach Biel na szczycie: historyczny wybór Pantone Eksperci Pantone podkreślają, że Cloud Dancer działa niczym „szept spokoju” w przebodźcowanym świecie pełnym hałasu, technologii i mediów społecznościowych. W dobie nieustannego przepływu informacji biały kolor ma stanowić emocjonalny reset. Wybór odzwierciedla pragnienie nowego początku, wyciszenia i koncentracji – a także potrzebę odnalezienia sensu w świecie pełnym bodźców. Globalny wpływ i współprace marki Pantone Cloud Dancer zyskał już uznanie w świecie mody – w ostatnich miesiącach szerokim echem odbiła się obecność na Paris Fashion Week Meghan Markle w kreacji właśnie w tym odcieniu. Kolor idealnie wpisuje się także w trend wellness. Biel od dawna utożsamiana jest z czystością, spokojem i zdrowiem, co czyni ją naturalnym wyborem dla produktów z tego sektora. CZYTAJ TEŻ: Noś botki bez efektu skracania nóg: te stylizacyjne sztuczki naprawdę działają! Pantone nie ogranicza się jedynie do symboliki – ogłoszeniu Cloud Dancer kolorem roku 2026 towarzyszą liczne współprace. Marka połączyła siły z gigantami rynku, takimi jak Motorola, Play-Doh czy Post-it. Dzięki temu Cloud Dancer ma szansę na silną obecność w wielu obszarach życia codziennego – od designu po technologię i wellness.
Nie zgadniesz, co Kim Kardashian wymyśliła dla twoich włosów. Skims znów przesuwa granice!
Marka Skims, założona przez Kim Kardashian, rozszerza swoje imperium — tym razem o… akcesoria do włosów. Współpracując z kultową szczotkową marką oraz luksusowym producentem jedwabnych dodatków, Skims proponuje cztery szczotki dostosowane do różnych typów włosów oraz jedwabne opaski, poszewki i gumki. Kolekcja już wzbudziła ogromne zainteresowanie — to coś, o czym będzie głośno.
Kim Kardashian nie zwalnia tempa. Po sukcesach kolekcji bielizny modelującej i odzieży sportowej, przyszła pora na kolejny segment beauty — włosy. Marka Skims wprowadziła linię akcesoriów do włosów obejmującą szczotki i jedwabne dodatki. To kolejny krok w rozwoju marki lifestyle’owej, który wykracza daleko poza klasyczną modę. Nowa linia Skims Hair została opracowana z myślą o codziennej pielęgnacji i stylizacji włosów — z naciskiem na komfort, jakość i minimalistyczny, luksusowy design. Produkty są utrzymane w kultowych, neutralnych odcieniach marki Skims, pasujących do każdej łazienki i toaletki. Cztery szczotki — każdy typ włosów znajdzie swoją Jednym z kluczowych punktów premiery jest współpraca z marką Tangle Teezer — legendarnym producentem szczotek do włosów. W ramach kolekcji dostępne są cztery szczotki, które odpowiadają na różne potrzeby pielęgnacyjne: The Detangling Brush – do rozczesywania mokrych i suchych włosów bez ich uszkadzania. The Cushion Brush – do wygładzania i stylizacji, idealna przy suszeniu. The Volume Brush – do zwiększania objętości włosów. The Comb – szeroki grzebień do stylizacji i rozprowadzania produktów. Każda z nich została zaprojektowana z myślą o wygodzie użytkowania i dopasowana do minimalistycznego stylu Skims. Jedwabne scrunchies, poszewki i maski do spania — luksus także w nocy Kolekcja Skims Hair to także produkty z najwyższej jakości jedwabiu. Marka nawiązała współpracę z luksusową firmą Slip, znaną z jedwabnych dodatków do włosów. W ofercie znalazły się: Scrunchies – jedwabne gumki do włosów, które nie niszczą struktury włosa. Jedwabne opaski – idealne do wieczornej pielęgnacji twarzy. Maski do spania i poszewki na poduszki – pomagają chronić włosy i skórę w trakcie snu. Wszystkie akcesoria dostępne są w spójnej kolorystyce nude i pastelowych odcieni, które wpisują się w estetykę Skims. <img src="https://images.immediate.co.uk/production/volatile/sites/48/2025/12/Zrzut-ekranu-2025-12-3-o-11.14.41-511cb32.png" width="1354" height="1148" alt="SLIP X SKIMS PURE SILK CONTOUR SLEEP MASK | CHERRY BLOSSOM CANDY HEART PRINT FLAT ON A WHITE BACKGROUND | FOCUS: 0.0, 1.0, 0.9 SLIP X SKIMS PURE SILK CONTOUR SLEEP MASK | CHERRY BLOSSOM CANDY HEART PRINT FLAT ON A WHITE BACKGROUND | FLT @ | FOCUS: 0.0, 1.0, 0.9 PURE SILK CONTOUR SLEEP MASK, Slip x Skims, 450 zł" title="SLIP X SKIMS PURE SILK CONTOUR SLEEP MASK | CHERRY BLOSSOM CANDY HEART PRINT FLAT ON A WHITE BACKGROUND | FOCUS: 0.0, 1.0, 0.9 SLIP X SKIMS PURE SILK CONTOUR SLEEP MASK | CHERRY BLOSSOM CANDY HEART PRINT FLAT ON A WHITE BACKGROUND | FLT @ | FOCUS: 0.0, 1.0, 0.9 PURE SILK CONTOUR SLEEP MASK, Slip x Skims, 450 zł" /> Dlaczego Skims znów robi furorę? Kim Kardashian nie przestaje redefiniować pojęcia luksusowej codzienności. Linia Skims Hair odpowiada na realne potrzeby kobiet — wygodę, jakość, design i funkcjonalność. Wszystkie produkty z nowej kolekcji łączą modowy charakter z troską o zdrowie i wygląd włosów. To propozycja, która ma szansę stać się nowym must-have w kosmetyczkach kobiet na całym świecie. Premiera kolekcji Skims Hair wywołała entuzjastyczne reakcje — zarówno w mediach społecznościowych, jak i wśród specjalistów od pielęgnacji. To dowód, że imperium Kardashian wciąż się rozwija i nie powiedziało jeszcze ostatniego słowa.
Rewolucyjna decyzja New York Fashion Week: moda idzie w stronę odpowiedzialności
To koniec ery futer na jednej z najważniejszych światowych scen mody. Council of Fashion Designers of America ogłosiła, że New York Fashion Week będzie całkowicie wolny od futer zwierzęcych. Decyzja zapadła po latach współpracy z organizacjami prozwierzęcymi i stanowi jasny sygnał zmian w świecie mody.
Council of Fashion Designers of America, organizator kalendarza pokazów dla New York Fashion Week, ogłosiła, że nie będzie już promować ani dopuszczać futer zwierzęcych na oficjalnych wydarzeniach w ramach tygodnia mody. Decyzja dotyczy wszystkich elementów harmonogramu NYFW – zarówno pokazów, jak i kanałów komunikacji: strony internetowej, kalendarza wydarzeń oraz mediów społecznościowych. W komunikacie podkreślono, że to oficjalny i ostateczny koniec obecności futer na tej prestiżowej scenie modowej. ZOBACZ TAKŻE: A$AP Rocky rozpoczyna współpracę z ikoną luksusu. Jak francuski dom mody zmienia zasady gry w branży? Od kiedy obowiązuje zakaz futer na NYFW? Nowe zasady wejdą w życie od września 2026 roku, co oznacza, że sezon jesień/zima 2026 będzie pierwszym w pełni wolnym od futer. Council of Fashion Designers of America zaznaczyła, że ta perspektywa daje projektantom wystarczająco dużo czasu, aby dostosować swoje materiały i zaplanować pokazy bez udziału naturalnego futra. Jak doszło do rewolucyjnej zmiany? Decyzja Council of Fashion Designers of America jest efektem wieloletniej współpracy z organizacjami zajmującymi się ochroną zwierząt, takimi jak Humane World for Animals oraz Collective Fashion Justice. Te organizacje przez lata edukowały branżę na temat pochodzenia futer oraz wpływu ich produkcji na dobrostan zwierząt. Równocześnie PETA nieustannie prowadziła kampanie przeciwko używaniu futer w modzie, podkreślając argumenty dotyczące cierpienia zwierząt i nieetycznych praktyk hodowlanych. Projektanci i pokazy mody odchodzą od futer Dla projektantów decyzja oznacza jednoznaczną konieczność rezygnacji z futer zwierzęcych w kolekcjach prezentowanych w ramach oficjalnego kalendarza NYFW. To także jasny komunikat dla marek – moda przyszłości nie uwzględnia materiałów pochodzenia zwierzęcego. CZYTAJ TEŻ: Zimowe botki z klasą? Te modele wyglądają jak z paryskiego butiku! Decyzja Council of Fashion Designers of America wpisuje się w globalny trend odchodzenia od futer. Już wcześniej podobne stanowisko zajęły takie luksusowe marki jak Gucci, Giorgio Armani czy Chanel, które zadeklarowały, że nie będą używać nowych futer w swoich projektach. Czy to nowy trend w światowej modzie? Choć futra przez wieki stanowiły symbol luksusu, statusu i... ochrony przed zimnem, obecnie ich użycie w modzie staje się coraz mniej akceptowane. W obliczu rosnącej świadomości społecznej i ekologicznej, świat mody zmienia kierunek. Coraz częściej wybierane są materiały cruelty-free czy futra z drugiej ręki. Zakaz futer na New York Fashion Week to nie tylko symboliczna decyzja – to sygnał, że branża podejmuje odpowiedzialność za swoje wybory.
A$AP Rocky rozpoczyna współpracę z ikoną luksusu. Jak francuski dom mody zmienia zasady gry w branży?
Amerykański raper i ikona stylu, A$AP Rocky, oficjalnie dołączył do grona ambasadorów Chanel. To nie tylko współpraca z luksusową marką — to sygnał, że dom mody stawia na świadomą reinwencję wizerunku, łącząc haute couture z kulturą ulicy i popu. Czy to początek nowej ery w świecie mody?
Francuski dom mody Chanel ogłosił oficjalnie, że A$AP Rocky został nowym ambasadorem marki. To pierwszy raz, kiedy dom z tak klasyczną historią i prestiżem zdecydował się na współpracę z artystą wywodzącym się z kultury hip-hopu. W komunikacie prasowym podkreślono, że o wyborze zdecydowały „nieograniczona kreatywność, talent i autentyczna ciekawość” rapera. Za decyzją stoi Matthieu Blazy – dyrektor artystyczny, który otwarcie mówi o potrzebie przełamywania konwenansów i redefinicji luksusu. Luksus spotyka kulturę ulicy. Chanel stawia na nową wizję Współpraca z A$AP Rocky’m to nie tylko wybór ambasadora – to manifest. Chanel, kojarzone dotąd z wyrafinowaniem, klasyką i elitarnym światem mody, otwiera się na wpływy kultury ulicznej. To właśnie ten ruch pokazuje, jak bardzo zmienia się sposób, w jaki marki luksusowe komunikują się ze światem. Zamiast modelek z rodowodem, wybierają osobowości, które budują pomosty między modą, muzyką i popkulturą. A$AP Rocky to nie tylko raper – to także twórca trendów, który inspiruje setki tysięcy ludzi na całym świecie. Margaret Qualley i A$AP Rocky – kulisy tajemniczej kampanii Jeszcze przed ogłoszeniem współpracy, A$AP Rocky został zauważony na planie zdjęciowym w Nowym Jorku, gdzie pracował z aktorką i modelką Margaret Qualley. Wszystko wskazuje na to, że duet ten tworzy kampanię Chanel, która może być jedną z najbardziej wyczekiwanych produkcji reklamowych sezonu. Choć marka nie zdradza szczegółów, zdjęcia zza kulis sugerują filmowy charakter projektu — z dużym naciskiem na emocje, historię i estetykę nowej generacji. To nowy poziom storytellingu w modzie. Co oznacza ta współpraca dla świata mody? Wybór A$AP Rocky’ego jako ambasadora Chanel może być punktem zwrotnym dla całej branży. To potwierdzenie, że granica między streetwearem a haute couture jest coraz mniej wyraźna. Luksus nie musi być już tylko domeną białych kołnierzyków – może być barwny, ekspresyjny i autentyczny. Marka z tak bogatą historią jak Chanel, która decyduje się na współpracę z twórcą wywodzącym się z Harlemu, daje jasny sygnał: moda przyszłości to różnorodność, inkluzywność i odwaga w łączeniu światów. A$AP Rocky jako ikona stylu 2025 – CFDA docenia nowy autorytet W 2025 roku A$AP Rocky otrzymał prestiżowy tytuł Fashion Icon Award przyznawany przez Council of Fashion Designers of America. To wyróżnienie podkreśla jego status jako jednej z najbardziej wpływowych postaci współczesnej mody. Jego styl, łączący klasykę z odważnymi detalami, sprawił, że stał się inspiracją zarówno dla projektantów, jak i fanów mody na całym świecie. Współpraca z Chanel jest więc nie tylko symbolicznym gestem – to logiczny krok w karierze człowieka, który od lat definiuje, czym jest nowoczesny styl. Chanel zmienia zasady gry Decyzja o uczynieniu A$AP Rocky’ego twarzą Chanel to coś więcej niż chwilowy trend. To odważna, strategiczna decyzja, która może wpłynąć na przyszłość całej branży. Współczesna moda coraz częściej zwraca się ku autentyczności, energii i kulturze – a mniej ku elitarnemu dystansowi. Chanel pokazuje, że można być jednocześnie klasycznym i progresywnym. A$AP Rocky? Udowadnia, że styl nie zna granic — ani gatunkowych, ani kulturowych.
Trend który wywraca świat mody do góry nogami! Najgorętsze torebki 2026 roku to te sprzed… dekad!
W erze, gdy nostalgia jest silniejsza niż jakakolwiek nowinka, najgorętsze torebki sezonu to… modele sprzed lat. Ikoniczne fasony takie jak Chloé Paddington, Balenciaga Le City czy kultowy fason Coach powracają z impetem, by znów zawładnąć wybiegami, Instagramem i… Twoją szafą. Dzisiaj przyglądamy się temu modowemu tsunami i temu, co naprawdę jest „must‐have” w nadchodzącym 2026 roku.
W świecie mody „cofanie się, by ruszyć naprzód” nie jest tylko metaforą — to realny mechanizm powrotu stylów. Pojawia się coraz więcej archiwalnych modeli, które zyskują drugie życie. Przykładem jest model Paddington od Chloé, który pierwotnie zaprezentowany został w kolekcji wiosna‑lato 2005. Z drugiej strony, marka Balenciaga ponownie wprowadza na rynek model Le City – jedną z najbardziej kultowych torebek początku lat 2000. Nostalgia za estetyką Y2K i wczesnych lat dwutysięcznych sprawia, że akcesoria z tamtego okresu zyskują nową wartość. Styl boho‑chic, miękkie skórzane formy, duże kłódki czy charakterystyczny hardware – wszystko to wraca w nowej odsłonie. Modele te nie tylko zyskują na popularności, ale i realnie zwiększają swoją wartość rynkową. Kultowe fasony, które trzeba znać Na pierwszy plan wysuwają się dwa modele: Paddington od Chloé oraz Le City od Balenciaga. Chloé Paddington – Torebka ta pojawiła się w kolekcji wiosna‑lato 2005 i niemal od razu stała się „it‑bag”. W 2025 roku została wznowiona i odświeżona przez dom mody Chloé. Charakterystyczna kłódka, miękka skóra oraz boho‑charakter sprawiają, że model ten idealnie wpisuje się w kategorię archiwalnych torebek 2026, które łączą historię z nowoczesnością. Balenciaga Le City – Model ten swoją pierwotną wersją pochodzi z 2001 roku i właśnie wrócił jako reedycja kultowego designu. Dziś ponownie zyskuje popularność, dzięki swojej ponadczasowości, dynamicznej sylwetce i nowoczesnemu podejściu do stylu Y2K. Wśród odświeżanych modeli nie brakuje także tańszych propozycji – Coach reinterpretuje fasony, które kiedyś nosiły nastolatki, a dziś stały się symbolem sentymentu i modowego powrotu. Co to oznacza dla Twojej garderoby? Jeśli zastanawiasz się, co będzie modne w nadchodzącym sezonie, odpowiedź brzmi: sięgnij w przeszłość. Modele archiwalne torebek 2026 to wybór dla tych, którzy: chcą mieć akcesorium z historią — nie tylko „nową” torebkę, ale część modowej opowieści, szukają elementu garderoby, który może nabrać wartości — zarówno stylowej, jak i materialnej, pragną wyróżnić się wśród popularnych nowości — wybierając model z własnym DNA i charakterem. Torebka z przeszłości to nie tylko nostalgia, to także aktualny manifest stylu — niepowtarzalnego i świadomego. Jak wybrać „archiwalną” torebkę, którą warto mieć? Wybierając torebkę z przeszłości, warto kierować się kilkoma wskazówkami. Po pierwsze, sprawdź charakterystyczne cechy modelu: czy ma detale typowe dla oryginału, np. kłódkę, nitowanie, odpowiedni kształt. Po drugie, rozważ inwestycję w wersję oryginalną lub edycję reedycyjną – najlepiej w limitowanym kolorze lub wykonaniu. Pamiętaj, że torebki z historią nie tylko prezentują się wyjątkowo, ale mają też coraz większą wartość kolekcjonerską. W połączeniu z aktualnymi trendami tworzą doskonały balans między stylem, a ponadczasowością. Moda nie zapomina — ona wybiera to, co najlepsze z przeszłości i ubiera to w nową formę. Fasony takie jak Chloé Paddington czy Balenciaga Le City to nie tylko designerskie dodatki. To ikony stylu, które po latach znów błyszczą na ulicach wielkich miast i w szafach najbardziej stylowych osób.
Zapomnij o czapkach! Ten babciny hit wraca dzięki influencerkom z TikToka!
Czapki tej zimy schodzą na drugi plan. W modzie królują chusty – wełniane, kaszmirowe, a nawet puchowe. Trend zapoczątkowany przez influenserki z TikToka zdobywa ulice wielkich miast. Sprawdź, jak nosić chusty, z czym je łączyć i dlaczego są hitem sezonu jesień/zima 2025.
Z pozoru skromna, owinięta wokół głowy chusta budzi dziś więcej emocji niż najbardziej ekstrawagancka czapka z pomponem. Influencerki z TikToka – szczególnie te zafascynowane modą retro – tchnęły nowe życie w dobrze znany dodatek. Setki tysięcy wyświetleń, viralowe stylizacje i komentarze zachwytu wystarczyły, by klasyczne wiązanie pod brodą zyskało status modowego statementu. Wzorem stają się nie tylko paryżanki z lat 60., ale też babcie z rodzinnych albumów. Współczesna wersja? Z kaszmiru, wełny, a nawet… puchu. Jak nosić chusty na głowie? Praktyczne porady z nutą nonszalancji Sposób wiązania chusty może zdefiniować całą stylizację. Klasyczne zawiązanie pod brodą dodaje lookowi elegancji i nostalgii. Wybierając wełnianą chustę w odcieniach szarości, warto zestawić ją z oversize’owym płaszczem i dużymi okularami przeciwsłonecznymi – to ukłon w stronę stylu Jackie Kennedy. Z kolei luźne przewiązanie z tyłu głowy sprawdzi się w miejskich, codziennych zestawach. A jeśli chcesz pójść o krok dalej – spróbuj uformować z chusty turban. To wybór śmiały, ale przy odpowiedniej stylizacji – z marynarką i botkami – nie sposób oderwać wzroku. Wełniane, kaszmirowe, puchowe – którą chustę wybrać? W zimowym repertuarze 2025 królują trzy typy chust. Każda inna, każda wyjątkowa – ale wszystkie równie modne. 1. Reserved: wełniana z dodatkiem kaszmiru Luksusowa w dotyku, minimalistyczna w formie. Idealna na prezent – także dla siebie samej. 2. Nago – szaro-granatowa chusta z wełny Dla fanek skandynawskiego designu. Surowa, naturalna i niezwykle funkcjonalna. 3. Fluff – puchowa chusta w kolorze czerni Innowacyjne podejście do zimowego dodatku. Ciepła, efektowna i totalnie nowoczesna.
Nowy zaskakujący trend: ubrania, które działają jak kosmetyki. Nosisz i pielęgnujesz skórę oraz niwelujesz cellulit
Jeszcze do niedawna ubrania miały po prostu dobrze wyglądać. Dziś nowoczesna moda sięga dalej – prosto do skóry. Wchodzimy w erę odzieży probiotycznej, antycellulitowej i regenerującej, która nie tylko ubiera, ale też pielęgnuje. To nie wizja z przyszłości, to rewolucja, która już trwa – i to także w Polsce.
Kiedyś pielęgnacja skóry kończyła się na kremie do twarzy czy balsamie po kąpieli. Dziś świat beauty i fashion łączą siły, tworząc zupełnie nową kategorię: ubrania pielęgnujące. Takie, które działają przez cały dzień – bez potrzeby dodatkowych kosmetyków. Od legginsów nasączonych probiotykami po antycellulitowe szorty z mikrokapsułkami kofeiny – nosisz je i pielęgnujesz skórę jednocześnie. Brzmi jak bajka? A jednak to rzeczywistość, która zdobywa popularność również w Polsce. Pielęgnacja, która zaczyna się… od szafy Pielęgnacja skóry już dawno wyszła poza ramy kremów, masek i balsamów. W dobie szybkiego życia i wielozadaniowości kobiety coraz częściej poszukują rozwiązań, które pozwalają im dbać o ciało w sposób bezwysiłkowy – i najlepiej przy okazji. To właśnie tu wkracza moda nowej generacji: ubrania pielęgnujące skórę, które łączą funkcję estetyczną z dobroczynnym działaniem na organizm. Nowoczesne marki odzieżowe, we współpracy z laboratoriami i firmami biotechnologicznymi, opracowują tkaniny wzbogacane o składniki aktywne – takie jak probiotyki, prebiotyki, kofeina, witamina E, aloes czy ceramidy. Materiały te reagują na ciepło ciała, ruch oraz tarcie, stopniowo uwalniając substancje, które mają wspierać regenerację, nawilżenie, odbudowę mikrobiomu, a nawet redukcję podrażnień czy stanów zapalnych. Prawdziwym przełomem okazała się kolekcja C+ francuskiej marki Coperni. Powstała ona przy współpracy ze szwajcarską firmą specjalizującą się w biotechnologii tekstylnej. Ubrania z tej linii – m.in. legginsy, body i topy – wykonane są z technicznego materiału o czterokierunkowej elastyczności, który zawiera opatentowaną mieszankę przyjaznych bakterii i prebiotyków. Ich zadaniem jest wzmacnianie naturalnej bariery skóry i przywracanie równowagi jej mikroflory. Pod wpływem temperatury ciała i codziennego ruchu, zawarte w materiale dobroczynne bakterie są stopniowo przenoszone na powierzchnię skóry, gdzie mają aktywować procesy samonaprawcze i wspierać codzienną regenerację. Efekty? Według deklaracji producenta – bardziej nawilżona, spokojna i elastyczna skóra, bez potrzeby stosowania dodatkowych kosmetyków. To pierwszy tak odważny i przełomowy krok w stronę „inteligentnej mody”, która działa głębiej niż tylko na poziomie wyglądu. Ubrania przestają być wyłącznie formą ekspresji – stają się osobistym rytuałem pielęgnacyjnym. Dla wielu kobiet to rewolucja: nie musisz już wybierać między stylem a troską o swoje ciało. Możesz mieć jedno i drugie – w jednej stylizacji. Kompresja i mikrokapsułki – czyli jak ubrania walczą z cellulitem Drugą, równie dynamicznie rozwijającą się gałęzią modowego self-care są ubrania antycellulitowe. To właśnie one odpowiadają na jeden z najbardziej powszechnych kobiecych kompleksów – cellulit, znany też jako „skórka pomarańczowa”. Zamiast polegać wyłącznie na kremach i masażach, kobiety coraz częściej sięgają po odzież, która łączy funkcję modelującą sylwetkę z realnym wpływem na kondycję skóry. W Polsce dostępnych jest już wiele produktów, które wykorzystują najnowsze osiągnięcia technologii tekstylnej. Ich sekret tkwi w dwóch głównych mechanizmach działania: kompresji i mikrokapsułkach. Legginsy, spodenki czy topy antycellulitowe działają najczęściej na zasadzie kontrolowanego, medycznego ucisku – specjalna konstrukcja tkaniny wywiera równomierny nacisk na ciało, co wspomaga krążenie krwi i limfy. Efektem jest zmniejszenie obrzęków, poprawa drenażu oraz wygładzenie powierzchni skóry. Tkaniny kompresyjne działają niczym mikromasażysta – bezboleśnie, dyskretnie, ale skutecznie. Niektóre modele idą o krok dalej, oferując pielęgnację transdermalną. W ich strukturze znajdują się mikrokapsułki – miniaturowe nośniki składników aktywnych takich jak kofeina, retinol, witamina E, ekstrakt z alg czy aloes. Pod wpływem ciepła ciała i ruchu mikrokapsułki pękają, a zawarte w nich substancje przenikają do naskórka, wspomagając spalanie tkanki tłuszczowej, poprawę elastyczności skóry i walkę z nierównościami. Wśród marek, które oferują tego typu rozwiązania, warto wymienić Farmacell, która w swoich legginsach wykorzystuje innowacyjne włókno NILIT® INNERGY. Działa ono na zasadzie promieniowania FIR (dalekiej podczerwieni), mającego stymulować metabolizm komórkowy i poprawiać mikrocyrkulację. Polska marka Veera, znana z produktów uciskowych, wprowadziła na rynek linię legginsów antycellulitowych „Look At Me”, które łączą zaawansowaną technologię z kobiecym designem – to propozycja dla tych, którzy nie chcą rezygnować z estetyki na rzecz funkcjonalności. Inne dostępne na polskim rynku marki to Arosha, która stworzyła Silhouette Pants – innowacyjne rajstopy wyszczuplające, które łączą homecare, komfort i zaawansowaną technologię modelującą. Rough Radical, oferująca modele o wysokiej kompresji z jonami srebra, oraz Clodi, specjalizująca się w funkcjonalnych legginsach o efektach wyszczuplających i wygładzających. Dzięki odpowiedniemu doborowi materiałów, krojowi i technologii, tego typu ubrania nie tylko dobrze leżą, ale też pracują razem z ciałem. Codzienne noszenie – nawet przez kilka godzin – może przynieść zauważalne rezultaty, zwłaszcza w połączeniu ze zdrowym stylem życia. Nowy rytuał pielęgnacji – bez wysiłku, bez kompromisów Ubrania pielęgnujące skórę to coś więcej niż modowy gadżet. To odpowiedź na realne potrzeby współczesnych kobiet: brak czasu, zmęczona skóra, poszukiwanie holistycznego podejścia do dbania o siebie. W świecie, w którym każda minuta się liczy, możliwość pielęgnacji skóry „przy okazji” – podczas pracy, treningu czy spaceru – to nie luksus, to codzienna potrzeba. Wielofunkcyjna odzież staje się nowym standardem. Już nie wystarczy, że legginsy dobrze leżą, a body pięknie modeluje sylwetkę. Teraz liczy się to, co niewidoczne – jak tkanina oddziałuje na skórę, co przenosi w głąb naskórka, jak wspiera nasz organizm bez konieczności dokładania kolejnych kroków pielęgnacyjnych. To także nowy sposób myślenia o sobie – nie tylko przez pryzmat wyglądu, ale troski, uważności i komfortu. Moda przestaje być jedynie estetycznym wyborem, a zaczyna być aktem codziennego self-care. Codzienna pielęgnacja już nie musi kojarzyć się z rutyną w łazience. Może zacząć się od tego, co zakładasz rano. Bez wysiłku. Bez kompromisów. Po prostu – inteligentna moda dla inteligentnych kobiet.
Hołd dla „bałtyckiego złota”. Światowa marka stworzyła kolekcję inspirowaną Polską!
Hiszpańska marka TOUS zaprezentowała kolekcję biżuterii inspirowaną bursztynem – symbolem światła, ciepła i polskiego dziedzictwa. „Soul of Amber” to współczesna interpretacja kamienia, który od wieków fascynuje swoją energią i ponadczasowym pięknem.
Bursztyn – od wieków uznawany za symbol słońca, światła i uzdrawiającej energii – powraca w wielkim stylu. Hiszpańska marka TOUS stworzyła kolekcję biżuterii „Soul of Amber”, inspirowaną Polską i jej najbardziej rozpoznawalnym kamieniem. To projekt, który łączy tradycję z nowoczesnym designem i przypomina, że moda ma dziś także emocjonalny wymiar. Bursztyn – od pamiątki znad morza po symbol stylu Jeszcze niedawno kojarzył się głównie z wakacyjnymi straganami nad Bałtykiem, dziś wraca w zupełnie nowym kontekście – jako materiał, po który sięgają światowi projektanci. Współczesna biżuteria z bursztynem zyskuje minimalistyczną formę, a jej naturalne odcienie – od miodowych po głębokie koniakowe – idealnie wpisują się w trend „quiet luxury”, w którym liczy się autentyczność, rzemiosło i dyskretne piękno.To właśnie w takim duchu powstała kolekcja „Soul of Amber” marki TOUS – pierwsza linia biżuterii hiszpańskiego domu, inspirowana Polską i jej bursztynowym dziedzictwem. „Soul of Amber” – światło uwięzione w czasie Twórcy TOUS opisują tę kolekcję jako „hołd dla światła”. Bursztyn, powstały miliony lat temu z żywicy drzew, symbolizuje w niej trwałość, ciepło i siłę natury. W projektach z kolekcji można odnaleźć subtelną symbolikę – światło uwięzione w kamieniu staje się metaforą emocji i wspomnień. W linii znalazły się kolczyki, nausznica, bransoletka i zawieszki wykonane z bursztynu oraz srebra vermeil. Ich forma jest prosta, współczesna, pozbawiona nadmiaru – dzięki temu klasyczny materiał zyskał nowoczesne oblicze. Jednym z najbardziej rozpoznawalnych motywów jest reinterpretacja kultowego misia Bold Bear, symbolu marki, która w tym roku obchodzi 40-lecie istnienia. „Soul of Amber” jest dostępna od 16 października w salonach TOUS w całej Polsce oraz online. Polska inspiracja w międzynarodowym wydaniu Jak podkreśla Magdalena Siegal, Marketing and Communication Manager TOUS, Polska zajmuje wyjątkowe miejsce w historii marki. – To jeden z naszych kluczowych rynków, ale także źródło inspiracji. Bursztyn doskonale odzwierciedla ducha TOUS – ciepło, autentyczność i radość życia – mówi przedstawicielka marki. Kolekcja „Soul of Amber” jest więc nie tylko projektem biżuteryjnym, ale też symbolicznie oddaje relację między hiszpańskim domem jubilerskim a polską kulturą. To ukłon w stronę lokalnego rzemiosła i surowców, które przez lata były wizytówką nadbałtyckiego regionu. Kamienie znów w modzie Powrót bursztynu to część szerszego zjawiska – renesansu kamieni naturalnych w biżuterii. Po okresie dominacji srebra i złota w czystej postaci, projektanci coraz chętniej sięgają po materiały organiczne: agat, perły, turmalin czy właśnie bursztyn. Współczesne kolekcje łączą szlachetność z niedoskonałością natury, a każdy kamień staje się unikalnym elementem opowieści o indywidualności. W świecie, w którym coraz częściej szukamy sensu i emocji także w modzie, takie projekty nabierają znaczenia. Biżuteria przestaje być tylko ozdobą – staje się osobistym talizmanem, sposobem na wyrażenie siebie i własnych korzeni.
Suknie, które mówią więcej niż słowa – ruszyła wyjątkowa wystawa mody w Warszawie! Musisz ją zobaczyć
Obrazy dawnych mistrzów, ceremonialne miecze i kostiumy haute couture od Chanel po McQueena – „Niech nas widzą! Wizerunek, strój, ciało” to wystawa, która zachwyca formą i treścią. W Zamku Królewskim w Warszawie moda, sztuka i historia splatają się w emocjonalną opowieść o tym, jak chcemy być widziani.
Wystawa „Niech nas widzą! Wizerunek, strój, ciało” w Zamku Królewskim w Warszawie to wydarzenie, które pokazuje, że historia ubioru to jednocześnie historia kultury i tożsamości. Ekspozycja obejmuje około 250 obiektów z różnych epok – od XVI wieku po współczesność. Znalazły się tu dzieła wypożyczone z renomowanych instytucji, m.in. z paryskiego Luwru, Muzeum Historii Sztuki w Wiedniu oraz Galerii Obrazów Starych Mistrzów w Dreźnie, a także z prywatnych kolekcji. Narracja wystawy rozpoczyna się od kolekcji Zamku Królewskiego. Dalej widz przechodzi przez motywy takie jak postacie władcy, rycerza, myśliwego, Diany, Flory, filozofa, kobiecej atrakcyjności i orientalnego kostiumu. Każdy z nich ilustruje, jak ubiór był i jest narzędziem komunikacji społecznej. Moda jako manifest – od królewskich zbroi po kreacje Muglera Na wystawie podziwiać można bezcenne eksponaty związane z historią Polski, które same w sobie stanowią oś narracyjną tej unikatowej ekspozycji. Już przy wejściu uwagę odwiedzających przyciąga płaszcz koronacyjny Stanisława Augusta z 1764 roku – majestatyczny, bogato zdobiony, symbol królewskiego autorytetu i prestiżu. Obok niego eksponowana jest zbroja młodzieńcza Zygmunta Augusta z 1533 roku – delikatna w proporcjach, ale pełna symboliki, ukazująca, jak ważnym elementem wizerunku władzy był odpowiednio dobrany strój i zbroja ceremonialna. Te wyjątkowe artefakty są nie tylko świadectwem epok, z których pochodzą, lecz również opowieścią o polityce wizerunku i reprezentacji społecznej. W tej samej przestrzeni znaleźć można także dzieła światowych mistrzów malarstwa, takich jak Antoon van Dyck, Louis-Michel van Loo czy Alexandre-Francois Desportes. Ich obrazy nie tylko dokumentują stroje i modę dawnych czasów, ale stanowią autonomiczne świadectwa kulturowe, ukazujące, jak ubiór i ciało były przedstawiane i interpretowane przez wieki. Integralną częścią wystawy są również wyselekcjonowane kreacje haute couture i prêt-à-porter, pochodzące ze słynnej Kolekcji Adama Leja. Prezentowane projekty reprezentują najsłynniejsze domy mody XX i XXI wieku, w tym: Coco Chanel – ikony kobiecej elegancji, Elsy Schiaparelli – mistrzyni surrealistycznych eksperymentów, Cristóbala Balenciagi – uosobienia architektonicznej formy, czy Christiana Diora – twórcy legendarnego New Looku. Na wystawie zobaczymy również ekstrawaganckie projekty Johna Galliano, futurystyczne wizje Paco Rabanne’a, prowokacyjne formy Vivienne Westwood, odważne stylizacje Thierry’ego Muglera i dramatyczne kreacje Alexandra McQueena. Nie zabrakło też dzieł projektantów współczesnych, takich jak Daniel Roseberry dla Schiaparelli czy Franck Sorbier. Każdy z tych projektów to nie tylko odzież – to manifest estetyczny, społeczny i kulturowy. Szczególnie mocno wybrzmiewa motyw gorsetu, który – jak podkreślają twórcy wystawy – powraca po wiekach w zupełnie nowej odsłonie. Kiedyś będący symbolem patriarchalnej kontroli nad kobiecym ciałem, dziś staje się wyrazem siły, odwagi i samoświadomości. Gorset, jako symbol transformacji, stanowi jedną z kluczowych osi interpretacyjnych wystawy „Niech nas widzą! Wizerunek, strój, ciało”, pokazując, jak jeden element garderoby może na przestrzeni wieków zmienić swoje znaczenie o 180 stopni. Artyści, którzy zmieniają narrację – polscy twórcy w centrum uwagi Wystawa ukazuje również dzieła zarówno uznanych, wielokrotnie nagradzanych artystek i artystów, jak i przedstawicieli młodego pokolenia, którzy w ostatnich latach zyskali rozgłos dzięki odważnemu podejściu do tematów społecznych, politycznych i kulturowych. Ich obecność na ekspozycji nie jest przypadkowa – to celowy gest kuratorski, który ma na celu podkreślenie, że historia stroju i wizerunku nie kończy się w muzealnych salach, ale trwa, pulsując w dzisiejszej sztuce współczesnej. Wśród twórczyń i twórców, których prace znalazły się na wystawie „Niech nas widzą! Wizerunek, strój, ciało”, są m.in.: Zofia Kulik – znana z monumentalnych kompozycji fotograficznych analizujących relacje władzy i symboliki ciała, Natalia LL (Natalia Lach-Lachowicz) – pionierka feministycznej sztuki performatywnej, Karol Radziszewski – artysta eksplorujący temat queerowej tożsamości i pamięci kulturowej, oraz Magdalena Abakanowicz – jedna z najważniejszych postaci polskiej sztuki XX wieku, której prace dotykają zagadnień samotności, cielesności i kondycji człowieka. Do tego grona dołączają również Edward Dwurnik – dokumentalista codzienności PRL-u, Agata Agatowska – artystka eksperymentująca z formą i przestrzenią, Ewa Juszkiewicz – twórczyni zyskująca międzynarodowe uznanie za dekonstrukcję klasycznych portretów kobiecych, Teresa Pągowska – jedna z ikon nowoczesnego malarstwa figuratywnego, oraz Agnieszka Rożnowska – artystka młodego pokolenia, której prace nawiązują do problematyki kobiecości i kulturowych oczekiwań wobec ciała. Ich dzieła, rozmieszczone w przestrzeni Zamku Królewskiego, wnoszą do narracji wystawy silne akcenty refleksji nad cielesnością, płcią i tożsamością społeczną. Ukazują, że moda to nie tylko forma wyrazu estetycznego, ale również narzędzie walki o widzialność, przynależność i prawo do bycia sobą. Dzięki ich obecności ekspozycja zyskuje dodatkowy wymiar – staje się nie tylko historycznym przeglądem, ale także współczesnym komentarzem do tego, jak zmieniają się nasze wyobrażenia o ciele, roli społecznej i indywidualnej ekspresji. Edukacja i wydarzenia towarzyszące – dlaczego warto odwiedzić wystawę? Zamek Królewski przygotował bogaty program wydarzeń edukacyjnych i towarzyszących wystawie. Odbywają się tu oprowadzania kuratorskie, wieczorne zwiedzania oraz zajęcia międzypokoleniowe. Dodatkową atrakcją są „ścieżki autorskie” – spotkania z ekspertami, którzy przedstawiają swoje unikalne spojrzenie na eksponaty. Wśród nich: Karolina Sulej, dr Anna Straszewska, dr Artur Badach, Adam Leja, dr Tomasz Mleczek oraz Marcin Różyc. Wystawie towarzyszy także publikacja zawierająca eseje autorstwa Stacha Szabłowskiego, Andy Rottenberg, Marcina Różyca i Joanny Wasilewskiej-Dobkowskiej. Historia stroju jako historia kultury – o czym opowiadają eksponaty? Jak podkreśla dr Jarosław Trybuś, zastępca dyrektora ds. muzealnych i programowych Zamku Królewskiego, wystawa jest „wielogłosową opowieścią o strategiach widzialności – o tym, jak bardzo pragniemy i jak bardzo lękamy się być dostrzeżeni. „To wystawa, która łączy sztukę, rzemiosło i modę nie jako ilustracje, ale jako równorzędne głosy kultury. „Niech nas widzą! Wizerunek, strój, ciało” to nie tylko pokaz pięknych przedmiotów, ale głęboka refleksja nad tym, jak ubiór buduje naszą tożsamość i wpływa na społeczne postrzeganie. I jeśli w tym roku chcesz wybrać się na jedną wystawę, niech to będzie właśnie ta! Otwarta będzie do 8 lutego 2026 roku.
Co ukrywała Victoria Beckham? Nowy dokument Netflix odsłania zaskakującą prawdę!
Victoria Beckham po raz pierwszy otwiera się w serialu dokumentalnym Netflix. Ujawnia skrywane przez lata problemy zdrowotne, kulisy kryzysów finansowych i napięte relacje rodzinne. Premiera szokującego dokumentu już w czwartek, 9 października. Czy to przełom w jej wizerunku?
Nowy serial dokumentalny o Victorii Beckham zadebiutował na platformie Netflix w czwartek, 9 października. Produkcja składa się z trzech odcinków i została przygotowana przez ten sam zespół, który odpowiadał za głośny dokument o Davidzie Beckhamie. Tym razem kamera podąża za byłą członkinią Spice Girls i projektantką mody, odsłaniając nieznane dotąd kulisy jej życia zawodowego i prywatnego. Widzowie poznają Victorię w zupełnie nowym świetle – nie tylko jako ikonę stylu, ale też kobietę, która przez lata zmagała się z ogromną presją, hejtem i własnymi demonami. Serial dokumentalny pokazuje także życie w jej atelier w Londynie oraz przygotowania do tygodnia mody w Paryżu. Szokujące wyznanie: Victoria Beckham o zaburzeniach odżywiania W serialu dokumentalnym Victoria Beckham po raz pierwszy publicznie przyznaje się do zmagań z zaburzeniami odżywiania. Wspomina, że była "bardzo dobra w ukrywaniu tego" nawet przed najbliższymi. Opowiada, jak obsesyjnie kontrolowała swój wygląd, nieustannie oceniana przez media, które po narodzinach dzieci ważyły ją publicznie i nadawały jej przydomki typu „Porky Posh” lub „Skinny Posh”. Te bolesne wspomnienia rzucają nowe światło na cenę sławy i presji, jakiej była poddana od początku swojej kariery. Serial dokumentalny nie boi się poruszać tych trudnych tematów, pokazując prawdziwe emocje i nieprzepracowane traumy. Miliony strat, luksus i kryzys w modowym imperium Dokument obnaża również kulisy prowadzenia marki modowej Victoria Beckham. Okazuje się, że projektantka przez lata wydawała fortunę – m.in. na przewożenie mebli samolotem czy utrzymanie biurowych roślin, co kosztowało dziesiątki tysięcy funtów rocznie. W 2016 roku jej firma miała poważne problemy finansowe i znalazła się dziesiątki milionów funtów "na minusie". To mocno wpłynęło nie tylko na kondycję biznesu, ale i na relacje rodzinne. Dopiero w 2017 roku dzięki inwestycji Davida Belhassena marka została uratowana. Serial ukazuje te momenty jako jedne z najbardziej przełomowych i stresujących w karierze Victorii. Prawda o relacjach z Davidem Beckhamem W dokumencie nie zabrakło również wątków dotyczących relacji z Davidem Beckhamem. Jedna ze scen przywołuje viralowy moment z poprzedniego dokumentu o Davidzie, kiedy to przerwał wypowiedź Victorii, by "była szczera" i przyznała, że jej ojciec odwoził ją do szkoły Rolls-Royce’em. Victoria komentuje tę sytuację, mówiąc, że poczuła wtedy zakłopotanie, ale z czasem zrozumiała, jak ważne było to dla pokazania autentyczności. Serial pokazuje małżeństwo Beckhamów nie jako idealną parę z okładek, lecz jako ludzi, którzy również przechodzili kryzysy i musieli walczyć o wzajemne zaufanie i wsparcie. Victoria Beckham między wizerunkiem a prawdą Chociaż serial dokumentalny próbuje odkryć prawdziwe oblicze Victorii Beckham, niektórzy krytycy zauważają, że produkcja momentami pozostaje zbyt ostrożna. Mimo ujawnienia wielu intymnych faktów, całość wydaje się być mocno dopracowana pod kątem wizerunkowym. Widzowie mogą odnieść wrażenie, że dokument balansuje na granicy szczerości i autopromocji. Jednak nie można odmówić Victorii odwagi – zdecydowała się opowiedzieć o tematach, które przez dekady były owiane tajemnicą. Dla wielu fanów może to być punkt zwrotny w postrzeganiu jej osoby – jako kobiety, która przeszła piekło, by stworzyć imperium i jednocześnie pozostać sobą.
Największe sensacje Paris Fashion Week wiosna‑lato 2026 — tego nikt się nie spodziewał!
Podczas Paris Fashion Week SS26 pojawiło się tyle spektakularnych momentów, że trudno je wszystkie ogarnąć jedną myślą. Debiut Matthieu Blazy w Chanel przy planetarium jako scenografii, Meghan Markle w Balenсiaga, kontrowersyjny „Stardust Aphrodite” w Muglerze, Jonathan Anderson dla Diora — oto najgłośniejsze wydarzenia sezonu, które wstrząsnęły światem mody.
Największym wydarzeniem sezonu był debiut Matthieu Blazy w Chanel. Projektant stworzył kolekcję łączącą męskość z kobiecą delikatnością, prezentując ją w scenografii nawiązującej do kosmosu. Jego nowatorskie podejście spotkało się z entuzjazmem zarówno krytyków, jak i gwiazd siedzących w pierwszym rzędzie. Równie istotny był debiut Jonathana Andersona w Diorze. Brytyjski projektant ożywił klasykę marki — charakterystyczny żakiet Bar, przezroczyste tkaniny i kokardy — nadając im świeżości i nowoczesnej lekkości. Wielkie emocje wzbudził także pokaz Balenciagi, gdzie Pierpaolo Piccioli przedstawił swoją pierwszą kolekcję. Na widowni zasiadła Meghan Markle, która po raz pierwszy pojawiła się na Paris Fashion Week. Jej obecność i stylizacja w białym garniturze zaprojektowanym przez Picciolego były szeroko komentowane. Domy mody, które zaskoczyły nowym kierunkiem Loewe zaprezentowało kolekcję przepełnioną kolorem i sportowym duchem. Asymetryczne spódnice, przeskalowane kurtki i kontrastowe faktury wprowadziły markę w zupełnie nową estetykę. Hermès powrócił do jeździeckich korzeni, pokazując nowoczesne spojrzenie na skórzane konstrukcje i detale przypominające uprzęże. Chloé odwołało się do ducha lat 70., prezentując romantyczne sylwetki z florystycznymi nadrukami i nostalgicznymi krojami. Thom Browne zorganizował spektakularny pokaz w stylu science fiction, gdzie modele ucharakteryzowani na kosmitów nosili przeskalowane, surrealistyczne sylwetki. Valentino zaprezentował kolekcję inspirowaną światłem i nadzieją. Lekkość tkanin i miękkie barwy tworzyły poetycki przekaz, podkreślając rolę mody jako źródła piękna i emocji. Mocne narracje i kobieca siła na wybiegu Miu Miu poświęciło całą kolekcję niewidzialnej pracy kobiet. Fartuch stał się głównym elementem stylizacji — reinterpretowany z luksusowych materiałów, zdobiony haftami i zestawiony z elementami roboczymi. W Givenchy kobiecość została pokazana poprzez dekonstrukcję klasyki — od eksponowania skóry, przez koronkowe sukienki, po zmysłowe suknie wieczorowe. Gabriela Hearst przedstawiła kolekcję inspirowaną tarotem, wykonaną z deadstockowych tkanin. Pokaz otworzyła niespodziewanie Laura Dern, prezentując suknię z tysięcy skórzanych kwiatów. Trendy, które zdefiniują sezon wiosna-lato 2026 Powrót do koloru okazał się silnym trendem — zarówno w Loewe, jak i u wielu młodszych marek. Neonowe akcenty, kontrastowe zestawienia i intensywne tkaniny przywróciły energię do mody. Stella McCartney ponownie udowodniła, że moda może być ekologiczna i innowacyjna. Jej kolekcja zawierała wegańskie „pióra” oraz materiał oczyszczający powietrze. Pokaz otworzyła recytacja „Come Together” w wykonaniu Helen Mirren. Mugler pokazał najbardziej kontrowersyjną kolekcję sezonu — pełną skórzanych gorsetów, piór i półnagich sylwetek. Nowy dyrektor kreatywny Miguel Castro Freitas odważnie połączył minimalizm z erotyką, prezentując m.in. suknię podtrzymywaną jedynie pierścieniami na ciele. Cecilie Bahnsen zaskoczyła połączeniem romantycznych krojów z technologicznymi detalami LED, a Dries Van Noten skupił się na geometrycznych wzorach, swobodzie i optymizmie. Gwiazdy, które przyćmiły wybiegi Na tegorocznym Paris Fashion Week obecność gwiazd była równie spektakularna jak same pokazy. Meghan Markle zadebiutowała na wydarzeniu, Pamela Anderson pojawiła się w kilku pokazach — m.in. jako narratorka w Valentino i gość Muglera, a Kendall Jenner ponownie wystąpiła na wybiegu. Pokaz Saint Laurent otworzył cały tydzień mody, odbywając się pod wieżą Eiffla. Bella Hadid wróciła na wybieg, prezentując sylwetkę pełną siły i dramatyzmu. Moda jako forma sztuki i manifestu Paris Fashion Week SS26 udowodnił, że moda wciąż potrafi zaskakiwać, wzruszać i prowokować. Obok spektakularnych debiutów i kontrowersyjnych kreacji, nie zabrakło refleksji nad rolą kobiet, ekologią i znaczeniem światła w czasach kryzysu. To sezon, który na długo zostanie w pamięci — nie tylko ze względu na kolekcje, ale i odwagę, z jaką projektanci podejmują ważne tematy.
Zostań Herosem z Lilou – wyjątkowa zawieszka, która ratuje dziecięce życia!
Marka Lilou po raz kolejny udowadnia, że moda może mieć moc pomagania. W ramach akcji „Zostań Herosem” 30 zł z każdej zawieszki Puzzle zostanie przekazane Fundacji Herosi, która od 16 lat wspiera dzieci chore na nowotwory. Akcja trwa od 1 października we wszystkich butikach oraz online.
Lilou wystartowało z poruszającą akcją charytatywną „Zostań Herosem z Lilou”, której celem jest realna pomoc najmłodszym pacjentom Kliniki Onkologii Instytutu Matki i Dziecka w Warszawie. Marka stworzyła wyjątkową zawieszkę w kształcie puzzla – symbolu wsparcia, solidarności i miłości. Z każdego sprzedanego egzemplarza aż 30 złotych trafia bezpośrednio do Fundacji Herosi. To wsparcie dla dzieci, które każdego dnia toczą walkę z chorobą nowotworową. Fundacja Herosi – 16 lat walki o zdrowie najmłodszych Fundacja Herosi działa od 16 lat i koncentruje się na zapewnieniu dzieciom dostępu do nowoczesnego, światowej klasy leczenia onkologicznego. Dzięki środkom od darczyńców możliwe jest finansowanie terapii, rehabilitacji, sprzętu medycznego oraz poprawa jakości życia dzieci przebywających na oddziale. Jak podkreśla prezes Fundacji, Małgorzata Dutkiewicz: „Każda sprzedana zawieszka to nie tylko realne wsparcie dla naszych podopiecznych, ale ważny głos w budowaniu świadomości społecznej na temat dziecięcych nowotworów”. Puzzle z przesłaniem – wyjątkowa zawieszka Lilou Zawieszka Lilou w formie puzzla dostępna jest w dwóch wersjach: pokryta 18-karatowym złotem, wykonana ze srebra próby 925. Każda zdobiona jest cyrkoniami, a dzięki opcji personalizacji może stać się nie tylko biżuterią, ale także osobistym talizmanem z przesłaniem. Założycielka marki, Magdalena Mousson-Lestang, zaznacza: „Pomoc jest integralną częścią naszej filozofii. Dzięki naszej akcji każdy może zostać Herosem i podarować dzieciom to, czego najbardziej potrzebują – powrót do zdrowia i szansę na lepszą przyszłość”. Dołącz do akcji i zostań Herosem! Akcja wystartowała 1 października i potrwa do wyczerpania zapasów. Zawieszkę można kupić we wszystkich butikach Lilou oraz online na stronie: www.lilou.pl
Czy to najgłośniejszy pokaz sezonu? Piccioli debiutuje z sensacyjną kolekcją Balenciagi. Meghan Markle i Anne Hathaway w pierwszym rzędzie
Nowy rozdział w historii Balenciagi! Pierpaolo Piccioli zachwycił podczas Paris Fashion Week 2025 swoją pierwszą kolekcją dla francuskiego domu mody. Zainspirowana emancypacją kobiet linia ubrań połączyła archiwalne sylwetki z nowoczesnością. Wśród gości Meghan Markle i Anne Hathaway.
Pierpaolo Piccioli oficjalnie zadebiutował jako dyrektor kreatywny Balenciagi, prezentując swoją pierwszą kolekcję wiosna–lato 2026 podczas Paris Fashion Week. Zastąpił on Demnę Gvasalię, redefiniując kierunek artystyczny domu mody, który w ostatnich latach kojarzony był z kontrowersją i dekonstrukcją. W swojej premierowej kolekcji Piccioli postanowił oddać hołd założycielowi marki – Cristóbalowi Balenciadze – sięgając po jego słynne sylwetki, w tym legendarną sukienkę typu „sack dress” z 1957 roku. Emancypacja kobiet jako modowy manifest Piccioli nie tylko odwołał się do archiwów, ale nadał kolekcji głębokie znaczenie społeczne. Cała linia ubrań została stworzona jako „modowy manifest emancypacji kobiet”. Zamiast eksponować ciało, projekty miały je otaczać i dawać kobietom przestrzeń oraz wolność. Nowy dyrektor kreatywny Balenciagi wyraźnie zaznaczył: „Chciałem stworzyć ubrania, które nie dotykają ciała, ale je obejmują”. Ten zamierzony dystans od skóry ma symbolizować wolność wyboru i autonomię, jaką powinny mieć kobiety w świecie mody – i poza nim. Co zobaczyliśmy na wybiegu? Na wybiegu pojawiły się zarówno klasyczne formy haute couture, jak i nowoczesne elementy garderoby. Kolekcja obejmowała: suknie wieczorowe o architektonicznych konstrukcjach, luźne peleryny i kokony, oversize’owe marynarki i trencze, spódnice, crop topy i gładkie sylwetki w stylu lat 50., monochromatyczne zestawy w odcieniach czerni, beżu, czerwieni i bieli. Nie zabrakło też ukłonu w stronę przeszłości – reinterpretacji znanych projektów Cristóbala, z zachowaniem ducha nowoczesności. Pokaz był również wyciszony i kontemplacyjny, co odcinało się od głośnych i teatralnych pokazów znanych z czasów Demny. Meghan Markle i Anne Hathaway w pierwszym rzędzie Obecność gwiazd na pokazie Balenciagi tylko wzmocniła jego znaczenie w modowym kalendarzu. W pierwszym rzędzie pojawiła się Meghan Markle, dla której był to pierwszy występ publiczny w Europie od trzech lat. Jej obecność nie umknęła uwadze międzynarodowych mediów. U jej boku zasiadła Anne Hathaway, znana z zamiłowania do klasyki i elegancji. Obie gwiazdy reprezentowały różne oblicza kobiecości, które wybrzmiały także w samej kolekcji Piccioliego. Czy to modowe wydarzenie roku? Debiut Pierpaolo Piccioliego dla Balenciagi to moment przełomowy nie tylko dla samej marki, ale i dla całej branży. Udało się stworzyć pokaz, który łączy kunszt krawiectwa, szacunek dla historii mody i silne przesłanie społeczne. Zgodnie z duchem czasów – mniej krzyku, więcej treści. Czy to najgłośniejszy pokaz sezonu? Niewykluczone, że właśnie ten wieczór zapisze się w historii jako jedna z najważniejszych chwil tegorocznego Paris Fashion Week.
It-girls już mówią o tej torebce — Chloé Paddington w wersji, która zmienia zasady gry!
Powrót legendy! Kultowa torebka Chloé Paddington, która zdominowała modę lat 2000., pojawia się na nowo w reinterpretacji Chemeny Kamali. Nowa odsłona łączy klasykę z praktycznością i już teraz staje się jednym z najbardziej pożądanych dodatków sezonu jesień 2025.
Zaprojektowana przez Phoebe Philo i wypuszczona na rynek w 2005 roku, torebka Chloé Paddington niemal natychmiast stała się ikoną mody. Jej znakami rozpoznawczymi były miękka skóra i masywna kłódka, które w połączeniu ze stylem „boho lux” uczyniły ją absolutnym must-have dla gwiazd takich jak Kate Moss czy Sienna Miller. Chemena Kamali wprowadza nową erę Po dwóch dekadach od debiutu kultowego modelu, nowa dyrektorka kreatywna domu mody Chloé — Chemena Kamali — zdecydowała się przywrócić legendarną torebkę. Jednak nowa wersja Paddington to nie zwykła reedycja, lecz reinterpretacja dostosowana do współczesnych potrzeb i gustów. Projekt Kamali to ukłon w stronę nostalgii, ale w wersji lżejszej i bardziej praktycznej. Torebka zachowała swój kultowy charakter, jednocześnie wpisując się w aktualne trendy i potrzeby nowoczesnych kobiet. Styl, który uwodzi pokolenie Z i millenialsów Nowa odsłona Paddington wpisuje się w modę na powroty klasyki z lat 2000., która cieszy się ogromną popularnością wśród influencerek, redaktorek mody i stylistek. Klasyczne detale — jak wspomniana kłódka — w połączeniu z nowoczesnym podejściem do funkcjonalności sprawiają, że Chloé Paddington 2025 już teraz trafia na listy życzeń fashionistek na całym świecie. Luksusowa cena, wyjątkowy styl Nowa wersja kultowej torebki będzie kosztować około 10 000 zł. Wysoka cena tylko potwierdza jej ekskluzywność i aspiracyjny status. Dla wielu kobiet to nie tylko dodatek, ale inwestycja w styl i ponadczasową jakość. Nowa Chloé Paddington — więcej niż torebka Powrót Chloé Paddington to więcej niż modowa nostalgia. To dowód na to, że ikony mogą ewoluować, nie tracąc swojego pierwotnego uroku. Dzięki wizji Chemeny Kamali, ten ponadczasowy model wraca w chwale i już teraz ustawia się po niego kolejka najważniejszych fashionistek. Jesienią 2025 Paddington znów będzie rządzić ulicami — i Instagramem.
Kto zaskoczył, a kto zawiódł? Najważniejsze momenty tygodni mody w Nowym Jorku, Londynie i Mediolanie. Nikt nie spodziewał się, że to będziemy nosić wiosną 2026
Trwa właśnie Paris Fashion Week, ale najwięcej emocji wzbudziły pokazy w Nowym Jorku, Londynie i Mediolanie. Tygodnie mody wiosna 2026 obfitowały w zaskakujące debiuty, powroty i ekstrawaganckie projekty. Sprawdź, kto zachwycił, kto zawiódł i czego naprawdę możemy się spodziewać na ulicach w nadchodzącym sezonie.
Trwa właśnie Paris Fashion Week (30 września – 8 października 2025 roku), który zamyka sezon największych światowych pokazów mody. Wcześniej oczy świata skierowane były na trzy inne stolice stylu: Nowy Jork (6–11 września 2025 roku), Londyn (13–17 września 2025 roku) i Mediolan (17–23 września 2025 roku). To właśnie tam projektanci prezentowali swoje kolekcje na sezon wiosna–lato 2026. Emocji nie brakowało – od wizjonerskich projektów po spektakularne rozczarowania. Przed nami szczegółowe podsumowanie tego, co wydarzyło się podczas Milan Fashion Week, New York Fashion Week i London Fashion Week – i czego naprawdę możemy się spodziewać w naszych szafach na wiosnę 2026. Milan Fashion Week wiosna-lato 2026 – owe otwarcia, hołdy i modowe przełomy Podczas Milan Fashion Week, który odbył się w dniach 17–23 września 2025 roku, na wybiegach pojawiło się wiele emocjonujących momentów, debiutów i hołdów. Jednym z najgłośniejszych wydarzeń był debiut Dario Vitale jako pierwszego w historii niezwiązanego z rodziną projektanta Versace. Jego kolekcja wiosna 2026 została bardzo dobrze przyjęta – wieczorowe kreacje pełne seksapilu i elegancji nie zawierały charakterystycznych dla marki logo Meduzy ani masywnych łańcuchów. To wyraźny sygnał nowej ery domu mody. Równie istotny był debiut Simone Bellottiego w Jil Sander. Projektant zaprezentował kolekcję minimalistyczną, ale wyrafinowaną – ze zmysłowymi wycięciami, przezroczystymi, kolorowymi sukienkami bodycon i męskimi półbutami. Była to jedna z najchętniej komentowanych prezentacji tygodnia. Gucci pod kierownictwem Demny (oficjalnie przejął stery w marcu) zaprezentowało pierwszą kolekcję w formie filmu zatytułowanego The Tiger, wyreżyserowanego przez Spike’a Jonze’a i Halinę Reijn. W obsadzie znaleźli się m.in. Demi Moore, Elliot Page, Gwyneth Paltrow i Lila Moss – goście pojawili się na pokazie w strojach z kolekcji, zamieniając czerwony dywan w wybieg. Pokaz Bottega Veneta pod nową dyrekcją Louise Trotter odbył się w dawnej fabryce cynku Fabbrica Orobia. Kolekcja zachwyciła detalami: frędzle wykonane z laserowo ciętego, syntetycznego materiału były indywidualnie przymocowywane do każdej spódnicy, której stworzenie zajmowało aż trzy dni. Pokaz przyciągnął uwagę takich gwiazd jak Julianne Moore, Michelle Yeoh i Uma Thurman. Fendi zainaugurowało nowy butik Palazzo Fendi Milano – czteropiętrowy salon zaprojektowany w stylu art déco z marmurowymi podłogami i galerią sztuki. Wydarzenie zbiegło się z odejściem Silvii Venturini Fendi po 33 latach pracy w domu mody. Nie zabrakło też wzruszeń – 28 września odbył się pokaz pożegnalny Giorgia Armaniego, który zmarł 4 września w wieku 91 lat. Jego ostatnią kolekcję zaprezentowali Silvana Armani i Leo Dell’Orco. Na wybiegu pojawiła się projektantka Stella Jean w koszulce z napisem „Grazie, Mr. Armani”. London Fashion Week wiosna-lato 2026 - neony, cheerleadercore i nowa elegancja London Fashion Week, który odbył się w dniach 13–17 września 2025 roku, upłynął pod znakiem radości, świeżości i odważnych eksperymentów. Nowa dyrektor British Fashion Council, Laura Weir, tchnęła w wydarzenie nową energię – a po raz pierwszy od lat nawet pogoda sprzyjała pokazom. Projektanci zaprezentowali kolekcje pełne koloru i ekspresji. Na wybiegach Tove i Jawary Alleyne królowały neonowe barwy, obecne zarówno w sukniach wieczorowych, jak i dziennych stylizacjach. Marka Chopova Lowena postawiła na inspirację licealnymi paradami – haftowane mini spódniczki i swetry z motywami szkolnymi stworzyły trend nazwany „cheerlore”. Ważnym motywem tygodnia była redefinicja wieczorowej elegancji. Simone Rocha, Erdem i Richard Quinn zaprezentowali alternatywne propozycje dla black tie: tailcoaty zestawione z tiulowymi spódnicami, smokingowe marynarki z oversize’owymi spodniami i aksamitne suknie z przeskalowanymi dekoltami. Na wybiegu pojawiła się również Naomi Campbell, która olśniła publiczność. Kolejnym wyróżnikiem były odniesienia do brytyjskiej wsi – kolekcje Erdem, Barbour zaprezentowały odświeżone barn jackets, kalosze i haftowane płaszcze w stylu country. Jednocześnie pojawiły się sylwetki o nowej objętości – suknie z halkami, falbanami i nowoczesnymi „bubble hems”, które przypominały wiktoriańskie konstrukcje w nowoczesnym wydaniu. Powrotem do kalendarza mody zachwycił JW Anderson, który zaskoczył połączeniem rzemiosła i miejskiego stylu – plecione buty, bomberki i torebki inspirowane loafersami ujęły kreatywnością. Tolu Coker natomiast postawiła na czekoladowy total look – techniczne kurtki i okrągłe spódnice w odcieniach brązu stworzyły propozycję stylu codziennego w nowoczesnym wydaniu. Londyn tej wiosny zagrał na emocjach: od nostalgii licealnej, przez wieczorową ekstrawagancję, aż po powrót do wiejskiej klasyki. Brytyjska moda w 2026 roku odważnie miksuje style, dekady i funkcje – bez ograniczeń i bez zahamowań. New York Fashion Week wiosna-lato 2026 - powrót amerykańskiego minimalizmu i spektakularne debiuty Nowojorski Tydzień Mody, który odbył się w dniach 6–11 września 2025 roku, tętnił życiem – od wielkich powrotów, przez nowe twarze, aż po kreatywne reinterpretacje klasyki. Najważniejsze wydarzenia? Pokazy, które na nowo definiują pojęcie nowojorskiego stylu. Nowy Jork dał się poznać jako scena dla różnorodności – od prostoty po ekstrawagancję, od debiutantów po legendy. Moda wiosną 2026 według NYFW to balans między klasą a eksperymentem – wszystko w rytmie wielkiego miasta. Calvin Klein pod kierownictwem Veroniki Leoni zachwycił czystą, wyrafinowaną formą – nowoczesny minimalizm, który odnosił się do dziedzictwa marki, ale bez nostalgii. To była jedna z najbardziej komentowanych kolekcji sezonu. Proenza Schouler zaprezentowało kolekcję, której sekretem była struktura i rzeźbiarskie podejście do sylwetki – mocne ramiona, szerokie spodnie i przeskalowane marynarki zdominowały wybieg. Tory Burch powróciła w wielkim stylu, prezentując projekty pełne prostoty, ale z subtelnym pazurem: przezroczystości, asymetrie i zestawienia materiałów dodały kolekcji nowoczesnego charakteru. W tym samym duchu poszła kolekcja Michael Korsa, oparta na idei amerykańskiego minimalizmu, który – jak sam projektant podkreślił – ma być funkcjonalny, ale też pełen stylu. Na wybiegach nie zabrakło gwiazd – Kendall Jenner wystąpiła u Khaite, a Ralph Lauren otworzył swój pokaz z udziałem największych nazwisk świata mody i filmu.